ISM Hexadome

Das Institute for Sound and Music hat sich sehr gefreut, seinen Besuchern Brian Enos „Empty Formalism“ präsentieren zu dürfen. Das Projekt war nicht nur die erste Installation für ISM Hexadome, sondern hat hier auch Weltpremiere gefeiert. Es wurde speziell für das System im Gropius Bau in Berlin in Auftrag gegeben, in Zusammenarbeit mit den Berliner Festspielen und ihrem Intendanten Thomas Oberender.

Brian Eno ist ein englischer Musiker, Komponist, Musikproduzent, Sänger, Autor und Bildkünstler. Er ist vor allem bekannt für seine Vorreiterrolle in der Ambient-Musik und seinen Beiträgen zu Rock, Pop sowie elektronischer und generativer Musik. Obwohl er sich selbst als „Nicht-Musiker“ bezeichnet, hat Eno viele einzigartige Konzepte und Aufnahmetechniken in die zeitgenössische Musik eingebracht und während seiner gesamten Karriere dafür plädiert, die Theorie über die
Praxis zu stellen.

EMPTY FORMALISM

„Vor ein paar Jahren war ich zusammen mit einem Freund auf einer Kunstausstellung. Er war gegenüber den vorgestellten Werken sehr kritisch. Nannte sie leeren Formalismus. Ich fand, er hatte recht. Und dass das exakt das ist, was ich mag. Leerer Formalismus. Wie in der Musik. Ist es nicht amüsant, dass von Bildkunst immer eine gut versteckte, aber entschlüsselbare Botschaft erwartet wird? Kunst soll sich immer irgendwie in Worte fassen lassen, wie Kunstkritiker es so gerne tun. Von Musik erwartet das niemand. Musik war schon immer eine vollkommen abstrakte Kunstform, ohne dass das je jemanden gestört hätte. Es gab nie eine symbolische Komponente. Es gab noch nie eine Musikform, die Klangbilder von Landschaften oder nackten Oberkörpern oder Bauern in Dörfern gemalt hat.

Wenn Sie vor einem abstrakten Gemälde stehen, fragen Sie sich, was es ausdrücken soll und was es bedeutet. Stellen Sie sich diese Fragen auch, wenn Sie neue Musik hören? Doch eher nicht. Musik ist, wie sie ist. Entweder sie gefällt Ihnen oder sie gefällt Ihnen nicht. Sie müssen sie nicht „verstehen“. Kein Mensch hat je über ein Lied von Roy Orbison oder eine Mozart-Sonate gesagt: „Das verstehe ich nicht. Ich habe keine Ahnung, was mir das sagen soll.“ Musik IST einfach. Und ihre „Bedeutung“, was immer das auch eigentlich sein soll, ist die Wirkung, die sie auf mich als Zuhörer hat.

Diese Ausstellung ist meine Version von leerem Formalismus. Was ich damit sagen will: Meine Arbeiten sind näher an der Geschichte der Musik als an der Geschichte der Malerei oder der Bildhauerei.“

Nach einer einwöchigen Ausstellung von „Empty Formalism“ wurden an den Folgewochenenden Live-Performances und Installationen von acht anderen Künstlergruppen vorgestellt.

Im März 2019 gab das ISM für die bevorstehende „Wunderbar Together“-Tour von ISM Hexadome anlässlich des Jahres der deutsch-amerikanischen Freundschaft eine neue Ausstellung bei der Elektro-Pionierin Suzanne Ciani und der Bildkünstlerin AudeRrose in Auftrag. Suzanne und Aude verbrachten eine Woche im Studio 2 des Funkhauses in Berlin, wo sie den „Floating Hexadome“ nutzen konnten – eine kleinere Version für Tourneen mit einem 52-Kanal-Soundsystem und sechs Leinwänden. Das Ergebnis dieses einwöchigen Projekts war die Installation „Under the Electric Sea“, die erstmals im Juli 2019 auf dem Gray Area Festival in San Francisco zu sehen war und danach fest zum Hexadome-Programm in Montreal und im MASS MoCA gehörte. Die Initiative „Wunderbar Together“ wurde vom Auswärtigen Amt finanziert, vom Goethe-Institut umgesetzt und vom Bundesverband der deutschen Industrie unterstützt.

