Salvatore Ferragamo : la mode est-elle un art ?

La première partie de l'exposition est consacrée à Salvatore Ferragamo et à ses chaussures, considérées comme de véritables œuvres d'art dès les années 30, selon un concept axé autant sur la technique que sur la créativité conceptuelle. Salvatore Ferragamo a utilisé le modèle de la "bottega" des artistes de la Renaissance pour ses travaux, et il en a trouvé de nombreux exemples à Florence. En tant que cordonnier, il a également fièrement endossé le rôle d'artisan/artiste qui est au cœur de la tradition artistique italienne. Une installation vidéo montre les chaussures aux côtés de leur source d'inspiration : le monde classique, l'Orient, l'avant-garde artistique du XXe siècle et le surréalisme, ainsi que la culture artisanale de la ville. Les croquis originaux des publicités que le peintre futuriste Lucio Venna a créées dans les années 30 pour les chaussures Ferragamo sont aussi exposés dans cette salle, ainsi que les modèles créés pour des intellectuels et des artistes de l'époque, et les tableaux de Kenneth Noland de la fin des années 50 qui ont inspiré à Salvatore Ferragamo les ornements et le nom d'un de ses modèles.

Les arts et la mode s'entremêlent souvent de nos jours, et ce phénomène ne date pas d'aujourd'hui. Le vêtement représente pour les artistes un outil essentiel pour apporter du réalisme à leurs créations ; quant aux couturiers, ils se sont souvent inspirés du monde des arts et sont considérés comme des artistes à part entière. Les historiens d'art utilisent les vêtements dans une peinture pour dater l'œuvre, tandis que les historiens de la mode utilisent les vêtements dans un tableau pour étudier les mouvements, la tenue et le tombé des vêtements de l'époque. L'histoire de la mode italienne moderne a commencé avec les tout premiers débats du début du XXe siècle sur la nécessité de donner à la production italienne de vêtements une identité nationale. Faire référence à l'art italien a été perçu comme un moyen de distinguer pour de bon la mode italienne de la mode française qui prévalait à l'époque. Rosa Genoni, couturière et professeure de couture dans une école professionnelle pour femmes à Milan, a joué un rôle clé dans ce processus. Pour l'Expo 1906 à Milan, elle avait conçu deux robes en guise de manifeste pour ses idées : l'une était inspirée d'un dessin de Pisanello au Musée Condé à Chantilly, et l'autre était une robe inspirée du "Printemps" de Botticelli.

Si l'atelier de Salvatore Ferragamo faisait écho à la "bottega" des artistes/artisans de la Renaissance, où la technique était aussi fondamentale que la créativité, l'atelier de Germana Marucelli dans les années 60 était un lieu de rassemblement pour les professionnels de la mode, les artistes et les intellectuels, tous unis dans la quête de nouvelles formes d'expression pour retranscrire l'esprit de leur temps. Cette partie recrée l'atelier/le salon de Germana Marucelli et expose les œuvres d'art originales qui étaient accrochées aux murs, des pièces de Pietro Zuffi, Getulio Alviani et Paolo Scheggi, ainsi que des vêtements nés de la collaboration entre ces artistes. En s'appuyant sur des documents, des photographies, des brochures et des publications promotionnelles, cette section de l'exposition documentera également les années précédant cette période, c'est-à-dire la période d'après-guerre, lorsque la couturière a créé le prix de poésie San Babila. À cette époque, elle recevait dans son salon tous les jeudis des écrivains et des poètes, y compris les poètes les plus influents du XXe siècle italien, comme Ungaretti, Quasimodo et Montale.

Cette partie passe de l'atelier au "mood board" pour montrer comment les créateurs de mode d'aujourd'hui se transforment en "storytellers" à travers l'utilisation d'images qui émergent d'un flux d'informations, avec pour ambition de stimuler l'attention et la mémoire du public. Réalisé grâce à A MAGAZINE CURATED BY, cet espace offre au public l'univers imaginaire et visuel d'artistes visionnaires, comme Haider Ackermann, Martin Margiela, Yohji Yamamoto, Iris van Herpen, Dries van Noten, Giambattista Valli, Stephen Jones, Rodarte, Jun Takahashi, Kris van Assche, Martine Sitbon, Proenza Schouler et Riccardo Tisci, dans un kaléidoscope d'art, de musique, de poésie et de photographie.

En lien avec la quatrième partie du musée Salvatore Ferragamo, l'exposition de la bibliothèque nationale de la ville montre comment la relation entre l'art et la mode est représentée dans la presse, à partir du début du XXe siècle et en se concentrant sur l'Italie en particulier. Elle comprend des illustrations de mode publiées dans les magazines avant l'avènement de la photographie et étudie l'influence du travail des artistes d'avant-garde – les futuristes en particulier – dans le débat sur les vêtements et la réévaluation de l'artisanat dans la mode. Elle explore ensuite le rôle que les grands noms de la mode ont joué dans l'impression et les événements artistiques et, réciproquement, montre que les magazines de mode ont également publié des articles sur des expositions d'art et d'autres thèmes étroitement liés à l'art, ou encore qu'ils ont même utilisé des artistes en tant que modèles et porte-parole pour des collections de mode.

C'est au XIXe siècle, avec l'essor de la bourgeoisie et de la production industrielle, lorsque la mode a cessé d'être le privilège des classes dirigeantes et de l'aristocratie, que l'échange entre l'art et la mode s'est intensifié. Dans les tableaux du début du siècle, l'accent mis sur les vêtements a coïncidé avec une culture du bon goût étendue à tous les aspects de la vie et de l'apparence, reflétant le climat démocratique favorisé par la Révolution française. Les femmes s'habillaient en lin et en coton, de préférence en blanc, une mode qui contrastait avec le style chargé et ostentatoire de l'Ancien Régime et qui mettait en avant une certaine élégance basée sur des formes légères, pures et simples qui rappellent la sculpture classique.

Au cours du XXe siècle, l'art, la mode et le design textile se sont entremêlés et se sont alimentés des idées, des tons et des styles que les nouveaux matériaux créés par l'industrie ou découverts en expérimentant dans des ateliers pouvaient relayer. Un certain nombre d'événements les ont aidés à échanger des idées et à se développer, d'abord l'exposition de la Biennale de Monza (1923-1930), suivie des expositions de la Triennale de Milan (à partir de 1933), où les artistes et les architectes ont mis en exergue la nécessité de donner aux arts décoratifs une fonction, un concept qui est maintenant considéré comme formant partie intégrante du design. Ce principe a commencé à être appliqué dans la période d'après-guerre, lorsque la reconstruction du pays favorisait la réorganisation de l'industrie italienne et le développement de mouvements artistiques qui ont conduit à des interactions intéressantes entre l'art, la mode et le design.

La frontière entre l'art et la mode est devenue plus floue dans les années 80, lorsque les formes de relation entre les deux mondes se sont développées sur la scène internationale. Les institutions artistiques ont ouvert leurs portes à des designers, comme le Metropolitan Museum à New York en 1983 avec Yves Saint Laurent ou le Palazzo Strozzi à Florence en 1985 avec Salvatore Ferragamo. Yves Saint Laurent et Salvatore Ferragamo ont été les pionniers d'une tendance de plus en plus répandue à considérer l'exposition des œuvres d'un créateur de mode dans un musée comme une légitimation de son travail.