L'ARTISTE ET SON MÉTIER

INTRODUCTION

Que signifie être peintre au XVIe siècle ? Une époque où le statut d’artiste, très éloigné de la conception actuelle, est encore considéré comme une activité artisanale ?
Les oeuvres de Bruegel ne sont pas anonymes pour autant: très vite, le peintre les signe, preuve d’une certaine reconnaissance de la part de ses contemporains envers son génie. L’artiste se détache ainsi de l’artisan ordinaire.
En recoupant les rares sources d’époque avec l’histoire artistique et culturelle des Pays Bas méridionaux, nous aborderons ici les différentes facettes du métier de peintre au Moyen ge, de la formation aux réseaux de diffusion à Anvers et Bruxelles.

Quelle est le parcours habituel d’un artiste au XVIe siècle, de son statut d’apprenti à l’obtention de sa maîtrise ?
Quelles sont les techniques, souvent issues d’une longue tradition artisanale, apprises au coeur de l’atelier d’un maître ou lors de l’incontournable voyage en Italie ?
Surtout, comment le génie parvient-il à s’émanciper de cet héritage, à le transcender pour développer son style si caractéristique ?

L’inscription en tant que maître auprès d’une guilde est souvent un point de repère dans la vie d’un peintre.
Depuis le XIVe siècle, les peintres sont en effet regroupés au sein d’un “métier” ou corporation. Celles-ci contrôlent et réglementent le travail des artistes et artisans.
Beaucoup de nos connaissances sur l’activité artistique de cette époque proviennent des Liggeren (ou “Grands Livres”) tenus par ces guildes. Ils contiennent notamment les listes des peintres ainsi que le nom de leurs apprentis. Si la guilde d’Anvers existe depuis 1382, de tels livres n’y sont conservés qu’à partir de 1453.
Grâce à ces documents précieux pour l’historien, l’on sait avec certitude que Bruegel s’inscrit en 1551 à la guilde anversoise de Saint-Luc. On ne lui connaît pas d’apprenti.

Dès le XVIe siècle, une fois l’apprentissage terminé et la maîtrise obtenue, la formation du peintre se poursuit par le fameux voyage en Italie.
De son voyage (1553-1555), Bruegel rapportera de nombreux paysages qui continueront de l’inspirer tout au long de sa carrière. C’est notamment le cas dans la Chute d’Icare, dont l’arrière-plan rappelle le détroit de Messine.

Bruegel était déjà en contact avec l’art italien par le biais de son apprentissage chez Pieter Coecke van Aalst, un artiste surtout connu pour ses cartons de tapisserie. Le langage formel que l’artiste y déploie, notamment les détails anatomiques, rappelle l’art de la Renaissance développé au sud des Alpes.

De retour en Flandres, Bruegel entame sa carrière en réalisant des dessins pour l’éditeur d’estampes anversois Hieronymus Cock. Ces gravures, alors très convoitées et dont on conserve toujours de nombreux exemplaires, assureront une diffusion importante de ses créations.

C’est en 1562 que Bruegel se tourne définitivement vers la peinture. Mais ses oeuvres ne semblent pas être le fruit de commandes officielles. Bruegel n’était pas un peintre de cour au service d’un monarque. Au contraire, il travaille pour une clientèle privée.

Anvers alors est une place marchande et financière importante mais aussi un centre attractif pour les artistes et les collectionneurs. Les cabinets d’amateurs se multiplient. A tel point qu’ils deviendront plus tard un sujet à part entière pour un peintre tel que Frans Francken (1581-1642), l’inventeur du thème. Ces cabinets témoignent de l’univers des riches collectionneurs qui font le marché de l’art anversois.

C’est donc au coeur de ce foyer marchand, intellectuel et artistique, alors en pleine effervescence, que Bruegel exerce son métier et se constitue rapidement une clientèle. Parmi ses commanditaires, figurent notamment le marchand Hans Franckert (avec qui il parcourrait les fêtes villageoises), le marchand Nicolas Jongelinck ou encore, le Cardinal Antoine Perrenot de Granvelle, conseiller de Charles Quint et ministre de Philippe II.

Bruegel signe quasiment toujours ses oeuvres, ce qui témoigne également de la reconnaissance acquise par le peintre dès son vivant.

Il est intéressant de noter que la signature de l’artiste et celle de son fils aîné, Pieter Brueghel le Jeune, prêtent souvent à confusion. En effet, jusqu’en 1558, Pieter Bruegel l’Ancien signe “Brueghel”, avec un “h”. Par la suite, il abandonnera le “h” pour signer “Bruegel”.
C’est ce qui permet de distinguer la signature du père de celle des fils. Car ceux-ci, Pieter comme Jan, tous deux peintres comme leur père, conserveront le “h”.

Bruegel, lui, travaille en pleine pâte. C’est-à-dire qu’il applique la matière de façon plus graphique et en épaisseur. Les rehauts clairs qui accrochent la lumière ont un véritable relief. Le modelé des visages, par exemple, n’est plus obtenu par des coloris fondus les uns dans les autres, mais par des épaisseurs de matière. La neige qui s’accroche dans les arbres sont des traces de pinceau, en relief.

Pour les ciels et les surfaces glacées, par contre, Bruegel travaille avec des couches picturales très fines qui laissent deviner la couche préparatoire.

A Anvers, le paysage devient un thème en soi dès le début du XVIe siècle.

C’est à Joachim Patenier, originaire de Dinant et inscrit comme franc-maître à Anvers en 1515, que l’on doit cette inversion du rapport entre paysage et personnages. Ces derniers sont désormais secondaires, comme dans ce Paysage avec la prédication de saint Jean-Baptiste. Bien que le paysage soit toujours associé à une scène religieuse, celle-ci est reléguée à l’arrière de la composition.

Patenier met au point des paysages avec vue plongeante où se succèdent différents plans. A chacun de ces plans est associé une tonalité: brun pour le premier plan, vert pour le plan médian et bleu pour l’arrière.

Un nouveau type de paysage est né.

A cette tradition naissante du paysage anversois, Bruegel ajoute sa touche de génie.

Dans cette oeuvre de Bruegel, on retrouve la vue plongeante et les plans successifs, chacun associé à une tonalité.
Le paysan et son cheval sur la bute, au premier plan, crée un effet de perspective marqué grâce au contraste avec l’échappée vers l’horizon.

La lumière qui éclaire le milieu de la mer et les flancs de la colline, formant une ligne d’horizon courbe, procure quant à elle une impression de rotondité de la terre.

Pieter Bruegel est apprenti chez Pieter Coecke, qui avait lui-même fréquenté l’atelier de Bernard Van Orley, l’un des plus célèbres représentants de l’art italien aux Pays-Bas. Il s’est donc certainement familiarisé avec les codes de l’art italien que ces derniers lui auront transmis. Il s’en détachera pourtant afin de nous livrer une oeuvre originale et personnelle.

Les personnages de Bruegel n’ont pas le maniérisme italien alors tellement en vogue dans tout le Nord. Au contraire, ses figures sont massives et expressives, parfois même caricaturales. Leur dynamisme inspirera de nombreux peintres après lui.