Salvatore Ferragamo: Ist Mode Kunst?

Museo Salvatore Ferragamo

Im Inneren der Ausstellung "Across art and Fashion" und Salvatore Ferragamos künstlerischen Kooperationen

Der Fall von Ferragamo
Der erste Abschnitt der Ausstellung widmet sich Salvatore Ferragamo und seinen Schuhen, die schon in den dreißiger Jahren als echte Kunstwerke angesehen wurden, in Übereinstimmung mit einem Kunstbegriff, der sich auf die Technik konzentrierte, wie auf konzeptionelle Kreativität. Ferragamo nutzte die Bottega des Renaissance-Künstlers als Vorbild für seine Arbeit, und Florenz bot unzählige Beispiele dafür an. Darüber hinaus umarmte der Schuhmacher stolz die Rolle des Handwerkers / Künstlers, der für die künstlerische Tradition Italiens wichtig war. Eine Videoinstallation zeigt Schuhe mit ihrer Inspirationsquelle: die klassische Welt, den Orient, die avantgardistische Kunstbewegung des neunzehnten Jahrhunderts und den Surrealismus sowie die Stadtkultur der Handwerkskunst. In diesem Raum finden Sie auch die originalen Skizzen für Werbungen, die der Futurist Maler Lucio Venna in den dreißiger Jahren für Ferragamos Schuhe entworfen hat, die geschaffenen Stile für Intellektuelle und Künstler und Kenneth Nolands Gemälde aus den späten fünfziger Jahren, die Ferragamo für die Dekoration eines Schuhs und seines Namens inspirierten.

Eine einfache Frage verbirgt das komplexe Universum einer artikulierten Beziehung, die seit langem untersucht worden ist, aber ohne eine klare und eindeutige Definition zu finden.

Dieses Projekt analysiert die Formen des Dialogs zwischen diesen beiden Welten: gegenseitige Inspirationen, Überschneidungen und Kooperationen, von den Erfahrungen der Präraffaeliten bis zu denen des Futurismus und vom Surrealismus bis zur Radikalen Mode.

"Pisanello" Hofkap

Das von Pisanello inspirierte Kap, großzügiger Weise von der Galerie des Palazzo Pitti geliehen, wird ausgestellt neben der zeitgenössischen Kleidung, die von einem anderen berühmten Kunstwerk inspiriert wurde, in einem Raum, der mit einem Artikel von Sergio Tofano tapeziert ist, der in Lidel im Jahre 1920 erschien, wo der berühmte Illustrator sich italienische Kleidung, die im Stil von Beato Angelico und Masaccios Fresken gemacht sind, vorstellte.

Das Video der Florence Art and Fashion Biennale im Jahr 1996, Regie von GermanoCelant, Ingrid Sischy und Luigi Settembrini, dient als Sounding Board für diese Idee. Mit der Einbeziehung von 40 internationalen Namen der Kunst und 38 der Mode erforschte und zeigte dieser Film, wie sie sich gegenseitig beeinflusst haben, die kreative Beziehung zwischen Mode und visuellen Künsten, Design, Architektur, Film, Fotografie, Kleidung und Geschichte, um die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf dieses Thema zu lenken.

Rosa Genoni, 'Pisanello' Hofkap, 1906, Seidensamt mit Stickerei und Spitzenapplikationen, Metallfadenfransen, zylindrische und runde Perlen. Florenz, Gallerie degli Uffizi, Galleria del Kostüm di Palazzo Pitti.

