サルヴァトーレ フェラガモ: ファッションはアートか？

この展覧会の 1 つ目のセクションは、サルヴァトーレ フェラガモとその靴に捧げられています。彼の靴は、概念的な創造性と同じくらい技術も重視されたアートの概念に沿って、早くも 1930 年代から本格的な芸術作品と見なされていました。フェラガモはルネッサンス期の芸術家の工房を作品のモデルとして使っており、フィレンツェにはこの手本となるものが数多くありました。さらに、フェラガモはイタリアの芸術的伝統の中心の職人や芸術家の役割に誇りを抱いていました。ビデオ インスタレーションでは、彼の靴とともに、インスピレーションの源であった伝統的な世界、東洋、1900 年代の前衛芸術運動、シュールレアリズムや、街の職人文化を紹介しています。また、この部屋には、未来派の画家ルッチョ ヴェンナが 30 年代にフェラガモの靴のためにデザインした広告の原画や、知識人や芸術家のために作られたスタイル、靴の装飾や靴の名前についてフェラガモにインスピレーションを与えた 50 年代後半のケネス ノーランドの絵なども展示されています。

今日、アートとファッションは互いに影響を与え合っていますが、それは過去も同じです。アーティストは作品にリアリズムをもたせるために必要不可欠なツールとして服に興味を持つ一方、テーラーはアートの世界からインスピレーションを得て、アーティストそのものであるかのように活動することがありました。美術史家は絵の中の服装を見て芸術作品の時代を判断し、逆にファッション史家は絵の中の服装を見て、服の動き方や、服がどう保たれているか、どう垂れているかを研究します。近代イタリア ファッションの歴史は、イタリアの衣料生産にナショナル アイデンティティを与える必要性に関する、20 世紀に入る頃の初めての論争に端を発します。イタリア芸術を引き合いに出すことは、イタリアのファッションを当時主流だったフランスのファッションとはっきり区別する手段と考えられていました。この過程で重要な役割を担ったのが、洋裁師であり、ミラノの女子専門学校の洋裁の教師でもあったローザ ジェノーニです。1906 年のミラノ博覧会で、彼女は自身の意思表明として作成した 2 枚のドレスを出品します。1 枚は、シャンティイのコンデ美術館にあるピネサロの絵画に着想を得たもの、もう 1 枚はボッティチェリの春に着想を得たドレスでした。

フェラガモのアトリエは、ルネッサンス期のアーティストや職人の工房がモデルとなり、その技法がクリエイティビティの土台となっていますが、60 年代のジェルマーナ マルチェッリのアトリエは、ファッション プレーヤー、アーティスト、知識人が集まる場所であり、彼らは当時の精神を読み取ることができる新しい表現形式を探したいという思いで結ばれていました。このセクションでは、マルチェッリのアトリエ / サロンを再現し、オリジナル作品が壁にぶら下げて展示されています。ピエトロ ズッフ、パオロ シェッギの作品や、こうしたアーティストのコラボを通して作成された服を見ることができます。資料、写真、プロモーション用パンフレット、出版物を含め、展覧会のこのセクションには、この時代に至るまでの数年間、つまり戦後の時代の作品も展示されています。当時、マルチェッリはサン バビラ詩賞を創設し、ウンガレッティ、カジモド、モンターレなど、20 世紀のイタリアの最も影響力のある詩人を含め、作家や詩人が彼女のサロンに毎週木曜日に通いました。

このセクションでは、アトリエからムードボードに移り、ファッション デザイナーが、世間の注目を集めて記憶に残りたいという思いのもとで、情報の流れから姿を現したイメージを通して次第に語り部になる様子が紹介されています。「A MAGAZINE CURATED BY」制作のこのスペースでは、ハイダー アッカーマン、マルタン マルジェラ、山本耀司、アイリス ヴァン ハーパン、ドリス ヴァン ノッテン、ジャンバティスタ ヴァリ、ステファン ジョーンズ、ロダルテ、高橋盾、クリス ヴァン アッシュ、マルティーヌ シットボン、プロエンザ スクーラー、リカルド ティッシなど、光輝くクリエイティブ精神の空想的でビジュアルな世界を、アート、音楽、詩、写真からなる万華鏡のように紹介しています。

サルヴァトーレ フェラガモ博物館の 4 つ目のセクションにつながる、フィレンツェ市の国立図書館での展覧会では、アートとファッションの関係が出版界でどのように表現されているかが、19 世紀初頭から、特にイタリアを中心に展示されています。写真が登場する前に雑誌に公開されたファッション イラストから、前衛アーティスト、特に未来派の作品まで、服に関する論争やファッションにおける職人技術の再評価にからめて展示されています。さらに、ファッション界の重鎮がファインアートのプリントやアートイベントで果たした役割も紹介されています。また逆に、ファッション誌が美術展の記事やアートに密接に関連するその他のテーマの記事をどう公開したかや、ファッション コレクションのモデルやスポークスマンとしてアーティスト自身をどう利用したかも見ることができます。

19 世紀、ブルジョワジーや工業生産の台頭とともに、ファッションが支配階級や貴族社会だけの特権ではなくなると、アートとファッションの相互交流が盛んになっていきます。19 世紀前半の絵画では、衣服へのフォーカスは、生き方やルックスのあらゆる面に広がるテーストの概念と重なり、フランス革命で育まれた民主化の風潮が反映されています。女性は、麻や綿の素材で、できれば白の服を着用し、アンシャン レジームの華美な誇示と、古代彫刻を連想させる明るく、本質的で、シンプルなフォルムをベースとする「エレガンスさ」とを対比させています。

20 世紀になると、アート、ファッション、テキスタイル デザインは交じり合い、生産された新素材やアトリエでの実験で発見された新素材を使って表現できるアイデア、色調、スタイルを互いに与え合いました。多くのイベントもアイデアの相互交流を後押します。まず、モンツァ ビエンナーレ博覧会（1923～1930 年）、次にミラノ トリエンナーレ博覧会（1933 年～）が続き、そこでアーティストや建築家は装飾的アートに機能をもたせる必要性を強調しました。これは、今やデザインの切っても切れない部分と見なされている概念です。この考え方が適用され始めたのは戦後の時代です。必要な再構築の一環として、イタリア産業の再編成と盛況な芸術活動は、アート、ファッション、デザインの興味深い相互関係を生むことになります。

80 年代になると、アートとファッションの境界はますますあいまいになっていきます。この頃、この 2 つの世界の関係の形は国際的な世界的レベルで成長しました。芸術団体はデザイナーに門戸を開き、1983 年にはニューヨークのメトロポリタン美術館でイブ サンローラン展、1985 年にはフィレンツェのストロッツィ宮でサルヴァトーレ フェラガモ展が開催されました。