15 sep. 2017

Experiencias de los latinos en EE.UU.: Obras de la colección del MFAH

The Museum of Fine Arts, Houston

El Museo de Bellas Artes, Houston y el Centro Internacional para las Artes del Continente (ICAA) se unen a Google Arts & Culture en la celebración del Mes de la Herencia Hispana 2017 con exposiciones de artistas latinos cuyas obras forman parte de las colecciones del MFAH.

Lorenzo Homar "Unicornio en la isla"
Lorenzo Homar (1913–2004) y su familia emigraron de Puerto Rico a Nueva York en 1928. Allí, en la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn, estudió pintura con Rufino Tamayo y Arthur Osver, y grabado intaglio con Gabor Peterdi entre 1946 y 1950. Homar también se capacitó en el Instituto Pratt de Nueva York y en la Liga de Estudiantes de Arte. El artista trabajó para la casa Cartier como diseñador de joyas de 1937 a 1942 y, después de prestar servicio en el Ejército de EE.UU., volvió a trabajar para la firma de 1946 a 1950. La experiencia de Homar con el grabado de metales mientras trabajaba como diseñador de joyas para Cartier lo impulsó a estudiar caligrafía y escritura española histórica en la Casa del Libro de San Juan cuando volvió a Puerto Rico en 1950. En ese entonces, Homar colaboró en el Taller de Gráfica de la División para la Educación de la Comunidad (DIVEDCO). Dejó el puesto en 1957 para liderar el Taller de Gráfica del Instituto de Cultura Puertorriqueña hasta 1972. Homar es considerado un maestro del grabado. Su trabajo en madera "Unicornio en la isla" es una obra maestra de la gráfica puertorriqueña y un verdadero ejemplo de su uso excepcional de la caligrafía y el texto como elementos indispensables para una composición.

"Unicornio en la isla" es una xilografía (grabado en madera) de tamaño monumental y gran complejidad técnica que nació como una ilustración para "Cuatro sones" (1964) del escritor puertorriqueño Tomás Blanco (1896–1975).

Homar aumentó la obra a su tamaño actual en 1965.

La versión en gran formato del grabado es una fusión tan convincente de imagen y texto que ninguno de los elementos (el poema de Blanco y el virulento paisaje insular) queda en segundo plano.

El texto y la imagen se entrelazan de tal manera que sin uno, el otro está incompleto.

Al igual que las palabras en cada estrofa están formadas por los positivos y negativos del grabado, las cadencias de su ritmo sugerente hacen eco de la turbulencia del paisaje nocturno representado.

"Unicornio en la isla" es una obra significativa porque representa el logro temprano de Homar de reconciliar las posibilidades expresivas de la caligrafía frente a un recurso visual tradicional como el paisaje.

Al emplear la caligrafía como un recurso gráfico, Homar integra las formas tanto de las imágenes como de las letras, y destaca el impacto de la imagen más que la legibilidad del texto en xilografías como ésta.

César Augusto Martínez "Bato con Sunglasses"
César A. Martínez (nacido en 1944) es uno de los artistas chicanos vivos más importantes y un destacado artista del sur de Texas. Martínez, que nació y creció en Laredo, Texas, con raíces en Nuevo León en el norte de México, asistió a Laredo Junior College y obtuvo una licenciatura en educación artística de la Universidad de Texas A&M en Kingsville. Fue reclutado por el Ejército de EE.UU. en 1969 y prestó servicio en Corea hasta 1971, cuando fue dado de baja con honores. La obra de Martínez aborda la dualidad de la vida en la frontera de Texas con México y la cultura híbrida que se desarrolló en este lugar. Fue miembro fundador de varias importantes colectivas chicanas de arte en San Antonio, como Con Safos (con Mel Casas y Felipe Reyes) y Los Quemados (con Armando Peña y Carmen Lomas Garza). Martínez también es conocido como uno de los principales teóricos de los inicios del movimiento de arte chicano en la década de 1970, y su trabajo crítico es considerado una obra seminal entre los historiadores del arte chicano.

En su crudo retrato de un "bato" (o "vato", que significa "hombre" o "tipo" en la jerga mexicana-estadounidense), Martínez continúa las series paralelas de Batos y Pachucos (jóvenes que visten al estilo "zoot suit" de finales de la década de 1930 a principios de la década de 1950), conceptualizadas décadas antes y ejecutadas de 1978 a 1980.

En lugar de representar retratos fieles de personas con vida, las obras de estas series pueden interpretarse como la objetivación de los personajes de barrio por excelencia durante la juventud del artista en Laredo.

