Depuis son inauguration en 1875,  les plus grands chanteurs d'opéra et danseurs de ballet, de Maria Callas à Rudolf Noureev, se sont produits sur sa scène.

Culminant à 4 808 mètres au dessus du niveau de la mer, le Mont Blanc est la plus haute montagne des Alpes. Explorez ses neiges permanentes !

L’ancien pavillon de chasse de Louis XIII fut transformé et agrandi par son fils Louis XIV qui y installa la Cour et le gouvernement de la France en 1682. Jusqu’à la Révolution française, les rois s’y sont succédé, embellissant chacun à leur tour le Château. 

Saviez vous que Van Gogh a vécu à Arles, dans le sud de la France, pendant un an ? Il a même peint la chambre dans laquelle il vivait, qui est devenue ensuite une de ses œuvres les plus connues. Lisez 10 choses que vous ne savez peut-être pas sur Vincent van Gogh.

Dans le Musée de l'Orangerie, vous pouvez admirez le cycle des Nymphéas de Claude Monet. Cliquez dans l'image pour une vue à 360°. 

Saviez-vous que cette icône française a été construite en 2 ans, 2 mois et 5 jours pour l'Exposition Universelle de 1889, une prouesse technique pour l'époque ?

A votre tour de regarder Paris depuis la bien  nommée "Dame de fer".

Installé dans l'appartement où Louis Pasteur passa les sept dernières années de sa vie, le Musée Pasteur célèbre la vie et les recherches de l'inventeur du vaccin contre la rage.

Jetez un oeil sur les échanges fascinants - parfois drôles - d'Albert Einstein avec de grands mathématiciens français. Ces conversations d'avant-garde ont contribué à façonner ses travaux scientifiques les plus novateurs. Lire les lettres.

C'est en Provence, dans le sud de la France, que l'on trouve ces champs à l'odeur si reconnaissable. Les fleurs bourgeonnent de mi-juin à mi-août, mais vous pouvez les admirer en ligne tout l'année ! 

La grotte Chauvet, située en Ardèche, est le premier chef d'oeuvre d'ampleur de notre humanité. Les dessins, pour la plupart, sont datés à plus de 36.000 ans. La grotte est fermée au public pour préserver cet héritage, mais vous pouvez la visiter en ligne. 

Ce fossile de crocodile fait partie des collections permanentes du Musée des Confluences à Lyon. Ce spécimen vivait dans l'Ain il y a 150 millions d'années. 

En 709, il y avait seulement une petite église sur cette colline encerclée par la mer à marée haute. Des monastères et abbayes ont été construites au Moyen-Age, et le Mont est maintenant inscrit à l'UNESCO.

Situé en plein cœur de Paris, sur l'Avenue des Champs Elysées, ce bâtiment mythique a été construit pour l'exposition universelle de 1900. Il est particulièrement connu pour son toit en verre, le plus grand d'Europe. 

Cette ensemble représente la ""petite robe noire", une des créations à l'influence durable de Coco Chanel. 

Cet instrument est le Console studio 116c du "Groupe de recherche musicale (GRM)". En 1967, c'était le dernier mot de la technologie !

1. Vue du Lanternon de l'Hôtel des Invalides

A 107 mètres, le Dôme des Invalides était le plus haut bâtiment de Paris jusqu'à l'érection de la Tour Eiffel en 1889.

2. L'Opéra Garnier

Admirez le groupe sculpté d’Apollon, la Poésie et la Musique de près, avant de vous absorber dans la vue du Sacré Cœur au loin.

3. Le Grand Palais

"Marchez" le long de ce célèbre toit en verre - le plus grand en Europe - pour jeter un œil à la Tour Eiffel et la Grande Roue de la Concorde.

4. Le toit de l'Opéra Bastille

L'Opéra se dresse sur la place de la Bastille, symbole de la Révolution française, où l'ancienne forteresse de la Bastille a été détruite le 14 juillet 1789.
Au-delà de la vue imprenable, son rooftop accueille 2 500 m2 de cultures et de légumes : salades, tomates, concombres, courgettes, haricots verts, aubergines, poivrons...

