Klimts Damenporträts

Wie kaum ein anderer Künstler huldigte er in seinen Werken der weiblichen Schönheit und rückte die Attraktivität der Dargestellten stets ins Zentrum seiner Bildschöpfungen. Bezeichnend ist, dass Klimt nur höchst selten Männerbildnisse geschaffen hat. Zudem entstanden die wenigen männlichen Porträts ausschließlich in der ganz frühen Schaffenszeit des Künstlers. Somit porträtierte Klimt nahezu ausschließlich Frauen.

Bei den Damenporträts variieren Klimts Gestaltungsmöglichkeiten in Dichte und Raschheit, wie dies etwa bei den allegorischen Darstellungen oder bei den Landschaften in seinem Œuvre nicht der Fall ist. In jedem Bildnis suchte der Meister nach neuen Ideen. Keine Komposition gleicht der anderen. Jedes einzelne Porträt wurde von einer Vielzahl von Bleistiftstudien begleitet, mit deren Hilfe sich Klimt die ihm perfekt erscheinende Körperhaltung und oft auch einzelne Details, etwa die Handhaltungen, erarbeitete. Sofern sich diese Studien erhalten haben, ermöglichen sie, das Ringen Klimts um die bestmögliche Komposition eines Bildnisses nachzuvollziehen.

Diese Vorgangsweise zeigt, wie gewissenhaft sich Klimt mit jedem seiner Porträts auseinandergesetzt hat. Die Anfertigung eines Porträts erstreckte sich stets über einen langen Zeitraum, manchmal sogar über Jahre. Dabei malte Klimt immer vor dem realen Modell. Klimts Bildnisse besitzen eine juwelengleiche Kostbarkeit, sie verbinden eine idealtypische Komposition mit höchster malerischer Raffinesse.

Für den großen Aufwand, den Klimt bei der Arbeit an seinen Damenbildnissen betrieb, waren die Auftraggeber aber auch bereit, ein Vielfaches von dem auszugeben, was andere Maler für Porträts verlangen konnten. So bezahlte Karl Wittgenstein, der beim Meister 1905 das Porträt seiner Tochter Margarethe in Auftrag gegeben hatte, 10.000 Kronen.

Dies war eine gewaltige Summe, wenn man bedenkt, dass sich der durchschnittliche Verdienst, etwa das Einkommen eines Volksschullehrers, auf nur rund 1.200 Kronen für ein ganzes Jahr belief. Und um 40.000 Kronen konnte man damals zum Beispiel eine stattliche Villa im Salzkammergut erwerben, die gesamte Einrichtung bereits inbegriffen. Klimt zählte somit zu den bestverdienenden Künstlern seiner Zeit.

Die frühen Bildnisse, die Klimt in den 1880er- und 1890er-Jahren geschaffen hat, kennzeichnet ein hoher Grad an Realismus. Tatsächlich lehnte sich Klimt damals in der Gestaltung an den Effekt von Porträtfotografien an. Diese Tendenz zu einem ausgeprägten Realismus in der Darstellung steigerte der junge Künstler in den frühen 1890er-Jahren zu einer nahezu fotorealistischen Gestaltungweise. Beispiele dafür sind etwa das Mädchenbildnis des Wiener Leopold Museums oder das Damenbildnis aus dem Wien Museum, das mit dem Porträt von Frau Heymann identifiziert wird. 

Kurze Zeit später gab Klimt jedoch diese miniaturhafte, fotorealistische Technik auf und wendete sich einer Gestaltungweise zu, die Merkmale impressionistischer Malerei aufweist. Konturen sind oft nur vage angedeutet, die Gesichter der Dargestellten treten wie verschwommen aus einer dämmrigen Atmosphäre heraus, die Gestalten scheinen mit dem Hintergrund zu verschmelzen. 