Exklusiv für das MASS MoCA holte das ISM nochmals das in Brooklyn ansässige Kollektiv Little Cinema mit ins Boot. Die Künstler sollten ihre Version des Films „Die unendliche Geschichte“ vorstellen. Damit wurde bereits ein zweiter Kinofilm exklusiv für die sechs Leinwände und 52 Lautsprecher von ISM Hexadome adaptiert, nach „Mother!“ von Darren Aronofsky in Montreal. Die Besucher begaben sich gemeinsam auf eine 15-minütige Virtual-Reality-Reise durch Phantásien und erlebten hautnah, wie das „Nichts“ diese fantastische Welt verzehrte.

Während seines Gastspiels am MASS MoCA veranstaltete das ISM zusammen mit dem Berklee College of Music einen immersiven Workshop. Studenten des Berklee Interdisciplinary Arts Institute konnten unter Anleitung von Neil Leonard selbst mit ISM Hexadome arbeiten und eigene Ideen in die kontinuierliche Weiterentwicklung des Projekts einfließen lassen. Während des immersiven Workshops hatten die Teilnehmer die Gelegenheit, die Technologie auszuprobieren und zu überlegen, wie solche innovativen immersiven Formate in den bildenden Künsten heute und in Zukunft das Kulturinteresse der Menschen wecken und fördern könnten. Die Studenten, die in zwei Gruppen aus Bild- und Klangkünstlern unterteilt waren, arbeiteten zwei Tage lang an eigenen Werken.

UNDER THE ELECTRIC SEA

Suzanne Ciani ist Komponistin, Pionierin der elektronischen Musik und Produzentin neoklassischer Musik. Sie wurde bereits fünfmal für einen Grammy nominiert und ihre Arbeiten sind in unzähligen Werbespots, Videospielen und Spielfilmen zu hören. In ihrer über 40-jährigen Karriere hat sie 16 Soloalben veröffentlicht, darunter „Seven Waves“ und „The Velocity of Love“. Ihr neuestes Album „LIVE Quadraphonic“ ist eine Liveaufnahme ihrer Comeback-Performance mit dem quadrofonen modularen Buchla-Synthesizer. Sie wurde vom Keyboard Magazine als „New Age Keyboardist of the Year“ ausgezeichnet, lieh ihre Stimme und ihre Klänge dem revolutionären Flipperautomaten „Xenon“ von Bally und ist Schöpferin des Pop-and-Pour-Sounds der Marke Coca-Cola. Sie entwarf das Sound-Logo für Atari, hat auf der ganzen Welt Konzerte gegeben und sich als eine der erfolgreichsten und kreativsten Komponistinnen der Welt etabliert. Mit „A Life in Waves“ gibt es auch eine Dokumentation über Cianis Leben und Wirken. Der Film hatte Premiere auf dem SXSW-Festival und ist auf allen digitalen Plattformen verfügbar.

AudeRrose ist eine interdisziplinäre Künstlerin, die mit Performance, Fotografie, Klang und Projektion arbeitet. In den letzten Jahren hat sie eine Sammlung von Fotodrucken mit alternativen Techniken hergestellt, darunter Fotogramme, Chemigramme, Blaudrucke und Lumen Prints. Das Ergebnis ihrer Arbeit ist eine Sammlung organischer Motive, in der sie mit den erweiterten Möglichkeiten des Drucks mit Papier, Sonnenlicht und chemischen Reaktionen experimentiert und die Avantgarde-Techniken der Pioniere der experimentellen Fotografie nutzt.