Estos personajes callejeros anacrónicos, desplazados en el tiempo, usan atuendos y llevan peinados que los ubican específicamente en las décadas de 1940 y 1950.

Salvo algunas excepciones, las obras de la serie "Batos" son retratos frontales que llegan hasta el torso, como "Bato con Sunglasses".

Estas figuras aisladas trascienden la nacionalidad y la etnicidad para apelar a los espectadores de manera directa y honesta.

Gabriel Orozco "Kiss of the Egg" (El beso del huevo)
Desde la década de 1990, Orozco, que reparte su tiempo entre París, Nueva York y la Ciudad de México, ha creado un cuerpo de obras que combinan su interés por las estructuras abstractas y geométricas con las preocupaciones sociales cotidianas. Al propiciar un tipo de contacto público físico que es a la vez íntimo y deliberadamente ridículo, y que puede (o no) provocar que la galería se ensucie con salpicaduras de huevo, Orozco incorpora parte del caos y la incertidumbre del mundo exterior al entorno tradicional y aparentemente tranquilo de un museo.

"Kiss of the Egg" (El beso del huevo), de apariencia engañosamente simple, es una de varias obras que el artista conceptual mexicano Gabriel Orozco (nacido en 1962) concibió para que funcionaran como forma escultural y juego interactivo.

Dos personas colocan la cabeza en el ocho de la figura, una en cada lado, y tratan de besar un huevo al mismo tiempo sin dejarlo caer.

El acto puede provocar que los participantes se sientan extremadamente incómodos, no solo porque están participando en una escena de beso en público recreada de manera absurda, sino también debido al riesgo de romper el huevo.

Marcos Raya "The Anguish of Being and the Nothingness of the Universe" (La angustia del ser y la nada del universo)
Marcos Raya (nacido en 1948) es un artista oriundo de Irapuato, Guanajuato, México, que actualmente vive en Chicago. Es conocido por sus murales comunitarios de la década del setenta, presentes en muchos de los barrios de clase trabajadora e inmigrante de Chicago, que le dieron fama internacional. El trabajo sobre lienzo de Raya fue descubierto a fines de la década del noventa con su participación en la exhibición de 1997 "Arte en Chicago 1945–1995" en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. Raya, hijo de trabajadores mexicanos, llegó a Chicago en 1964 a la edad de 14 años después de la separación de sus padres. En gran medida autodidacta, tomó cursos en la Academia San Carlos de la Ciudad de México a fines de la década de sesenta. Después de pasar un tiempo en México y volver a Chicago, el artista tuvo altibajos con el alcoholismo, una experiencia que le imprimió a sus obras una intensidad alucinatoria y un macabro sentido del humor. "The Anguish of Being and the Nothingness of the Universe" (La angustia del ser y la nada del universo) es un tondo contemporáneo a gran escala. Es imposible no verlo como un mural portátil inspirado en los murales a gran escala de los inicios de su carrera, como "Homenaje a Diego Rivera", el primer mural de Raya (en 18th Street y Main Street en Chicago) de 1972, donde el artista recreó vagamente el mural destruido de Rivera del Rockefeller Center de 1933, "Man at the Crossroads" (Hombre en la encrucijada) (también conocido como "Man, Controller of the Universe" [Hombre, controlador del universo]). En ambas obras, Raya fusiona la carne y el metal para representar un "universo mecánico" similar a su transformación del hombre en máquina, una preocupación que el artista de Chicago manifiesta en sus obras.

Esta importante pintura en la trayectoria de Raya cuenta con muchas de sus herramientas pictóricas favoritas.

"The Anguish of Being and the Nothingness of the Universe" (La angustia del ser y la nada del universo) también es particularmente significativa por su gran tamaño, de casi dos metros de diámetro.

Además, responde a una antigua tradición de los retratos, que consiste en representar una máscara o figura similar a un cráneo de cuyos ojos emana una historia alternativa, una temática que se repite en otras obras de Raya.

Las máscaras que emplea Raya funcionan como motivos iconográficos y son similares a las que utilizan los contrincantes en la lucha libre mexicana.

En este sentido, la máscara permite que Raya hable de su lucha continua por la salvación personal o de sus esfuerzos por preservar una identidad mexicana.