Mode und Kunst Inspiration
Kunst und Mode spielen heute oft von einander und haben es in der Vergangenheit getan. Während die Künstler fasziniert sind von der Kleidung, die als ein wichtiges Instrument gilt, um den Realismus zu ihren Kreationen zu bringen, haben Schneider oft von der Welt der Kunst Inspirationen genommen und handeln selbst wie Künstler. Kunsthistoriker benutzen die Kleidung in einem Gemälde zur Datierung des Kunstwerks und umgekehrt verwenden Modehistoriker die Kleidung in Gemälden, um die Art und Weise, wie sich die Kleidungsstücke bewegt haben, zu studieren, wie sie gehalten wurden und wie sie fielen. Die Geschichte der modernen italienischen Mode begann mit den ersten Debatten an der Wende des 20. Jahrhunderts zur Notwendigkeit, der italienischen Bekleidungsproduktion eine nationale Identität zu geben und die Bezugnahme auf die italienische Kunst wurde als ein Weg gesehen, um die italienische Mode deutlich von der damals herrschenden französischen Mode zu unterscheiden. Rosa Genoni, eine Schneiderin und eine Schneiderlehrerin in einer Berufsschule für Frauen in Mailand, spielte dabei eine Schlüsselrolle. Auf der Mailänder Expo von 1906 hatte sie zwei Kleider als Manifeste für ihre Ideen machen lassen: eines wurde von einer Zeichnung von Pisanello am Musée Condé in Chantilly inspiriert und das andere war ein Kleid, das von Botticellis Primavera inspiriert wurde.

ÜBER MODE UND KUNST
Museo Salvatore Ferragamo

Die Ausstellungsroute konzentriert sich auf die Arbeit von Salvatore Ferragamo, der von den avantgardistischen Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts fasziniert und inspiriert wurde, an mehreren Ateliers der fünfziger und sechziger Jahre, die Studien- und Begegnungsstätten waren und auf dem Aufkommen der Kultur der Berühmtheiten. Es untersucht dann das Experimentieren der Neunziger Jahre und fährt fort zu überlegen, ob in der zeitgenössischen Kulturindustrie wir noch über zwei getrennte Welten sprechen können oder ob wir stattdessen mit einem flüssigen Wechselspiel von Rollen umgehen.

Der markante Aspekt des Ausstellungslayouts liegt in der Zusammenarbeit mit anderen Kulturinstitutionen, die sich aktiv an der Umsetzung dieses Konzepts mit dem Ziel, gemeinsam zu reflektieren, beteiligt haben: neben dem Museo Salvatore Ferragamo, Promotor und Organisator des Projektes zusammen mit der Stiftung Ferragamo, in Florenz die Biblioteca Nazionale Centrale, die Gallerie degli Uffizi (die Galleria d'arte moderna di Palazzo Pitti und die Galleria del Kostüm), das Museo Marino Marini und in Prato das Museo del Tessuto.

Formen und Flächen
Seit Jahrhunderten habenKünstler Kleidung bis auf das kleinste Detail abgebildet, da sich Stile im Laufe der Zeit verändert haben und uns eine visuelle Geschichte von Bewegungen, Posen und Geschmacksrichtungen sowie von Schneiderlösungen, Materialien und Dekorationen, die von namenlosen Handwerkern und Frauen entworfen wurden, hinterlassen haben. Die Künstler haben sich aktiv an dieser Rivalität beteiligt, um Luxusgüter zu kreieren, Stoffe, Schnürsenkel, Stickereien und sogar Ballsaalkostüme zu entwerfen und zu veranlassen, was zu Modekommunikation mit Meisterwerken in der Kunst des Gravierens werden würde. Während des achtzehnten Jahrhunderts begann sich die Mode in den Städten mit dem Beitrag der Textilindustrie und den modernen Formen der kommerziellen Verteilung zu verbreiten. Eine vollständige Umwandlung wurde gesehen und neue und originelle Zusammenarbeit zwischen Kunst und Mode entstand. Die Beziehungen zwischen diesen beiden Welten wuchsen immer enger und intensiver mit dem Austausch zusammen, der nicht mehr darauf beschränkt war, die Oberklasse darzustellen, wie sie die neueste Mode trägt.