5. Tour Saint Jacques

Cette tour gothique, le seul vestige de l'église Saint-Jacques-de-la-Boucherie, était le point de départ pour le pèlerinage vers Saint Jacques de Compostelle.

Admirez la statue de Saint Jacques le Majeur et les quatre statues restaurées symbolisant les quatre évangélistes : lion, taureau, aigle et homme.

6. Hôtel de la Monnaie

La Monnaie de Paris est l'institution qui frappe la monnaie, et produit des pièces de collection, des objets d'art, des médailles et des décorations. C'est une institution culturelle proposant des événements et expositions d'art. Au coeur de Paris, elle fait face à l'Ile de la Cité sur la Seine.

7. La Tour Eiffel

Symbole reconnaissable entre tous, la Tour Eiffel mérite amplement son statut d'icône. La vue sur le Champ de Mars depuis le haut de la "dame de fer" est tout aussi légendaire.

La France est célèbre pour sa riche histoire avec l'opéra qui s'étend sur plus de 300 ans, mais la connaissez-vous bien ?

Il est également connu sous le nom de "lac du Fantôme de l'Opéra" en raison de son lien avec le roman de Gaston Leroux. Ce plan d'eau aurait inspiré le romancier français. La présence de l'eau a certainement ajouté une couche de mystère à l'histoire du Palais Garnier.

En réalité, ce réservoir d'eau a été imaginé par l'architecte de l'Opéra de Paris, Charles Garnier. Il a été construit pour éviter les infiltrations d'eau, et servait à la lutte contre les incendies. Il n'est pas accessible au public mais vous pouvez le voir ci-dessous en 360. 

En 1964, le plafond du Palais Garnier subit une transformation spectaculaire. À la demande du ministre de la Culture, André Malraux, Marc Chagall, artiste de renom alors âgé de plus de 70 ans, remplace l'œuvre du XIXe siècle par un chef-d'œuvre vibrant de 240 mètres carrés.

Ce plafond audacieux et moderne, qui rend hommage à 14 compositeurs par le biais d'images fantastiques, a suscité la controverse. Fait remarquable, Chagall a refusé d'être payé, ne demandant qu'à couvrir les frais de matériel. Son acte désintéressé ajoute une nouvelle couche d'intrigue à cet ajout unique au Palais Garnier.

L'Opéra-Comique a commandé Carmen à Georges Bizet en 1873. Bien qu'elle raconte l'histoire d'une séductrice originaire de Séville, l'histoire a été imaginée par l'écrivain français Prosper Mérimée. 

Sa première a eu lieu le 3 mars 1875 à l'Opéra-Comique et il est aujourd'hui l'un des opéras les plus joués au monde.

Né en Italie, l'opéra s'est développé en France au XVIIe siècle. Jean-Baptiste Lully établit en France la forme de la "tragédie lyrique", mêlant musique et drame.

S'inspirant de la tragédie grecque, ce nouveau genre mêle théâtre, chant, musique et danse. Divisé en 5 actes, il comprend des récitatifs, des décors somptueux, des scènes dansées, un libretto en français et des personnages héroïques.

Pour plaire à Louis XIV, dit le Roi-Soleil, le genre "tragédie lyrique" comporte un prologue à la gloire du roi.

L'Opéra Royal du Château de Versailles se distingue par son splendide auditorium, construit au XVIIIe siècle. Près d'un siècle d'études et de recherches ont été nécessaires pour l'achever.

Oscar-Claude Monet (14 novembre 1840 - 5 décembre 1926) est l'un des peintres occidentaux les plus célèbres de tous les temps. Fondateur de la peinture impressionniste, créateur de la série emblématique “Nénuphars” et symbole de la peinture française, Monet est un nom familier...

...mais saviez-vous ces choses moins connues à son sujet ?

1. Le terme “impressionnisme” vient du nom de l'un des tableaux de Monet

Le terme "impressionnisme" est dérivé du titre de sa peinture “Impression, soleil levant”, qui fut exposée en 1874 dans la première des expositions indépendantes montées par Monet et ses amis comme alternative au Salon de Paris.