Daniel Joseph Martínez "To Make a Blind Man Murder for the Things He's Seen (Happiness Is Overrated)" (Que un ciego mate por las cosas que ha visto [La felicidad está sobrevalorada])
Daniel Joseph Martínez, nacido en Los Ángeles en 1957, obtuvo un título en Bellas artes del Instituto de Artes de California en esa ciudad en 1979 y realizó sus estudios de posgrado de manera independiente con el artista alemán Klaus Rinke. Martínez alcanzó la fama en 1993 cuando fue seleccionado para participar en la Bienal del Whitney, y nuevamente en 2008, cuando presentó la instalación "Divine Violence" (Violencia divina), que actualmente forma parte de la colección del Museo Whitney de Arte Estadounidense. Los aspectos deshumanizantes de la tecnología, así como su desglose y la sensación de que algo salió terriblemente mal, es el núcleo de gran parte del trabajo reciente de Martínez. Su trabajo, que durante mucho tiempo se inspiró en las tradiciones posteriores a 1965 del arte conceptual, interpretativo y situacionista, es a menudo brutalmente impactante, frontal y hasta insultante. Sin embargo, si uno logra trascender la incomodidad y la repulsión inicial que se siente al confrontar la obra de Martínez, su trabajo se convierte en un reflejo atractivo y evocador de la vulnerabilidad humana. El trabajo de Martínez incluye las obras de 2002 "Nallekaghnituten: Man Who Throws Rocks (An Event for an A-Moralist as Parrhesiasters)", "Narcissus Was a Pretty Boy You Know, He Lived Without Anesthesia" y "Call Me Ishmael: The Fully Enlightened Earth Radiates Disaster Triumphant" de 2006. "To Make a Blind Man Murder for the Things He’s Seen (Happiness Is Overrated)" dio inicio a un conjunto de obras que, notablemente, trascienden la noción del "artista como lienzo".

En "To Make a Blind Man Murder for the Things He’s Seen (Happiness Is Overrated)", el clon del artista se arrodilla en el suelo vestido con un mono de trabajo marca Dickies de color azul marino y sostiene una hoja de afeitar en cada mano.

Cuando una risa rebota en el cubo blanco donde se encuentra la instalación, la figura se corta una muñeca y, luego, la otra en un ritual de suicidio (sin éxito).

Esta es su primera obra animatrónica, una adaptación contemporánea del "spectacle mécanique", la curiosidad francesa del siglo XIX que utilizaba maniquíes articulados para representar seres humanos.

El arte de la serie de 2002 de Martínez muestra que el artista parte de la investigación del potencial expresivo de su propio cuerpo para introducir un reemplazo tridimensional de su identidad física.

Estos androides, como Martínez llama a los análogos mecánicos de su obra animatrónica, existen en un estado transgresor que está a un paso de la muerte.

José Gabriel Fernández "Revolera"
El artista venezolano José Gabriel Fernández (nacido en 1957) reside en EE.UU. y es uno de los artistas venezolanos más importantes que emergió en la década del noventa. Su obra propone una lectura íntima de la escultura mediante geometrías y volúmenes prístinos, que simulan un diálogo entre la escultura y el cuerpo. En estas piezas, el artista explora la tradición de la tauromaquia como enfoque para comprender temas culturales más amplios, por ejemplo la ambigüedad de género y los conflictos de identidad. Las formas suaves y curvas, que recuerdan a la obra del escultor rumano Constantin Brancusi, contrastan con los materiales pesados y rígidos que las componen.

De esta manera, capturan poéticamente la paradoja de género que presentan las corridas de toros, un tipo de faena que transita entre varias dualidades: es a la vez arte y deporte, extenuante y elegante, masculina y femenina.

Los vacíos silenciosos en "Revolera" hacen referencia al título de la obra.

Los movimientos formales que se realizan en la plaza de toros con la capa del matador en los que se inspira Fernandez tienen su complemente perfecto en una serie paralela de esculturas de bulto que también están en las colecciones del MFAH.

Como es debido, estas esculturas llevan el nombre de varios tipos de "revoleras", los movimientos danzantes que se realizan durante el espectáculo taurino.

Créditos: Historia

TEXT BY:
● María C. Gaztambide, associate director, ICAA
● The Museum of Fine Arts, Houston

MAIN SOURCE:
● "American Art & Philanthropy: Twenty Years of Collecting at the Museum of Fine Arts, Houston" by Peter C. Marzio, 2010, Yale University Press

DESIGN:
● Matt Lawson, digital assets administrator, MFAH

Créditos: todo el contenido multimedia
En algunos casos, es posible que la historia destacada sea obra de un tercero independiente y no represente la visión de las instituciones que proporcionaron el contenido (citadas a continuación).
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