Las facetas múltiples de la innovación

Como miembro de Los Disidentes, Otero contribuyó al manifiesto inaugural del grupo, escrito en 1950. Los artistas directamente rechazaban lo que percibían ser una visión anacrónica de la producción artística y proponían, en su lugar, una visión de cara a un nuevo futuro:

“Vamos contra lo que nos parece regresivo o estacionario, contra lo que tiene una falsa función. […] "NO" a los falsos Salones de Arte Oficial. "NO" a ese anacrónico archivo de anacronismos que se llama Museo de Bellas Artes. "NO" a la Escuela de Artes Plásticas y sus promociones de falsos impresionistas. "NO" a las exposiciones de mercaderes nacionales y extranjeros que se cuentan por cientos cada año en el Museo”.

Vidal fue cofundador del grupo de arte generativo, establecido en 1960, junto a Eduardo Mac Entyre. La filosofía artística del grupo se vio influenciada por las matemáticas y la física, y siguió el concepto de que la interacción de líneas, formas geométricas, y color produciría un arte que generaría la percepción de movimiento. Por lo tanto, el arte generativo transforma el plano bidimensional en un espacio de movimiento continuo mediante la regeneración óptica de las formas. El estilo de Vidal evolucionó con el tiempo y ya en las décadas de 1970 y de 1980, su trabajó tomó un interés especial por los efectos de la luz sobre bandas de color. Sus figuras geométricas, que hasta entonces se presentaban rígidas y lineares, comenzaron a asumir formas más fluidas, como se observa en Comenzando lo irreconocible.

Con la primera exposición de arte generativo, realizada en 1960 en la Galería Peuser en Buenos Aires, tanto Mac Entyre como Vidal contribuyeron a una creciente tendencia en el arte argentino que exploraba el movimiento y la percepción a través de la abstracción geométrica. Su filosofía artística respondía a la regeneración automática de la forma que crea una sensación de movimiento. Como Los Disidentes, quienes a la vez se establecieron como artistas y teóricos, el grupo de arte generativo escribió su propio manifiesto que claramente estableció una estética autónoma e identificaba los principios teóricos sobre los que su arte se analizaría. De este modo, estos creadores se posicionaron como innovadores e inventores de nuevas formas artísticas.

Entre todos los artistas cinéticos de Venezuela, quizás Soto haya sido el más experimental en cuanto a los medios y métodos que utilizó para ampliar las posibilidades del arte más allá de la superficie plana. A partir de la década de 1950 y continuando en la de 1960, este artista comenzó a superponer el alambre sobre el lienzo o sobre capas de láminas de plexiglás coloridas y transparentes, produciendo una ilusión óptica de movimiento y de vibración mediante la interacción de líneas y de figuras geométricas. Su interés por los materiales industriales y sintéticos y su exploración de espacios que manipulan la percepción, se tradujeron más adelante en instalaciones inmersivas llamadas Penetrables. La primera de esta serie fue producida en Caracas en 1968. Estas instalaciones monumentales en forma de cubos, fueron compuestas por tubos elásticos de nylon, que permitían al observador entrar a la obra y navegar por su complejo interior. Las instalaciones escultóricas de Soto tradujeron sus primeras exploraciones del movimiento y la vibración mediante figuras geométricas en un espacio vivido y tridimensional.

El “Manifesto de Arte Generativo” (1960), escrito por Mac Entyre y Miguel Ángel Vidal, refleja la imposibilidad de escapar a la era tecnológica. Por lo tanto, la coexistencia del arte y la tecnología se volvió central al proyecto artístico de Mac Entyre. Dicho manifiesto expresa:

“También es indudable que este tipo de pintura se identifica con términos más tecnológicos creados por la época en que nos toca vivir y que es absurdo escapar, dentro del mismo tecnicismo debemos engendrar la belleza lo que es más importante que evadirse, pues estas obras producen también FUERZA y ENERGIA”.

Soto escribió profusamente acerca de su visión de la producción artística. En cuanto a la transparencia y el uso de las láminas acrílicas, afirmó:

“Yo quería dinamizar las líneas de mis permutaciones, quería incorporar el tiempo y el movimiento a la obra, pero de otra manera. La solución la encuentro al superponer dos superficies pintadas, una opaca y otra transparente, con unos centímetros de separación entre ellas. Así, incorporo el espacio que se revela entre dos planos separados, al igual que pido la participación del espectador, quien dinamiza la obra desplazándose frente a ella”.