in diesem Abschnitt finden Sie eine Reihe von Beispielen, um den Besuchern diese Interaktion zu zeigen, die nun seit über einem Jahrhundert stattfindet.
Es beginnt mit den englischen Präraffaeliten und setzt sich mit der Wiener Sezession um Gustav Klimt und der Wiener Werkstätte fort, gefolgt von Mariano Fortuny, ohne dabei die experimentelle Arbeit der Futuristen zu übersehen.
Der nächste Abschnitt erkundet die Arbeit von Mode schaffenden Künstlern wie Sonia Delaunay und direkte gemeinschaftliche Projekte zwischen Künstlern und Modedesignern wie Thayaht mit Vionnet und Dalì und Cocteau mit Schiaparelli bis hin zu neueren gemeinschaftlichen Arbeiten. Besondere Aufmerksamkeit gilt den Designern, die, von der Kunst inspiriert, die Mode revolutionierten, wie z.B. Yves Saint Laurent und Mondrian.
Dieses Thema wird von verschiedenen Standpunkten aus analysiert: die Künstler, die Alternativen zu aktuellen Trends schufen und jene, die mit der Modebranche zusammengearbeitet haben; Modedesigner, die die Kreativität der Künstler suchten und die avantgardistische Ideen teilten, die sie als die originellsten empfanden, aber vor allem Inspiration für Formen und Oberflächen in Kunstwerken aller Zeitalter gefunden haben.

Durch seine Anwesenheit in der New Yorker Kulturszene, die Teilnahme an Partys, Eröffnungsnächten, Retrospektiven und Modenschauen half er, die Beziehung zwischen Kunst, Mode und Prominenten so zu gestalten, wie wir sie heute kennen. Dieses Konzept wird in einer Reihe von Fotografien erforscht, die Warhol bei verschiedenen gesellschaftlichen Veranstaltungen in New York und mit der berühmten Installation Altered Image des Mako Studios zeigen.

Es gibt keinen Zweifel daran, dass Andy Warhol mit seiner Arbeit einen starken - und häufig frevlerischen - ästhetischen Beitrag entfesselt hat: das krasseste Beispiel dafür ist das Souper-Kleid, eine Destillation von Mode, Kunst und Industrie. Dieses Kleid, das in den sechziger Jahren aus Papier, Zellstoff und Baumwolle hergestellt wurde und mit einem Siebdruck der berühmten Campbell-Suppe versehen war, der fortlaufend wiederholt wurde, ist im Rahmen der Ausstellung zu sehen.

