Mehr als nur Noten: Komponieren mit Frequenzen

Elektronische Musikinstrumente klingen anders als traditionelle Musikinstrumente. Also klingt auch elektronische Musik anders als traditionelle Musik. Logisch, werden Sie sagen, und das natürlich zu Recht. Doch ist es nicht nur der reine Klang von Musik, der sich mit der Erfindung elektronischer Instrumente für immer verändert hat. Der Einschnitt war viel weitreichender, viel grundsätzlicher – Komponisten waren plötzlich nicht mehr auf die klassische Notenschrift festgelegt, um den Melodien und Ideen in ihrem Kopf Leben einzuhauchen. In dieser Onlineausstellung möchten wir die Geschichte der Komposition aus einem ganz neuen Blickwinkel erzählen, der über traditionelle Konzepte wie Tonhöhe, Melodie und Harmonielehre hinausgeht. Im Mittelpunkt sollen die Instrumente und ihre Entwicklung weg von den Schlaginstrumenten im Orchester hin zu den ersten elektronischen Musikexperimenten der Nachkriegszeit stehen.

Schlaginstrumente mit ihren komplexen, fast schon an reinen Lärm erinnernden Klängen lassen sich mit der traditionellen Notenschrift am wenigsten genau erfassen. In Stücken für Trommel und Becken wird in der Regel jedes Instrument als Einzelstimme notiert und statt der unklaren Tonhöhe einer Note nur ihr Takt angegeben. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts begannen viele Komponisten, bewusster mit neuen Klängen und Klangfarben zu experimentieren und mehr und mehr Schlaginstrumente in ihren Orchesterstücken einzusetzen. Damit erweiterten sie das akustische Spektrum beträchtlich.

Am Ende des 19. Jahrhunderts hatte sich die Musik vollends von den Regeln und Einschränkungen der klassischen Harmonielehre gelöst. Richard Wagner beispielsweise verwendete im ersten Aufzug seiner Oper „Tristan und Isolde“ eine vollkommen neue Notengruppe, die als Tristan-Akkord in die Musikgeschichte eingehen sollte. Schon die Notenzusammenstellung an sich war äußerst unorthodox, bestand sie doch nicht aus den traditionellen Terzen, sondern aus einer Reihe von Quarten. Wichtiger aber – und der Grund für die enorme musikalische Tragweite des Tristan-Akkords: Die klassische funktionelle Musiktheorie konnte und kann ihn bis heute nicht deuten. Damit war Wagner einer der ersten Komponisten überhaupt, die Noten rein wegen ihres tatsächlichen Klangs auswählten, nicht wegen ihrer musiktheoretischen Funktion. Durch die mehrdeutige Dissonanz der Noten entsteht beim Zuhörer ein Gefühl von Anspannung und Unbehagen.

Während Schönberg und andere Theoretiker an neuen Regeln für die Komposition arbeiteten, machte die Technologie in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts nahezu explosionsartige Fortschritte. Davon inspiriert suchten andere Komponisten nach neuen Instrumenten und Klangquellen. In den 1910er-Jahren wandte sich der futuristische Maler und Komponist Luigi Russolo aus Italien von der klassischen Orchesterbesetzung ab und erfand mit den Intonarumori ein eigenes Geräuschorchester.
 Die Intonarumori enthielten keine elektronischen Komponenten und produzierten ihr breites Spektrum von Geräuschen rein mechanisch – zum Beispiel durch ein sich drehendes Rad, das durch Reibung eine mit einem Resonanzfell verbundene Saite in Schwingung versetzte.

Ab Mitte des 20. Jahrhunderts stand Komponisten Technologie für Tonaufnahmen und Tonschnitt zur Verfügung. Jetzt konnten sie ihre Musik im Studio präzise konstruieren, allein und ganz ohne Noten. In dieser Periode entwickelte eine Gruppe französischer Experimentalisten um Pièrre Schaeffer mit ihrer „Musique concrète“ eine neue Kompositionstechnik, bei der mit auf Magnetband aufgenommenen Klängen gearbeitet wurde. Der Komponist konnte unmittelbar Einfluss auf das Klangergebnis nehmen. Allerdings war die Technik alles andere als einfach umzusetzen – zahllose Abschnitte von Kunststofffolie mussten in mühevoller Kleinarbeit geschnitten und wieder zusammengeklebt werden.