Le nom «impressionniste» a d'abord été utilisé par l'humoriste Louis Leroy comme une critique à l’égard du groupe. Leroy a écrit une critique acerbe de la première exposition des Impressionnistes intitulée «L'exposition des impressionnistes», mais, étrangement, le nom est resté et a même rendu le groupe célèbre.

2. Monet n’a pas seulement peint les nénuphars, il en cultivait aussi

Monet a commencé à travailler en 1883 dans le petit village de Giverny en aval sur la Seine depuis Paris. Puis en 1893, il a acheté le terrain devant sa maison et y a construit un jardin de style japonais. Monet a utilisé un petit ruisseau qui traversait sa propriété pour construire un immense étang qu'il a rempli de nénuphars et fait traverser par un pont à bosse. Il a bordé les berges de saules et d'arbustes et s'est retiré dans ce royaume aquatique isolé du monde extérieur pour créer sa dernière série, "Les Nénuphars". Il a construit un studio aux parois de verre sur le côté du jardin et mis en place un chevalet à roues qu'il pouvait ainsi librement déplacer dans la pièce.

C’est là qu’il a réalisé de très nombreuses peintures montrant les images changeantes de l'étang, de ses nénuphars et de la lumière réfléchie à toutes les heures du matin, du jour et du soir. Dans certaines œuvres de cette série, il a aussi représenté des saules sur le rivage, le pont à bosse et le ciel du soir. Mais il s'est finalement concentré uniquement sur l'étang lui-même.

3. Monet s'est inspiré de l'art japonais ukiyo-e

Monet ne s’est pas seulement inspiré du style japonais pour concevoir son jardin, ses choix de sujets et sa méthode de peinture ont également été fortement influencés par l'art japonais.

Prenez par exemple cette gravure sur bois Hiroshige. Elle vous semble familière ? Des gravures sur bois de couleur japonaise telles que cette scène, avec son gros plan détaillé de fleurs de glycines violettes tombant gracieusement le long d'un poteau avec un pont voûté au-delà, ont inspiré les peintures de Claude Monet de son jardin de nénuphars à Giverny.

4. Une tragédie a terni la vie de Monet

Malgré sa renommée croissante, Monet était souvent en proie à des difficultés financières. En 1868, peu de temps après la naissance de son premier fils Jean, Monet devient de plus en plus accablé par sa situation économique et il tente de se suicider en se jetant dans la Seine.

Heureusement, sa tentative a échoué, mais un autre malheur est survenu: son épouse Camille tombe malade en 1876 lors de sa deuxième grossesse. Elle est décédée en 1879, à l'âge de trente-deux ans.

Ces peintures sont des portraits intimes et touchants de la femme de Monet et de leur jeune fils.

5. Monet moderne

L'héritage de Monet a eu un impact important sur l'art moderne et contemporain dans de nombreux genres et formes artistiques différents. Prenez ces trois œuvres contemporaines ...

Monet a influencé des artistes comme Roy Lichtenstein. Cette œuvre, Red Barn, fait suite à la célèbre série ‘Haystack and Cathedral’ de Lichtenstein, dont il disait lui-même qu’elle était "Faite à la Monet". Entre 1969 et 1993, l'artiste, comme Monet, a réalisé plus de vingt séries de tirages étendus, dont la plupart comportent de six à huit images.

Monet trouve aussi sa place à la table du Banquet d'artistes de Kyung Min Nam.

Bonus: plongez-vous dans la grande série “Nymphéas” de Monet

Saviez-vous que Monet a conçu une salle spéciale pour sa série “Nymphéas” ? Saviez-vous que vous pouviez la visiter virtuellement grâce à Street View ?

Offertes à l'État français par Claude Monet le jour qui a suivi l'armistice du 11 novembre 1918 comme symbole de paix, les Nymphéas ont été installées selon son volonté au Musée de l'Orangerie en 1927, quelques mois après sa mort.

L'ensemble est l'une des plus grandes réalisations monumentales de la peinture du début du XXe siècle. Les peintures entourent le spectateur sur près de 100 mètres et le plonge dans un paysage parsemé de nénuphars, d'eau, de branches de saule, de reflets d'arbres et de nuages, donnant «l'illusion d'un tout sans fin, d'une vague sans horizon ni rivage ", pour reprendre les mots de Monet.