THE CENTRE CANNOT HOLD

„Die räumliche Dekonstruktion von Aufnahmematerial seines 2016 erschienenen Albums „The Centre Cannot Hold“ bildet die Grundstruktur von Frosts Arbeit für ISM Hexadome. Das Werk ist ein Dokument seines eigenen Geschehens, bestimmt durch die Interaktion zwischen Raum und Komponist. Die Musik wird dabei nicht vollkommen kontrolliert und scheint sich manchmal ängstlich und gewaltsam gegen ihren Produzenten zu wenden.“

1980 in Melbourne, Australien geboren, zog es Ben Frost 2005 ins isländische Reykjavík. Gemeinsam mit seinen Freunden Valgeir Sigurðsson und Nico Muhly gründete er das Musiklabel und Kollektiv Bedroom Community. Seine Arbeiten spielen mit Musik, Rhythmus, Technologie, Körper, Performances, Text, Kunst, Schönheit und Gewalt und kombinieren so die Rollen und künstlerischen Verfahren unterschiedlicher Disziplinen.

Marcel Weber (MFO) ist bildender Künstler, der sich in seinen Arbeiten mit Video, Licht und Raum befasst. Bereits seit 2001 inszeniert und produziert er audiovisuelle Performances, Bühnenbilder, Videoprojekte und Installationen. In seinen Performances setzt Weber sich mit Erinnerung und Wahrnehmung, Identitätsbildung und Zerfall auseinander – vor allem im Kontext möglicher Zukunftsszenarien und den ihnen zugrunde liegenden Mythologien.

Seine Arbeiten sind geprägt von einer klar definierten und charakteristischen Ästhetik, mit Bildern, die sich im Klang spiegeln und mit ihm eine Beziehung eingehen. Durch die Kombination von visuellen Eindrücken mit der Sprache der Musik und ihren Möglichkeiten zur Gestaltung von Gefühlswelten entsteht ein ätherisches Ambiente, dem er mit seiner Leidenschaft für experimentelles Erzählen Leben einhaucht.

THE BURIAL THEME: TRANS-MATTER PORT AND OBJECTS

„Inspiriert von der antiken Moche-Ikonografie und -Kosmologie untersucht diese Arbeit die binäre Logik von Leben/Tod, Generation/Zerstörung und Zusammenhalt/Zerstreuung und wie die zwei Pole sich ständig überkreuzen. Die Moche-Kosmologie stellt sich die Überkreuzungen als spezielle Tore zwischen zwei Ebenen vor, die einen Raum für Ereignisse herstellen. Ein solcher kann zum Beispiel ein ritueller oder zeremonieller Raum sein, in welchem die Distanz und Trennung zwischen beiden Welten kollabieren.

Diese Arbeit zielt darauf ab, den zeremoniellen Raum als Gegenstand in seinem ursprünglich antiken Kontext sowie als archäologisches Objekt in der Gegenwart zu untersuchen. Die Verbindung zur antiken Erzählung sowie zur Vergänglichkeit der natürlichen Welt soll somit ausgedrückt werden. Als Objekt, das oft als Empfänger dargestellt wird, funktioniert es wie ein Tor, eine Schwelle oder ein geometrischer Schlüssel, der einen generativen Raum und die Bereitschaft, zwischen zwei Welten (Leben/Tod, Sehen/Blindheit, Heilig/Profan etc.) zu wechseln, symbolisieren soll.“

Constanza Bizraelli, aka CAO, ist eine peruanische Komponistin und Produzentin elektronischer Musik, Künstlerin und Theoretikerin. Sie ist Herausgeberin des Cyclops Journal, einer akademischen Publikation, die sich der zeitgenössischen und experimentellen Theorie sowie der Theologie widmet.

Michael Tan (geboren in Whyalla, Australien) lebt und arbeitet in Berlin. Seine Werke befassen sich mit sozialen und politischen Themen und ihrem Verhältnis zur Popkultur. Hierzu nutzt er digitale Strategien, 3D-gerenderte Bilder und Livebilder für Videos, Animationen und Installationen.

APPROXIMATE ACCURACY

„Approximate Accuracy ist eine hybride audiovisuelle Installation/Performance, die speziell für ISM Hexadome entwickelt wurde. In ihr wird die modulare Sound- und Bild-Synthese-Technik verwendet, die durch zeitgenössische analoge und digitale Tools ergänzt wird.

