Vermeer et les maîtres de la peinture de genre

Vers 1650, quand Ter Borch porta entièrement son attention sur les scènes de genre, il ne peignait que quelques sujets (parfois même un seul personnage) engagés dans des loisirs ou dans des habitudes quotidiennes dans des intérieurs domestiques paisibles, plutôt que dans les scènes collectives animées privilégiées par la génération d’artistes précédente. Cette approche trouva un écho chez nombre de ses contemporains, dont Vermeer, qui lui emboîta rapidement le pas.

Au milieu de sa carrière, sentant peut-être que les goûts de ses clients changeaient, il commença à représenter des femmes élégantes jouant de la musique, se regardant dans des miroirs, se languissant de leurs proches ou tenant un animal de compagnie. Les sujets peints par Dou et Ter Borch étaient liés, mais les techniques des deux artistes étaient différentes. Tandis que Ter Borch peignait de manière fluide, mélangeant les couleurs en douceur à l’aide de petits coups de pinceau appliqués rapidement, Dou alla plus loin en employant une technique de « peinture précieuse » (fijnschilder), caractérisée par un trait invisible et une attention extraordinaire aux détails.

Dou resta toute sa carrière à Leyde, où il forma de nombreux artistes à son style de peinture raffiné, dont Frans van Mieris, qu’il appelait « le prince » de ses élèves. À la même époque, de jeunes peintres influencés par Dou se sont également inspirés les uns les autres. Par exemple, Van Mieris et Jan Steen, également originaires de Leyde, se sont souvent mutuellement emprunté des idées de composition, des motifs et des arrangements de personnages. Ce solide réseau d’influence réciproque, qui comprend non seulement les peintres travaillant dans un même centre artistique, mais également des artistes d’autres villes, se retrouve maintes fois dans le riche corpus des peintures de genre néerlandaises du XVIIe siècle.

Vers 1660-1665, Dou aborda le sujet inédit d’une femme s’occupant de son perroquet, un animal de compagnie coûteux révélateur de sa richesse. La peinture de Dou trouva de nombreux admirateurs, dont Caspar Netscher, un artiste de La Haye, qui peignit peu de temps après sa somptueuse Femme nourrissant un perroquet, avec un page (National Gallery of Art, Washington). Comme Dou, Netscher représenta une femme debout derrière une niche ouverte et, dans les deux œuvres, des rideaux suspendus à la niche sont regroupés d’un côté. Les deux images se distinguent clairement par l’attitude de la femme : celle de Dou semble douce et chaste, alors que celle de Netscher est incroyablement sensuelle. La coupe basse aguichante de sa robe dorée révèle la peau de porcelaine de son décolleté, tandis que son regard coquet produit une image vivante et séduisante, à la fois familière et originale.

Une comparaison entre la Dentellière de Vermeer et celle de Nicolas Maes (musée des Beaux-arts du Canada, Ottawa) révèle également cet aspect du génie artistique de Vermeer. Maes représenta la dentellière assise au fond d’une pièce faiblement éclairée et intégra un certain nombre d’éléments picturaux (un portrait de Martin Luther et une bourse suspendue au mur, ainsi qu’un livre ouvert sur son bureau) pour symboliser son application au travail, sa frugalité et sa domesticité. Vermeer, quant à lui, cadra sa composition de près et plaça la jeune femme devant un mur nu pour mettre l’accent sur la dentellière elle-même. Sa peinture traduit à la fois l’implication émotionnelle de la femme dans son travail et exprime un sentiment de sérénité et d’intemporalité.