Admirez vous-même ...

When you visit Versailles, you will not only be amazed by the grand architecture of the Palace, but you will also find many treasures hidden around the extravagant gardens. The grounds were first renovated by Louis XIV in 1661 and have been maintained to a royal standard ever since. Take a walk around the gardens of Versailles and experience this living work of art.

En 1661, Louis XIV chargea André Le Nôtre de créer les jardins de Versailles, que le roi considérait tout aussi importants que le château.

Les travaux d'aménagement des jardins commencèrent à peu près en même temps que ceux du palais, qui durèrent plus de 40 ans!

La création des jardins représentait une tâche monumentale. Il a fallu déplacer de grandes quantités de terre pour niveler le sol et créer de l'espace pour construire des parterres de fleurs, des fontaines et la célèbre orangerie.

Des arbres furent apportés de différentes régions de France et des milliers d'hommes, parfois même des régiments entiers de l'armée, participèrent à cet immense projet.

Louis XIV était si attaché aux jardins de Versailles qu'il prenait parfois lui-même les outils de jardinage s'il apercevait quelque chose qui ne lui convenait pas.

Louis XIV aimait aussi organiser des fêtes dans les jardins. En 1664, sur une scène aménagée sur la voie royale, le roi interprète un ballet intitulé La Princesse d'Élide, spécialement arrangé pour l'occasion.

Quand il ne dansait pas, Louis XIV naviguait le long du Grand Canal sur une galère de 20 mètres de long, propulsée par 42 rameurs.

Ce canal a été vidé trois fois. D'abord en 1792 pour en faire un potager, puis en 1808 lorsque Napoléon en restaura les berges, et enfin en 1940 parce que la grande surface de l'eau inquiétait les habitants de Versailles, qui la considéraient comme un objectif facile pour les chasseurs ennemis.

Après une série de tempêtes à la fin du XXe siècle provoquant des dégâts dévastateurs, le jardin fût entièrement replanté. Son aspect est aujourd'hui frais et jeune, à l'image du style qu'il aurait eu sous le règne de Louis XIV.

La mode est une caractéristique importante dans le paysage économique et culturel français. Afin de bien comprendre sa signification, nous devons d'abord comprendre la vraie nature des produits de mode. Pour moi, le produit de mode a quatre caractéristiques : il a une dimension esthétique et artistique ; il est souvent associé à un styliste et à une marque ; il donne lieu à des cycles courts et à un renouvellement rapide ; et il se situe dans la tendance du présent et, parfois, peut définir les tendances du futur.

Ces différents aspects reflètent les commentaires de Charles Baudelaire sur la modernité, qu'il considère comme « fugace, transitoire, accessoire, relevant pour moitié de l'art et dont l'autre moitié est éternelle et immuable ». La mode fait partie de la modernité qui réunit à la fois la créativité du créateur et les aspirations des consommateurs. Pour chacun de nous, la mode est dans le « ici et maintenant », tout en mêlant les traditions de notre passé et en définissant notre avenir.

La mode fait partie intégrante de notre économie et de notre société. L'activité principale de la mode est de choisir comment nous nous habillons et de quoi nous nous ornons ; de porter des objets qui reflètent l'identité que nous souhaitons projeter et les modes de vie qui traversent notre système. La mode oscille toujours entre l'expression personnelle et une tendance collective, de groupe.
De cette façon, l'économie de la mode, en son sens le plus strict, concerne les secteurs économiques de nos environnements personnels : les activités de création, de production et de distribution de vêtements, accessoires de mode (chaussures, maroquinerie, etc...), les parfums et les cosmétiques. Ces activités dans leur ensemble représentent 1,7 % du PIB de la France ; 2,7 % si on inclut les emplois, en particulier ceux liés au service et ses répercussions, ce qui représente 1 million d’emplois au total. Étonnamment, c'est plus que l'industrie automobile et aéronautique combinées.

