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The Martyrdom of Saint Lawrence

Hipólito de Rioja1000

Museo Nacional de Arte

Museo Nacional de Arte

Depictions of saints being martyred were frequent in neo-Hispanic art and various painters included them in their repertoires. Such was the case of Hipólito de Rioja, a brother-in-law of the painter Baltasar de Echave Ibía, who was active in the mid-XVIIth century. Given the similarities of format and composition between The Martyrdom of Saint Lawrence and the Martyrdom of Saint Catherine, it seems probable that the two works formed part of a series. In the first of these, at the center of the composition, we see the figure of the Spanish-born saint, who is seated on a red-hot grill. History has it that Lawrence himself asked his executioners to turn his body around so that the back part would also be burned, which is why he is depicted lying face-upward in most paintings. A large number of people, ranged around the martyr, are witnessing the scene, each one engaged in a different activity, but always intent on the sufferings of the saint. The artist disposed these characters in a circle, thus endowing his composition with more movement. The chiaroscuro work is obvious, especially in the lit-up parts of the scene which show the naked body of the saint and the figure of the angel amidst a burst of glory. The latter is bearing the palm frond of martyrdom to offer to the saint and his posture makes a visual dialogue between the two figures possible, as if he were a savior offering heaven to the suffering man. The burst of glory is also circular in form, with a large number of angels on the outer edges, thus balancing the composition. The painting of Saint Catherine of Alexandria also depicts the precise moment when divine intervention helps the martyr to bear her tribulations. Catherine was sentenced to be beheaded after her body had been affixed to a wheel, which broke just as her torments began. In this piece, in which Hipólito de Rioja also opted to use chiaroscuro, the contrasts in the lighting are important and focus our attention on the upper part of the canvas and on the figure of the saint. Spatially, the artist divided the composition into two realms —the earthly one occupied by the executioners and the scared crowd in flight, and the heavenly one, where Jesus enters in a burst of glory, bearing a red banner symbolizing the Resurrection. Likewise, he is holding a palm frond and a crown to be presented to the saint. It is worth noting that the division between the two spaces is linked by an angel who descends to earth from the heavens to gesture, with his right arm, towards the path to salvation that Saint Catherine, who is looking heavenward, must follow. Both paintings are tours de forcé that show off the painter s Mannerist style and depict the most dramatic incidents from the lives of the saints. The expressive force inherent in the characters, the use of light, the spatial distribution and shape of the figures, and the geometrical framing endow these canvases with dynamism. Both these works originally hung in the San Diego Viceregal Painting Gallery, entering the MUNAL in the year 2000.

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Details

  • Title: The Martyrdom of Saint Lawrence
  • Date Created: 1000
  • painter: Hipólito de Rioja
  • Provenance: San Diego Viceregal Painting Gallery, 2000
  • Physical Dimensions: w680 x h865 mm (complete)
  • Original Spanish object note: Las representaciones de martirios de santos fueron temas recurrentes en la producción plástica novohispana y varios artistas las integraron en su repertorio plástico. Tal fue el caso de Hipólito de Rioja, cuñado del pintor Baltasar de Echave Ibía, quien trabajó en la segunda mitad del siglo XVII. El martirio de san Lorenzo y El martirio de santa Catalina de Alejandría muestran similitudes en su formato y composición, por lo cual probablemente formaron parte de una serie. En el primero se representó, al centro de la composición, la figura del santo de origen español, quien está sentado sobre una parrilla avivada por el fuego. Narra la historia que el propio Lorenzo pidió a sus verdugos invirtieran su cuerpo para ser quemado también por el dorso. Es por ello que en la mayoría de sus representaciones se le ve con el cuerpo hacia arriba. Un gran número de personajes presencian la escena y están dispuestos alrededor del martirizado, cada uno en una actividad diferente, pero siempre atentos al calvario. El artista los dispuso espacialmente en un forma circular, lo cual le da mayor movimiento compositivo a la obra. El trabajo del claroscuro es evidente, especialmente en las partes que iluminan la escena, las cuales se concentran en el cuerpo desnudo del santo y en la figura del ángel que abre la gloria. Éste porta la palma de martirio que ofrecerá al martirizado y su actitud permite un diálogo visual entre ambas figuras, como si fuera un salvador que ofrece el cielo al doliente. El rompimiento de gloria también se encierra en una figura circular bordeada por un gran número de angelillos que crean un equilibrio compositivo. La pintura de santa Catalina de Alejandría también muestra el justo momento en que la intervención divina le ayuda a enfrentar la prueba del martirio. Catalina fue condenada a ser degollada después de haber colocado su cuerpo sobre una rueca, la cual reventó al momento de iniciar su calvario. En esta pieza, Hipólito de Rioja también gustó por trabajar el claroscuro, los contrastes lumínicos son importantes y se remiten a la parte superior y a la figura de la santa. El artista dividió espacialmente la composición en dos mundos: el terreno, donde aparecen los verdugos y la multitud que corre asustada, y el mundo celestial, en el que Jesús abre la gloria y porta el estandarte rojo como símbolo de la resurrección. Asimismo, lleva la palma y la corona en sus manos, las cuales dará a la santa. Un aspecto a notar es que la división entre ambas dimensiones se une por la presencia de un ángel, quien descendió del cielo al mundo terrenal para indicar con su brazo derecho el camino de salvación que deberá recorrer Catalina, quien dirige su cabeza al cielo. Las dos pinturas hacen alarde del estilo del pintor y narran el pasaje más dramático de la vida de los dos santos. La fuerza expresiva que contienen los personajes, el empleo de la luz, la disposición espacial y formal de las figuras, así como su encerramiento geométrico le dan un carácter dinámico a las pinturas. Ambas obras provienen de la Pinacoteca Virreinal de San Diego e ingresaron al acervo del MUNAL en el año 2000.
  • Original title: El martirio de san Lorenzo
  • Type: Painting
  • Rights: Museo Nacional de Arte, INBA, http://www.munal.com.mx/rights.html
  • Medium: Oil on wood

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