Ein herausragendes Beispiel für Klimts neuartigen Stil ist zweifellos das 1897/98 entstandene Bildnis der Sonja Knips, das sich im Belvedere in Wien befindet. Neben der malerisch raffinierten, weichen Gestaltung des rosafarbenen Seidenkleids fasziniert der rätselhafte Blick, mit dem die Dargestellte die Betrachtenden anblickt.

Im Bildnis von Klimts enger Gefährtin Emilie Flöge bemächtigt sich das Dekor des gesamten, am Körper auffallend eng anliegenden Kleides, und auch der Kopfschmuck wird in ein exotisch wirkendes Gebilde verwandelt. Dadurch verwandelt der Meister die Figur der Dame in eine schmale, fischähnliche Gestalt. 

Gerade in diesem Porträt seiner für ihn so wichtigen Partnerin rückte Klimt den impressionistischen Charakter seiner früheren Bildnisse erstmals in den Hintergrund und ersetzte diesen durch eine auffallende Stilisierung der Formen.

Auf die sfumatoartig gestalteten Bildnisse aus den Jahren um 1900 folgten spätestens ab 1905 Porträts, die, anders als die früheren Werke, mit präzisen Konturen überraschen. Die visuelle Schärfe und Klarheit dieser Darstellungen wird zudem dadurch verstärkt, dass vor allem die Hintergründe häufig scharfkantige geometrische Motive aufweisen. In großer Vielfalt finden sich hier Quadrate, Wellenlinien oder Spiralen, etwa als Gestaltungselemente für Sitzgelegenheiten, Einrichtungsgegenstände und Hintergrund. 

Im Bildnis der Fritza Riedler etwa kontrastieren die auffälligen geometrischen Muster des Fauteuils und der Wandgliederung besonders reizvoll mit der außerordentlich realistischen Wiedergabe der Porträtierten. 

Ein Höhepunkt dieser Ambivalenz von geometrisch-abstrahierenden Flächenelementen und auffallend realistischer Personendarstellung findet sich im berühmten Bildnis der Adele Bloch-Bauer. Hier wird nicht nur der Hintergrund, sondern auch das Kleid von einem reichen geometrischen Dekor überzogen. Der exzeptionelle Einsatz von echtem Blattgold, das sowohl das Kleid als auch den Fauteuil und den Hintergrund des Bildes ziert, verleiht in dieser üppigen Fülle einen geradezu magischen, ikonenhaften Charakter. 

In den Damenporträts, die Klimt in den Jahren nach 1910 malte, finden sich so wie bereits in den früheren Porträts Dekorelemente in reichem Ausmaß. Ihre Gestaltung änderte sich allerdings insofern, als Klimt in seinen späten Schaffensjahren nicht mehr geometrisches Design verwendete, sondern organisch wirkende Elemente als Dekorformen bevorzugte. Vor allem Blumenmotive finden sich häufig als Muster für die Kleider und die tapetenartig gestalteten Hintergründe. 

Eine Reihe von Vorzeichnungen zum Gemälde macht deutlich, wie sich Klimt erst allmählich für die endgültige Position des Mädchens entschieden hat.

Einige vorbereitende Studien für das Bildnis von Amalie Zuckerkandl, die noch erhalten geblieben sind, zeigen den Weg, der Klimt zur endgültigen Position der Dargestellten geführt hat. Die im Gemälde realisierte Version zeigt die größte Symmetrie und Strenge in der Komposition der Porträtierten. 

Besonders reizvoll sind auch jene Frauenbildnisse Klimts, die der Meister ohne konkreten Werkauftrag geschaffen hat. Hier genoss der Maler offensichtlich die Freiheit, nicht von den Erwartungen der Auftraggeber eingeschränkt zu sein, und konnte seinem persönlichen Ideal weiblicher Schönheit uneingeschränkt Gestalt verleihen. Leider ist in den meisten Fällen die Identität der dargestellten Person nicht bekannt, häufig handelte es sich um Modelle, die dem Meister auch für Aktstudien zur Verfügung standen.