Miembro del grupo de arte generativo junto a Vidal y Mac Entyre, Brizzi contribuyó al continuo debate acerca del rol del artista contemporáneo en adaptarse al mundo en que vive y cómo contribuir al progreso a través de su arte. El crítico Basilio Uribe escribe con respecto a Brizzi: “Los artistas tienen la obligación de su época, y una de las características más acentuadas de la nuestra son los recursos tecnológicos que se traducen en nuevos materiales”. Brizzi no sólo experimentó con la regeneración de las formas geométricas mediante sus composiciones en papel y lienzos, sino que también produjo esculturas y obras en plexiglás y acrílico laminado.

Artista francés de origen húngaro, Vasarely es uno de los principales pioneros internacionales del Op art (arte óptico). Su obra se compone de intersecciones precisas de líneas con colores contrastantes que producen una ilusión espacial y crean la profundidad visual. Formó parte de un intercambio transatlántico entre artistas provenientes de Europa y Venezuela a través de su participación en el proyecto de Carlos Raúl Villanueva de renovar la Ciudad Universitaria de Caracas (1944-70), convirtiéndola en un complejo arquitectónico que transformó al campus en símbolo de modernidad y el planeamiento urbano. Vasarely se unió a un grupo de artistas europeos, estadounidenses y venezolanos entre los que se encontraban Alexander Calder, Fernand Léger, Antoine Pevsner, Alejandro Otero, Carlos Cruz-Diez y Mateo Manaure, quienes contribuyeron con el programa de arte público del icónico campus de Villanueva.

La superposición de diversos planos de líneas o de formas geométricas fue esencial al método artístico de Soto. Cada plano creado por estas intersecciones de línea y de color producía una obra compuesta por varios niveles de profundidad que crearon la impresión óptica de movimiento o de vibración a medida que el espectador variaba su posición con respecto a la obra de arte. Soto sobrepasó los límites del arte cinético en la década de 1970, cuando comenzó a realizar instalaciones tridimensionales que transformaban el espacio real en obra cinética. El artista pronto obtuvo reconocimiento internacional como pionero que transformaba del arte en un experimento de innovación, y que involucraba al espectador alterando su propio sentido del espacio.

Más allá de su exploración de los materiales industriales, lo singular de las contribuciones de Cruz-Diez al arte óptico y arte cinético es su excepcional erudición acerca del color y su teoría. Este dominio del color y conocimiento de las maneras en que los matices contrastantes son capaces de producir efectos ópticos o de generar la ilusión de la profundidad espacial, fueron consolidados por una profunda formación en las ciencias del color y la percepción. Las matemáticas, la química y la teoría del color se volvieron parte central de los procesos de este artista. En sus palabras: “Traté de combinar todo mi conocimiento artístico y la información de fenómenos sencillos ya analizados por la química, la física y la óptica, para elaborar una plataforma de trabajo que he buscado desarrollar a lo largo de los años bajo el concepto de que el color es inestable y se encuentra en continua transformación”. Toda la carrera del artista puede, entonces, concebirse como una exploración casi científica de la mutabilidad del color.

En sus comienzos, Pardo fue una expresionista abstracta. Sus cuadros se caracterizaban por la aplicación gestual y dramática de óleo sobre lienzo. La impresión de la mano de la artista a la vez revelaba su psique interior e intentaba evocar un sentido universal de la emoción. Sin embargo, hacia fines de la década de 1960, Pardo se unió a muchos otros artistas venezolanos, incluyendo a su esposo, Alejandro Otero, y empezó a experimentar con la abstracción geométrica. No obstante, jamás abandonó su interés por explorar la emoción humana mediante las figuras abstractas. A través de la geometrización del espacio, la obra de Pardo se centró en explorar la dinámica relación visual producida por la yuxtaposición de colores, y en cómo el color podía reflejar una conciencia interna al mundo exterior. De este modo, su obra representa una síntesis única entre la estética composicional de la abstracción geométrica y la calidad espiritual del expresionismo abstracto.

Arte generativo, el grupo artístico que Mac Entyre fundó junto a Miguel Ángel Vidal, tuvo como idea central de su filosofía artística que a través del arte se podía “engendrar la belleza” en la era tecnológica. Así, la industrialización, definida por la racionalidad, la frialdad, e incluso por momentos, la esterilidad, servía de inspiración y como un espacio a través del cual se podía crear y reflejar un período definido por una continua evolución de dinamismo e innovación. Con la máquina sirviendo de musa, los artistas del Arte generativo establecieron un vocabulario visual basado en la precisión de la línea, la forma geométrica y el color, que revelaban la belleza en una época de veloz desarrollo industrial.