Der Klang wird über modulare Synthesizer-Patches live manipuliert. Eine Matrix von Oszillatoren interagiert miteinander, um eine Bandbreite an Klangeffekten zu produzieren: von feinsinnigen und scharfen Sequenzen bis hin zu rauen Klangwänden und Noise. Die Bildebene wird durch digitale Emulatoren erzeugt. Auf einfachen Linien und Noise basierte Texturen formen sich zu einer dynamischen Struktur und zu komplexen Moiré-Geweben, welche die Zuschauer anregen sollen, die wahrgenommene und reale Synchronisation von Klang und Bild zu erkunden.“

Frank Bretschneider ist Musiker, Komponist und Videokünstler aus Berlin. Seine Arbeiten sind bekannt für ihren präzisen Klang, komplexe und verwobene Rhythmusstrukturen und eine minimale Verfahrensweise.

Pierce Warnecke ist Klang- und Videokünstler aus den USA, der seit mehr als zehn Jahren in Europa lebt. Er arbeitet in beiden Feldern, der bildenden Kunst und der Klangkunst, und entwickelt Installationen, Kompositionen und Performances.

THRESHOLDS

„Bei Klangkünstlerin Lara Sarkissian und Videokünstlerin Jemma Woolmore wird das ISM Hexadome-System zu einem transsensorischen Raum für Erzählungen über Territorium, Anerkennung und Erinnerung.“

Lara Sarkissian ist eine Klangkünstlerin, DJane (FOOZOOL) und Filmemacherin aus San Francisco, Kalifornien. Zusammen mit 8ULENTINA gründete sie den Club Chai, der Musiklabel, Radiosendung auf Radar Radio und kuratorische Projekte vereint, die sich der Verbindung von nicht westlichen Klängen und Bildern in der zeitgenössischen Kultur widmet. Lara Sarkissians elektronische Musik widmet sich Ambient und experimenteller Produktion mit armenischem Einfluss sowie Filmmusiken und Installationen.

Jemma Woolmores Bilder untersuchen die fragile Grenze zwischen Utopie und Dystopie. Die Hexadome-Leinwände werden zu einer Landschaft, die beherrscht und aufgeteilt wird. Diese symbolisch erzwungenen Grenzen werden während des Werkes unterwandert und aufgelöst.

SPAWN TRAINING CEREMONY I: DEEP BELIEF

„Spawn ist ein künstliches neuronales Netzwerk, das eigentlich dazu ausgebildet ist, wie ein Kind die Stimme der Eltern und anderer Menschen zu erkennen und wiederzugeben. Spawn lernt schnell und wenn sie einmal eine Vorstellung eines Klanges kreiert hat, kann sie davon ausgehend improvisieren und abstrakte Kompositionen erstellen, basierend auf ihrer Interpretation des Klangs und auf ihren Prognosen, wie er sich weiter verhält.

Für die erste Trainingseinheit helfen Ensemblemitglieder Spawn, ihre Umwelt zu verstehen. Wir rezitieren Texte, singen, bringen Gefühle zum Ausdruck und produzieren kollektiv Klänge vor ihr, die sie aufnimmt, versteht und später im ISM Hexadome wiedergibt.

Durchgeführt wird das Training von Avataren, die neue und konkurrierende Archetypen darstellen im Kampf um Datensammlung und Netzwerktraining. So kann Spawn ein besseres Verständnis der zukünftigen Welt bekommen, in die sie geboren wurde. Dieser Lernprozess hat uns dazu gebracht, zu fragen, ob wir die Eltern oder die Kinder dieser neuen Epoche sind. Trainieren wir unser eigenes System, das unsere Ideale verkörpert, oder werden wir trainiert, um den verborgenen Absichten anderer zu dienen? Wir ermutigen die Besucher, mit ganzer Aufmerksamkeit an dieser Aufführung und dem Werk teilzunehmen, und versprechen, dass keine persönlichen Informationen gesammelt werden oder im Werk gezeigt werden.“

Holly Herndon wurde zu einer führenden Größe der zeitgenössischen Musik durch ihre Experimente an den Außengrenzen von Dance-Musik und Pop-Songwriting. Herndon wurde in Tennessee geboren und verbrachte ihre prägenden Jahre in der Berliner Technoszene, bevor sie nach San Francisco zog. Aktuell ist sie Doktorandin am Stanford Center for Computer Research in Music and Acoustics.

