Импрессионизм

В моей галерее собраны работы знаменитых импрессионистов. 

Ветей, на реке Сене, на полпути между Парижем и Руане, было только 622 жителей, когда Клод Моне переехал туда в апреле 1878 фермерское сообщество некоторые в десяти километрах от ближайшей железнодорожной станции, город был главным отметил его тринадцатого века готической церкви Нотр-Дам. Ветей лежал через реку от Lavacourt, другой небольшой деревне на берегу Сены. Там не было никакого моста, и два города общались с помощью местного паромного. Изоляция не было бы проблемой для Моне, который привез свой плавучий дом, когда он переехал в этот район. Ветей, вероятно, написаны с этой лодки, которую художник использовал в качестве плавучего студии. На протяжении 1878 и 1879, Моне много мнений и вокруг Ветей, соблюдая различные его аспекты по изменяющимся месяцев, а сезонный свет привел различные эффекты к архитектуре и обстановке города. Моне виртуоз манипуляции мерцающий, радужных оттенков придает летний, лирическое чувство к этой типично импрессионистической живописи. Художник оформлена этот и другие взгляды своего предмета достаточно избирательно, за исключением одного из самых оживленных Tradeways западной Франции все признаки тяжелой речных перевозок коммерческой. В результате, Ветей кажется более мирно, чем сельское было на самом деле.
Клод Моне был косвенно ответственны за термином «импрессионизм», так как это было по отношению к его гавани сцены Impression. Soleil Левант, что искусствовед насмешливо придумал термин. Неблагоприятное критика не остановить его окончание свои дни в качестве знаменитого художника, живут в своем сельской отступления в Живерни. Там, в его пышном саду, он мог нарисовать цветущие деревья, отраженные в прудах и каналах, через которые проходит мостики в японском стиле с всласть. Это почти абстрактной живописи глицинии в саду Моне в Живерни преобладают его синем фоне, вдоль верхнего края которого образуют мазки керлинг арку, что появляются из цветов запутаться цветы. Краска наносится в нескольких слоев и отдельные мазки узнаваемы только в верхнем слое. В правом нижнем углу, форма арки повторяется в обратном порядке. Изменение резкости или фокус создает ощущение глубины, несмотря на практически абстрактного характера изображения.
Ближе к середине 1880-х годов, ряд художников стал недовольных с импрессионизма. Моне начал изучать живопись в серии, или создание группы произведений почти одинаковых предметов. Картины серии были перерыв от импрессионизма в двух критических аспектах: работы, основанные на кампании в передней части мотива, как правило, широко переработан в студии и не хватало спонтанности неотъемлемой к импрессионизму; и, само мотив был вторичным по отношению к воздействию света и погодных условий. Новые качества картин серии Моне дали концентрированное выражение в картинах Руанский собор, в котором каменный фасад наполняет холсты. Моне показал 20 из 30 дошедших до нас собор работ, среди них это одно, а группа в выставке 1895. Отдельные картины, названные в соответствии с видом и погодных условий, изображенных, являются главным отличается по цвету, который предполагает основную роль в серии. Совокупный впечатление сообщает посетителей выходит за пределы влияния отдельных работ. Богатые поверхности картины, кажется, подражать фактурный ткань резного камня собора. Индивидуально картины изображают религиозные здание, но в совокупности серия становится отказ от монолитности Руанский собор в качестве лица, и отдает приоритет художественных проблем света, цвета и настроения. В конце января или в начале февраля 1892 года, Моне арендовал номера напротив Руан собора. Он оставался до весны, живопись его нарастающем фасаду много раз, наиболее часто, как мы видим это здесь, закрыть и обрезается по бокам. На следующий зимний он вернулся расписать собор снова, делая всего более 30 видом ней. Но это было меньше резной готический фасад, который был предметом Моне, чем атмосфера-на-enveloppe, которая окружала здание. "Для меня сама мотив незначимым фактором", сказал Моне. "То, что я хочу, чтобы воспроизвести то, что существует между мотивом и меня."