Andy Warhol, Strategien der Kommunikation
Künstler haben oft mit Mode Medien zusammengearbeitet, wie z.B. als Illustratoren für Zeitschriften und Werbekataloge. Die Arbeit von Andy Warhol ist eines der bekanntesten Beispiele für diese Symbiose zwischen den Welten der Kunst und der Mode. Warhols Karriere begann in der Mode, als er in den frühen fünfziger Jahren als kommerzieller Illustrator für Glamour, Vogue und Harper's Bazaar arbeitete und subtile, elegante Schuhe entwarf. Dieser Abschnitt enthält Seiten, die in Modezeitschriften der Zeit veröffentlicht wurden und seine ersten Arbeiten als Modegrafiker zeigen. Warhol leitete auch Interview, ein Magazin, das die Welt der Kunst und Mode überspannte. Hier werden 18 Ausgaben des Interview gezeigt.
Germana Marucelli, eine seltene Interpretin der Poesie
Während das Atelier von Ferragamo nach einer Werkstatt eines Renaissance-Künstlers oder Handwerkers modelliert war, in dem die Technik so wichtig war wie die Kreativität, war das Atelier von Germana Marucelli in den sechziger Jahren ein Treffpunkt für die Großen der Mode, Künstler und Intellektuelle, die auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen vereint waren, die in der Lage wären, den Zeitgeist zu interpretieren. Dieser Abschnitt baut Marucellis Atelier/Salon nach und zeigt die ursprünglichen Kunstwerke, die an den Wänden hingen: Arbeiten von Pietro Zuffi, Getulio Alviani und Paolo Scheggi zusammen mit der Kleidung, die durch die Zusammenarbeit dieser Künstler geschaffen wurde. Dieser Abschnitt der Ausstellung dokumentiert außer den Dokumenten, Fotografien, Werbebroschüren und Publikationen auch die Jahre, die zu diesem Zeitpunkt führten, d.h. die Nachkriegszeit, als die Schneiderin den San Babila Poesiepreis einrichtete und Schriftsteller und Dichter, einschließlich der einflussreichsten Dichter des italienischen 20. Jahrhunderts, wie Ungaretti, Quasimodo und Montale, jeden Sonntag ihren Salon besuchten.
Yinka Shonibare
Yinka Shonibare, ein britisch-nigerianischer Künstler, zeigt uns, dass die Kunst die Mode nutzen kann, um ihre kritische Sprache zu formen. Seine Installationen und Filmtranspositionen eröffnen eine tiefgreifende Reflexion über den Multi-Kulturalismus vor allem durch die Erforschung des Kolonialismus. Die Figuren in seinem Werk sind Schaufensterpuppen in theatralischen, dramatischen Posen, die in die Kleidung des 18. und 19. Jahrhunderts gekleidet sind, die aber aus Batik-Stoff hergestellt ist, der klar afrikanischen Ursprungs ist.
Vom Atelier zum Moodboard
Dieser Abschnitt geht vom Atelier zum Moodboard über, um zu zeigen, wie Modedesigner durch die Bilder, die aus einem Informationsfluss hervorgehen, zunehmend zu Geschichtenerzählern werden, während sie versuchen, die Aufmerksamkeit und Erinnerung der Öffentlichkeit anzuregen. Dieser Raum, der Dank A MAGAZINE CURATED BY entstand, bietet dem Publikum das imaginäre, visuelle Universum brillanter kreativer Köpfe wie Haider Ackermann, Martin Margiela, Yohji Yamamoto, Iris van Herpen, Dries van Noten, Giambattista Valli, Stephen Jones, Rodarte, Jun Takahashi, Kris van Assche, Martine Sitbon, Proenza Schouler und Riccardo Tisci in einem Kaleidoskop der Kunst, Musik, Poesie und Fotografie.
Rollenspiel
Heute ist klar, dass die Beziehung zwischen Malerei Kunst und Mode den Dualismus (in dem zwei getrennte Systeme sich gegenseitig summieren und interagieren, aber getrennt bleiben) überwunden hat, der in der Geschichte der Mode im Laufe des letzten Jahrhunderts festzustellen war. Wie die Kunst reflektiert die Mode die Praxis des Handwerks und durch die Arbeit von Künstlern wie Hussein Chalayan, Martin Margiela, Viktor & Rolf, Helmut Lang und Nick Cave zeigt dieser Abschnitt, wie es in der Neuzeit immer schwieriger wird, die verschiedenen Formen des kreativen Ausdrucks zu definieren und klassifizieren.
Italienische Zeitschriften des 20. Jahrhunderts
In Zusammenhang mit dem vierten Abschnitt des Museo Salvatore Ferragamo zeigt die Ausstellung in der Nationalbibliothek der Stadt, wie das Verhältnis von Kunst und Mode beginnend mit den frühen neunzehnten Jahrhundert in der Presse dargestellt wird und konzentriert sich dabei vor allem auf Italien. Er enthält die Mode-Illustrationen, die in den Zeitschriften vor dem Aufkommen der Fotografie zur Arbeit der Avantgarde-Künstler - insbesondere der Futuristen - in der Debatte über Kleidung und der Neubewertung der Handwerkskunst in der Mode veröffentlicht wurden. Im Weiteren wird die Rolle erforscht, die wichtige Namen der Mode im Kunstdruck und in Kunstveranstaltungen gespielt haben und umgekehrt wird auch gezeigt, wie Modezeitschriften Artikel über Kunstausstellungen und andere Themen, die eng mit der Kunst verbunden sind, veröffentlicht oder sogar Künstler selbst als Modelle und Fürsprecher für Modekollektionen verwandt haben.
Das modische 19. Jahrhundert
Es war im 19. Jahrhundert, als mit dem Aufstieg des Bürgertums und der industriellen Produktion die Mode nicht mehr das Privileg der herrschenden Klassen und des Adels allein war, dass sich der Austausch zwischen Kunst und Mode intensivierte. In den frühen Gemälden des Jahrhunderts fiel der Fokus auf Kleidung mit der Auffassung von Geschmack, der sich auf jeden Aspekt des Lebens und des Aussehens erstreckte zusammen und widerspiegelte das demokratische Klima, das von der französischen Revolution gefördert wurde. Frauen trugen Leinen und Baumwolle, vorzugsweise weiß, die die kunstvolle Zurschaustellung des Ancien Régime mit einer "Eleganz" auf Grundlage der leichten, essentiellen und einfachen Formen kontrastierten, die an die klassische Skulptur erinnerten.