Mais toutes les grandes marques françaises, tout comme les plus jeunes marques, sont axées sur la créativité plutôt que sur le consommateur. Cela ne signifie pas qu'ils comprennent mal leurs consommateurs et leurs clients, mais qu'ils veillent à ce que leurs créateurs aient la liberté d'exprimer leur talent artistique. Cette approche constitue un sentiment de continuité avec la tradition française, qui a son origine dans l'humanisme et le Baroque, mouvements où le sentiment provoqué par l'œuvre d'art et l'objet prime sur son utilité directe. Les marques proclament leur imagination, déploient une vigueur créative et transmettent une émotion qui résonnera avec les consommateurs et résistera à l'épreuve du temps.

Cette approche explique le poids économique des marques françaises qui sont plus axées sur la créativité et le développement international, qui atteignent à elles seules des chiffres de ventes mondiales de 45 milliards d'euros. Ce chiffre s'élève à 67 milliards si l'on inclut des marques appartenant à des groupes français.

La créativité et le succès des designers et des marques françaises sont indissociables de l'expertise des ateliers et des artisans qui fabriquent leurs produits. Cette culture découle directement de la tradition des arts décoratifs et de la haute couture. D'abord documenté en 1298 par Etienne Boileau, Provost de Paris, les métiers d'art qui se sont développés grâce aux innovations techniques, ont atteint leur âge d'or pendant le Second Empire, avant de connaître une renaissance avec l'art Déco. Quant à la haute couture, elle fut annoncée par Rose Bertin, la « Ministre de la mode » de Marie-Antoinette, qui a commencé à libérer le corps féminin tout en ornant ses créations avec de la broderie, de la dentelle et des pétales de rose.

Charles-Frédéric Worth, a Briton who settled in Paris in 1845, first determined these principles, before the term ‘haute couture’ became its official name a century later.

Bien que le prêt-à-porter industriel et le fonctionnalisme aient certainement augmenté depuis les années 1950, la mode française n'a jamais rejeté l'ornementation et n'a jamais cessé de cultiver le lien entre la création et la technique.

Par conséquent, dans l'industrie de la fabrication de la mode, 140 000 emplois sont axés sur le développement de produits individuels et de petites séries, ce qui reste plus proche de l'artisanat traditionnel que les méthodes des « grandes industries ».

Les marques elles-mêmes ont leurs propres ateliers où des dizaines de milliers d'employés hautement qualifiés donnent forme aux créations des designers et de leurs studios et s'assurent soigneusement de la haute qualité des prototypes. Il y a également 3 000 entreprises artisanales artistiques qui intègrent continuellement la mode et le luxe.

Le savoir-faire artisanal et industriel est réparti sur les régions françaises ; certaines régions ont développé des spécialisations, telles que les vêtements dans la région de Cholet et la soie dans la région de Lyon. Mais c'est à Paris que la mode est présentée à l'échelle mondiale.

La Semaine de la mode de Paris, qui se tient à la fois pour la haute couture et pour le prêt-à-porter pour femmes et pour hommes, s'étend sur plus de 38 jours de l'année. C'est de loin la semaine de la mode la plus internationale : 50 % des marques qui y apparaissent ne sont pas françaises, indépendamment des principaux défilés internationaux des marques françaises.

L'économie de la Semaine de la mode parisienne est substantielle en soi. Les spectacles et événements qui y sont associés génèrent plus de 400 millions d'euros chaque année, sans compter les foires liées à la Semaine de la mode auxquelles participent des dizaines de milliers de professionnels du monde entier, ce qui entraîne une dépense totale de plus de 1,2 milliard d'euros par an.

La révolution numérique - qui affecte déjà tous les niveaux de la chaîne de valeur - est sans aucun doute en train de transformer la mode. Cela a conduit à une augmentation de l'individualisation des produits et des services, à la promotion de l'unicité et au développement continu de l'expertise : un code de conduite dont la haute couture est le point de référence. La mode française est également soumise aux défis du développement durable. Les marques qui incarnent la mode française devront s'attaquer à cette question au cours des prochaines années afin de garantir que leur crédibilité écologique et sociétale soit à la base de leur identité.

De son impact environnemental, à sa valeur créative, à son importance économique, l'industrie française de la mode fait partie intégrante du passé, du présent et de l'avenir de la France.