Моне начал работать в 1883 году в небольшой деревне Живерни вниз по течению на Сене из Парижа. Затем в 1893 году он купил землю перед его домом и построил японский стиль сад в пространстве. Моне использовал небольшой ручей, который бежал через своего имущества, чтобы построить огромный пруд, который он заполнил с водяными лилиями и пересекается с горбатой моста. Он выстроились банки с ивы и кустарников и удалился в это царство водной, изолированных от внешнего мира, чтобы создать свой окончательный ряд, "Водяные лилии". Он построил студию glasswalled на стороне сада и создать колесный мольберт, что он может свободно катиться по комнате. Там он создал картину после картины изменяющихся изображений пруда, ее кувшинками и отражающей свет на всех часов утром, днем ​​и вечером. В разных работах серии он включал изображения ивы на берегу, горбатого моста и вечернего неба. Но он, наконец, концентрируют исключительно на самого пруда. Он наполнил всю поверхность работы с изображением пруда, давая зрителю сильное впечатление, стоя в центре пруда. В мазки и пигменты, изображающие цветы и воду значительно отличаются от ранних импрессионистов методов; порой они достигают страстный интенсивности экспрессионизма в их воскрешение красоты поверхности воды. Эта работа является одной из лучших в этих поздних "Водяные лилии" картины.
Мане предпочтительными композициями с двух фигур, в отличие от простой портрет форме, потому что он открыл возможность интересного общения ситуациях. Двойной портрет Жюля Guillemet и его жены, окрашены в консерватории художника Иоганна Жорж Отто Розен, является одним из наиболее важных из этих работ из-за чувствительности с которой он использует самые тонкие нюансы цвета и контраста, чтобы описать и повторно подключиться психологически напряженную, только внешне отдельно, отношения двух цифр. Тема картины является взаимодействие между элегантным леди - владелец модного магазина в Париже - и господа превратились в ее сторону. Он, кажется, довольно мала из-за того, как он наклоняется над и щетки к верхней кромке снимка, в то время как женская красота с легким благородство ее длительного позе занимает большую часть картинного пространства. Несмотря на их разделены на спинку сиденья - с собственным графическим привлекательности в силу своей прозрачности - заниженный фокусом этой богатой оранжерее сцены с всех его формах растений и тонких цветов руки приближаются друг к другу. Картины Мане являются увлекательным для различных причин: в палитре цветов, что является тонкий, но не без натяжения отличие, плюс предмету, свободной от литературного или символическое содержание. Это картина на самом высоком уровне, опираясь на необычайно плодородной воображения, на постоянной осведомленности визуальных явлений, а на подарок для лаконичный наблюдения, что переводится каждый взгляд в тонко опосредованного опыта для глаз. В частности, в композициях с двумя или более фигур, есть также очень умело театрализованные сцены с психологически интригующих конфигураций актеров или часто молчаливого игроков, бессловесного и неподвижно, как различные элементы в натюрморте.
Изолированные на вершине горы, изможденный, мучили Христа доминирует почти пустой пейзаж. На дороге, ведущей в город-крепость в Иерусалиме, всадники проходят мимо холма выполнения, буквально превращая их спиной Христа. Использование Эль Греко драматических цветов и преувеличенных пропорциях искажает фигуру, транспортирования трансцендентный момент, когда Христос сублимированный его физическую боль, и высоко оценил его дух Богу. Обращаясь глаза вверх, к небу, Христос смотрит в сторону от костей и черепов, которые лежат в его ногах, представителя своего триумфа над смертью. Свет играет на его волнистой формы, освещая его измученное тело на темном фоне. Для пущего сочувствия между зрителем и Христа, удлиненный, но изящная фигура появляется в одиночку. Это частная, преданное изображение должно было стимулировать созерцания и духовного отражения. Несколько картин Эль Греко может быть полностью отнести к самим художником, а не его мастерской. Ученые вывод, что смелое обращение с краской на этом полотне, которое включает волнообразные контуры и энергичные тире, подтверждает, что Эль Греко написал ее сам. Куплено в испанской семье на барахолке около 1950, он оставался в их владении до недавнего времени.