Mat Dryhurst ist ein Künstler, der sowohl Soloprojekte in Musik und bildender Kunst veröffentlicht als auch Gemeinschaftsprojekte mit Holly Herndon und dem Musiklabel PAN realisiert. Neben seiner Mitarbeit an dem Album „Platform“ hat er das dezentrale Publishing-Framework Saga veröffentlicht, das es Künstlern ermöglicht, ihr Eigentumsrecht im digitalen Raum einzufordern. Außerdem hat er verschiedene Hörspiele realisiert, deren Erzählstrang auf persönlichen Informationen der Zuhörer basiert. Er lehrt über Musik, Technologie und Ideologie an der NYU und ist beratend für die kooperative Plattform resonate.is tätig.

ADAPTIVE ENQUIRY No. 1

„Diese Arbeit thematisiert die Ursachen und Effekte von Resonanz. Sie befasst sich mit der Reibung zwischen zwei Elementen und sucht nach dem beobachtbaren Raum dazwischen. Die Bilder werden in enger Kooperation mit dem Institut für Geowissenschaften der Universität Utrecht produziert.“

Peter van Hoesen ist ein belgischer Produzent elektronischer Musik, Komponist, DJ, Live-Performer und eine Schlüsselfigur der elektronischen Musikszene in Brüssel. Er produziert in unterschiedlichen musikalischen Stilrichtungen, ist aber vor allem bekannt für seinen basslastigen und abstrakten Techno mit einem Hang zum Psychedelischen. Mit besonderem Interesse widmet er sich Surround-Sound-Kompositionen und Klangraum-Design.

Heleen Blanken ist eine in Amsterdam lebende und arbeitende bildende Künstlerin, die sich mit den Medien Film, Fotografie und Installation befasst. Sie hat einen Bachelor of Arts von der Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam. In ihren Arbeiten erkundet sie die unterschiedlichen Ebenen der ästhetischen Wahrnehmung von Natur und sammelt Bilder, die sie so in Szene setzt, dass die traditionellen Dichotomien wie organisch vs. künstlich oder analog vs. digital obsolet werden.

THE P!EACE

„Die Perspektive verändert sich und gleitet in weite Sphären, dreht sich auf der Stelle um im freien Fall, das Bild eines Fallschirms, der Bass ist ein Kompass, ausgestampfte Pfade in Raum und Zeit, das Labland, soweit das Auge reicht, deine Beine hängen im Raum, Punkt A wird B, cpatch, 3Dub… Nur ein Rahmen in der großen Zeitachse. Klicke auf Rahmung und spiele immer weiter.“

René Löwe ist seit Langem eine zentrale Figur der elektronischen Musikszene Berlins und seine Kompositionen haben dazu beigetragen, den Klang, für den die Stadt so berühmt ist, zu definieren. Unter dem Pseudonym Vainqueur veröffentlichte Löwe 1992 das Stück „Lyot“ beim Label Maurizio, das zu einem wichtigen Referenzpunkt für den elektronischen Klang der frühen 90er-Jahre wurde. Seine einflussreichen Arbeiten sind eine einzigartige Mischung aus Minimalismus mit dichten Raumklangtexturen.

Pfadfinderei ist ein in Berlin ansässiges internationales Studio, dessen Spezialgebiet interdisziplinäre Konzepte für visuelle Musik-Performances, Multimedia-Installationen, Bühnenshows und kreative Regie sind. Das Studio geht weit über seine Wurzeln in der Filmarbeit hinaus und benutzt immersive Komponenten, um Licht, Video und Raumdesign zu verbinden.