Ein Zeichen der neuen und dynamischen Modernität

In der Mitte des 19. Jahrhunderts wurde die Porträtmalerei zum bildlichen Genre, das dazu bestimmt war, das neue Prinzip der Wahrheit in die Kunst einzuführen und sich den Charakterstudien und der sorgfältigen Darstellung von Kleidung und Umgebung zu widmen, im Einklang mit dem Stil des naturalistischen Romans. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zeichnete die figurative Kunst zusammen mit dem aufstrebenden Bereich der Fotografie Querschnitte der Realität entsprechend der Ästhetik auf, die zunehmend auf die Erfassung des beobachteten Themas ausgerichtet waren, um eine echte photorealistische Visualisierung zu ermöglichen. Die Künstler sahen die Mode als Zeichen der neuen und dynamischen Moderne an und in ihren Kunstwerken betonten sie Details und Accessoires, die die geheimnisvolle Kraft eines Symbols erwarben.

Die Mode der Zeit wurde mit einer beispiellosen beruflichen Struktur (Haute Couture) ausgestattet, die für ein sozial gemischtes Publikum von weiblichen Konsumenten zum Bezugspunkt wurde. Mit ihrer Kunst trugen Maler wie Giovanni Boldini zum Wachstum dieses Phänomens bei und versuchten, die Darstellung der Eleganz und des sozialen Optimismus der Ära im Einklang mit dem sprudelnden Klima der Belle Époque und den Bestrebungen der Mittelschicht, die sich nach einer internationalen Bühne sehnte, so realistisch wie möglich zu gestalten.

Nostalgie nach der Zukunft in künstlerischen Geweben der Nachkriegszeit
Im neunzehnten Jahrhundert vermischten sich Kunst, Mode und Textildesign und vermittelten sich gegenseitig Ideen, Töne und Stile, die durch die neuen Materialien ausgedrückt werden konnten, die von der Industrie geschaffen oder durch das Experimentieren in Ateliers entdeckt wurden. Eine Reihe von Veranstaltungen half ihnen, Ideen auszutauschen und zu wachsen: zuerst die Ausstellung der Biennale von Monza (1923-1930), die gefolgt wurde von den Ausstellungen der Mailänder Triennale (ab 1933), wo Künstler und Architekten die Notwendigkeit hervorhoben, den dekorativen Künsten eine Funktion zu geben, ein Konzept, das heute als integraler Bestandteil eines Designs gilt. Die Anwendung dieses Prinzips begann in der Nachkriegszeit, als im Rahmen des notwendigen Wiederaufbaus die Reorganisation der italienischen Industrie und der blühenden Kunstbewegung zu interessanten Wechselwirkungen zwischen Kunst, Mode und Design führten.

50er Jahre

Die Events der IX bis zur XI Triennale in den fünfziger Jahren dienten als entscheidender Test für Künstler und Designer: Lucio Fontana, Bruno Munari, Roberto Crippa, Piero Dorazio, Gianni Dova, Fede Cheti, Fausto Melotti, Gio Ponti und Ettore Sottsass nahmen an den Wettbewerben teil, die von Textilfirmen organisiert wurden und präsentierten ihre Entwürfe - Muster für Stoffdrucke - in einer Vielzahl von Farbzusammenstellungen für Kleidung und Polster im modernen Zuhause.

Kulturelle Veranstaltungen und Initiativen wie die von Carlo Cardazzo in der Galleria del Cavallino in Venedig zeugen mit Sonderausgaben von Seidenschals, die von Künstlern entworfen wurden - tragbare Kunstwerke - und Tapisserien - Kunstwerke für das Haus - von der Mentalität der Anwendung der Ästhetik auf das tägliche Leben.