Отвергнутый жюри Салона 1863, Мане выставлены Le Déjeuner сюр l'HERBE под названием Le Bain на Салон отверженных (инициированных в том же году Наполеон III), где он стал главным притяжение, генерации и смех и скандал. Тем не менее, в Ле Déjeuner сюр l'HERBE, Мане был платить дань художественного наследия Европы, заимствуя его предмет от концертного champêtre - картина Тициана отнести в то время Джорджоне (Лувр) - и принимая свое вдохновение для состава центрального группа из гравюры Маркантонио Раймонди после суда Рафаэля из Paris.But классические ссылки были уравновешены смелостью Мане. Наличие Обнаженная женщина среди одетых мужчин оправдано ни мифологических ни аллегорических прецедентов. Это, а также современное платье, оказал странное и почти нереальная тегам сцены в глазах общественности дня. Сам Мане в шутку прозвали его картину "ла партии Специальным Карре". В те дни, стиль и лечение Мане считались шокирует, как самого субъекта. Он не переход между светлыми и темными элементами изображения, отказавшись от привычных тонкие градации в пользу жестоких контрастов, таким образом, привлекая для его упреки "манией видя в блоках". И персонажи, кажется, соответствуют неловко в эскизной фоне леса, из которого Мане сознательно исключены как глубину и перспективу. Ле déjeuner сюр l'Herbe - свидетельство отказа Мане, чтобы соответствовать конвенции и его инициации нового свободу от традиционных предметов и способов представления - можно, пожалуй, считать отправной точкой для современного искусства.
Предметом этой картины был вдохновлен драматической поэмы лорда Байрона 1821 о жизни древнего ассирийского царя по имени Сарданапал. Найдя его дворец осажден врагами, Сарданапал решает убить себя, но первые заказы своих офицеров, чтобы уничтожить все свои любимые вещи в его присутствии его жены-страниц, и даже лошадей и собак. Эта картина является копией гораздо большей работы, в настоящее время в Лувр, Париж, что Делакруа впервые выставлены в Салоне 1827-28, где он получил резкую критику. Делакруа, возможно, нарисовал версию этого Музея для себя, прежде чем продавать большую работу в 1846 году.
Музей изобразительных искусств Будапешта имеет несколько шедевров от Эжена Делакруа, ведущей фигурой французской романтической живописи. Эти картины, рисунки и литографии являются репрезентативными для всех областей творчества художника, который отклонил классицизма культ линии и основанной его собственный стиль на выразительной силе цвета. Делакруа был отмечен его современников почти исключительно в качестве художника, а он не хотел расставаться со своими рисунками, которые не были предназначены либо для публичной демонстрации или для коллекционеров. Он держал свои эскизы и исследования в своей студии, которая таким образом стала публично известной только после его смерти. Один из редких исключений является одним из его самых драматических произведений, Верховая Испуганная молнией, которая вскоре после завершения он дал в качестве подарка другу, портретной и альбомной художника Луи-Огюст Schwiter, в благодарность за слепков коллекции антиквариата медали, из которых Делакруа из литографий. Лошадь играет особую роль в искусстве Делакруа в 1820. Это было так, потому что при подготовке монументального маслом, Резня на Хиосе (1824), он понял, что необходимо доскональное знание анатомии лошади, если он был, чтобы нарисовать исторические сцены. Романтически страстный представления лошадь Жерико были решающее влияние на него, но он не преминул включить в его искусстве переживания его 1825 поездке в Лондон либо. Он посвятил много времени изучению выращивания лошадей мраморных скульптур Парфенона в Британском музее, из которых он позже сделал литографии, и он должен был под влиянием работы популярных художников-анималистов. Самым