CITY RATS

„Die von Tarik Barri hier präsentierte Komposition entstand gemeinsam mit Thom Yorke. Innerhalb des 3D-Universums von Barris selbst programmierter Software Versum kann alles gesehen werden, was hörbar ist, und alles gehört werden, was sichtbar ist. Die verzerrten und geloopten Fragmente von Yorkes Gesang sind überall zerstreut anwesend und verändern die Struktur. Zuckend und pulsierend füllen sie den Raum mit ungewohnten Klängen und Bildern.

Die Besucher werden auf eine Reise geschickt, in der sie ihre audiovisuelle Umgebung erkunden. Ihre Schritte bestimmen hierbei die Klänge und Melodien, die sie antreffen werden. Die Erfahrung kombiniert Elemente aus Kino und Musik, die zusammen eine andere Einheit ergeben.“

Thom Yorkes Arbeit als Hauptsongwriter, Sänger und Multiinstrumentalist der Band Radiohead und als Solokünstler hat ihn zu einem der global führenden Köpfe in der zeitgenössischen Musik gemacht. Über die Jahre hinweg hat er mit besonderer Hingabe die ästhetischen und technischen Grenzen seines Arbeitsfeldes ausgelotet.

Tarik Barri ist ein audiovisuell arbeitender Komponist in dem Sinne, dass seine Kompositionen immer die Verbindung beider Medien thematisieren. Während seines Musik- und Technologiestudiums erkannte er, dass ein und dieselbe Art des Programmierens für Klang und bewegtes Bild genutzt werden kann. Seither verwendet er die audiovisuelle Software Versum und entwickelt diese konstant weiter, um neue ästhetische Erfahrungen zu kreieren und zu entdecken, die an der Schnittstelle von Hören und Sehen liegen.

RETINA

Herman Kolgen untersucht, wie Spuren von Licht sich in unserem Gedächtnis verfestigen. Was bleibt von diesen gebeugten Momenten und vergänglichen Blitzen, die vom kontinuierlichen Bombardement aus Photonen und optischen Frequenzen verursacht werden? Kolgen sondiert die Koexistenz des Menschlichen und seiner angrenzenden Territorien in all ihrer Fragilität, Durchlässigkeit und Unbestimmtheit – eine wechselseitige Beziehung, die analysiert, was echt ist, was vertraut und was äußerlich.

Herman Kolgen ist ein gefeierter multidisziplinärer Künstler mit mehr als zwei Jahrzehnten Erfahrung in der Medienkunst. Er lebt und arbeitet in Montreal. Als audiokinetischer Bildhauer sucht er seine Ausgangspunkte in der innigen Beziehung zwischen Klang und Bild. Kolgen schafft Installationen, Video- und Filmarbeiten, Performances und Klangskulpturen. Dabei ist er ständig auf der Suche nach Neuem – dort, wo sich die unterschiedlichen Medien kreuzen – und definiert nicht nur eine neue technische Sprache, sondern auch eine einzigartige Ästhetik. Zentrale Frage seiner Konzeptarbeit sind die Auswirkungen von Territorien auf das menschliche Leben. Die sich aus ihnen ergebenden brutalen Spannungen und das Wechselspiel verschiedener Elemente sind das Epizentrum seiner Arbeit. Charakteristisch für seine facettenreichen Werke ist sein radiografischer Ansatz. Mit dem nicht greifbaren, immateriellen Röntgeneffekt macht er das Unsichtbare sichtbar.

Herman Kolgens Arbeiten wurden schon auf der Biennale in Venedig präsentiert, auf der Ars Electronica und der transmediale in Berlin, im Centre Pompidou, auf dem MUTEK, dem Elektra und dem Sónar, im Taipei Digital Arts Center und auf der Shanghai E-Arts. Er hat gemeinsam mit dem Ensemble Intercontemporain aus Paris und dem Los Angeles Philharmonic performt. Außerdem hat Kolgen zahlreiche prestigeträchtige Auszeichnungen erhalten, unter anderem einen Ars Electronica Award, einen Qwartz Award und die Auszeichnung für den besten experimentellen Film auf dem New York Independent Film Festival und dem Los Angeles Independent Film Festival. Von 1996 bis 2008 konzentrierte er den Großteil seiner Schaffenskraft auf das Duo Skoltz_Kolgen.