In diesem Abschnitt interagieren die Schals von Edmondo Bacci, Giuseppe Capogrossi, Massimo Campigli, Roberto Crippa, Lucio Fontana, Bruno Saetti, Franco Gentilini, Emilio Scanavino und Marino Marini mit den Wandteppichen von Alfredo Chighine, Enrico Bordoni, Atanasio Soldati, Silvano Bozzolini und Guido Marussig: Textilkunst, die das Konzept der Total Art jener Jahre widerspiegelt.

Kollektivarbeiten
Die Grenzen zwischen Kunst und Mode wurden in den Achtzigern weniger deutlich, als die Formen der Beziehung zwischen den beiden Welten auf internationaler Ebene wuchsen. Kunstinstitutionen, wie das Metropolitan Museum in New York 1983 in Bezug auf Yves Saint Laurent oder der Palazzo Strozzi in Florenz 1985 in Bezug auf Salvatore Ferragamo, öffneten Designern ihre Türen. Saint Laurent und Ferragamo waren die Pioniere einer zunehmend verbreiteten Tendenz, die die Ausstellung eines Modedesigners in einem Museum als eine Form der Legitimation seiner Arbeit betrachtete.

Während Kunstgalerien und Auktionshäuser dem Phänomen mehr und mehr Aufmerksamkeit widmeten, schufen die großen Modedesigner Räume, die speziell Kunstausstellungen, geförderten Shows und Kunstwerken aus der ganzen Welt gewidmet waren, was zu ihrem wachsenden Ruhm beitrug.

Im Gegenzug haben die Künstler mit der Mode aus den unterschiedlichsten und komplexesten Gründen zusammengearbeitet: von einfachen finanziellen Erwägungen bis hin zu dem Wunsch nach Beliebtheit, von persönlichen Beziehungen zu Neugier und vom Großprojekt eines Gesamtkunstwerks bis hin zur revolutionären Utopie.

Salvatore Ferragamo und die Kunst

Salvatore Ferragamo stellt ein Beispiel für die Zusammenarbeit zwischen Kunst und Mode dar, das die Konsequenz der Praxis des Firmengründers in den dreißiger Jahren ist. Die Themen der Tradition, die aus der Geschichte der Marke stammen, stimulieren die Reflexion über die Gleichzeitigkeit und erstrecken sich über die eng miteinander verknüpften Bereiche der Mode hinaus.

Seit 1996, als das Modehaus die erste Florence Biennale "Il Tempo e la Moda" unterstützte, die von Germano Celant, Ingrid Sischy und Luigi Settembrini betreut wurde und die eine Retrospektive über Bruce Weber im Museo Salvatore Ferragamo veranstaltete, das eben eingeweiht worden war, hat sich die Beziehung zur Welt der Kunst intensiviert. Es wurden Künstler an Kommunikationsprojekten, limitierten Arbeiten und Kunstwerken beteiligt, die speziell für Ausstellungen und Sonderveranstaltungen geschaffen wurden.

Mitwirkende: Geschichte

Nachweise
Museo Salvatore Ferragamo
Museo Salvatore Ferragamo
Florenz, Italien
Ausstellungsprojekt an mehreren von Stefania Ricci betreuten Orten
Gefördert und organisiert von der Fondazione Ferragamo Museo Salvatore Ferragamo

in Zusammenarbeit mit
Biblioteca Nazionale Centrale Firenze
Gallerie degli Uffizi, Galleria d'arte moderna und Galleria del Costume des Palazzo Pitti
Florenz
Museo del Tessuto Prato
Museo Marino Marini Florenz
Mit der fundamentalen Unterstützung durch
Ministero dei Beni e delle Attività Culturali
e del Turismo (Ministerium für Kunst, Kultur und Tourismus)
Soprintendenza Belle Arti e Paesaggio per
le Province di Firenze, Pistoia e Prato
mit der Beteiligung von
Fondazione Massimo e Sonia Cirulli, Bologna
mit dem Beitrag von
Centro di Firenze per la Moda Italiana
unter der Schirmherrschaft des
Ministero dei Beni e delle Attività Culturali
e del Turismo (Ministerium für Kunst, Kultur und Tourismus)
Regione Toscana
Comune di Firenze

Quelle: Alle Medien
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