непосредственным прецедент белой лошади выращивания с летающей гривой в акварели, состоявшейся в Будапеште можно найти в Лошади Sawrey Гилпин в грозы (1797-1798). Делакруа был знать эту работу, сделанную для Королевской Академии, потому что он почти в точности воспроизведены лошадь, которая отступает от молнии в середине британской живописи. Он превратил этот заштатный деталь в главном мотиве, и тщательно работать реакцию животного, он создал эмоциональный заряд, что делает кусок существенно отличается от модели. В этой акварели, Делакруа достигается идеальное синтез эмоциональной силой ландшафта и что в качестве представления животных. Самолет уходящие вдаль и грозовое небо, что, кажется, его расширение обеспечивают фон для испуганным, воспитания лошади, как будто для скульптуры. Освещение, который пересекает почти нереально глубокое синее небо бросает яркий свет на встревожило животного. Красный его глаза и ноздри растянутый усиливает панику в видении. Страстность его движения и порыв бури вывести его гриву, а хвост поднят в противоположном направлении. Акварель Делакруа воплощает в себе все, что лошадь стояла в глазах романтиков: власть, благородство, страсть и дикой усилились эмоции. Хотя Альфред Robaut, первый автор монографии о художнике, от кусок 1824, тематические и стилистические ссылки на другие драматические представления делают современные ученые считают, она была написана позже, где-то между 1825 и 1829.
С января по июнь 1832 года Делакруа сопровождал посольство Франции, который отправился к султану Марокко Mulay Абд-эр-Рахман; Затем он открыл новый источник вдохновения, который заменил древность. Всю свою жизнь он работал в соответствии с его книг путешествия, три из которых находятся в Лувре и в Шантийи. Эта таблица является оригинальная копия таблицы Салоне 1847 (Вупперталь, музей) контролируется Делакруа герцог Aumale.
Динамичный, закрученного воскрешение внезапного нападения, подготовительный исследование Эжена Делакруа для увеличения холста захватывающее демонстрация энергетического обращения художника кисти и его феноменальная доблесть и как колорист и как композитор форме. Быстро окрашены холст захватывает гений творческого ума в самом процессе перевода идею в визуальной форме. Сцена представляет себе смелый нападение в ночь на 21-22 августа 1823, сделанное в диапазоне 240 греческих борцов за свободу против некоторых 4.000 в лагерях турецких солдат. Нападение перегружены неподготовленного армию турецкого командира Djelaleddin Бея и стал значительным бой в греческой войны за независимость (1821-1827) против правящей Османской империи. Хотя потрясающей победой греческого причины, лидер Маркос Botzaris был смертельно ранен во время борьбы. Делакруа показывает Botzaris в центре, в то время как резко падает его верные товарищи пришли к нему на помощь. Как рассвет над дальними горами, разбили конфликт бушует вокруг Botzaris: а пушка поспешно подготовлен, ошеломленные пассажиры палатке вырубаются мечом, и без присмотра лошадей болт куда глаза глядят. Обстоятельства смерти Botzaris героической стал объединяющим фактором для европейской поддержки борющихся греков. Уже в апреле 1824 года, Делакруа записал в своем дневнике желание изобразить событие, для которого он выполнил акварель и рисунок количество исследований. Тем не менее, он не был до тридцати пяти лет, что он вернулся к теме. Делакруа сделал свой ослепительный нефти эскиз композиции и потом приступили к работе на холсте широкого более шести футов, по заказу греческого аристократа, проживающего в Марселе. Слева неполным при смерти Делакруа в 1863 году, лишь фрагменты живописи существуют сегодня; Исследование Толедо сохраняет полную запись о намерениях Делакруа.
Translate with Google
Home
Explore
Nearby
Profile