Herzlich Willkommen in der Deutschen Oper Berlin

„Ich weiß genau, dass die Oper wenig Handlung, zu wenig Bühneneffekte haben wird. Aber der große Reichtum an Poesie, die Lebenswahrheit und Einfachheit der Vorgänge sowie die genialen Verse Puschkins wiegen solche Mängel gewisslich auf.“ (Pjotr I. Tschaikowskij über EUGEN ONEGIN)

In Robert Carsens Inszenierung maskiert sich das Theater quasi immer wieder neu und tritt im Dekor der unterschiedlichsten Theaterstile auf, die in dieser Stadt entstanden oder ihre größten Erfolge erlebten – von der Brechtbühne über das Kabarett der Zwanziger Jahre bis zu Peter Stein und seiner Schaubühne.

In Benedikt von Peters AIDA-Inszenierung sitzt der Chor zwischen dem Publikum, das der kriegerischen Gesellschaft in Verdis Oper erschreckend nah ist. Kein Orchestergraben trennt Sänger und Zuhörer.

Bildmächtig, religionskritisch, hochsensibel jedwedem Machtmissbrauch gegenüber, gilt Hans Neuenfels Inszenierung von DER TROUBADOUR bis heute als Meilenstein in der Rezeption dieser Verdi-Oper.

Götz Friedrich erzählt LA TRAVIATA in der Atmosphäre eines Requiems: Idyllisch überfärbt oder karnevalesk verzerrt verlebendigen sich die Erinnerungen der vergangenen Lebens-und Liebensfreude der Kurtisane Violetta Valéry.

Auf der einen Seite die kriegerischen Babylonier, auf der anderen die Hebräer als Volk der Schrift und der Reflexion. Für Regisseur Keith Warner erzählt Verdis Werk vom Kampf zwischen Geist und Gewalt und der allmählichen Durchdringung dieser Gegensätze in der Figur des Nabucco.

Philipp Stölzl erzählt RIENZI als Parabel über politische Erlösungssehnsucht im 20. Jahrhundert. Er beschreibt die Karriere eines charismatischen Politikers, das Entstehen und Scheitern von Diktatur.

Wahlkampf in Brabant: Lohengrin beherrscht die mediale Geste, baut einen Heilsmythos um sich auf. Man kann ihn leicht als machtpolitischen Blender begreifen, der seine Chance wittert, in zerrütteten Landen einen neuen Staat zu etablieren. Die Schlachtrufe ertönten bereits.

In großen mittelalterlichen Tableaux erzählt Kirsten Harms diese Historie als Allegorie auf die platonischen Formen der Liebe, Sinneslust, Hohe Minne, Nächstenliebe.

Das End-Spiel schreitet fort. Die Geschichte des Untergangs, die sich die in den Tunnel der Zeit geratenen Götter noch einmal imaginieren, erzählt nun von der Hoffnung auf den nicht durch Göttlichkeit gebundenen Menschen.

Weitab von der Welt zieht Mime Sieglindes Sohn auf. In der Fürsorge verfolgt Mime jedoch allein das Ziel, den Riesen Fafner, der den Hort mit dem Nibelungenschatz hütet, durch den Jungen, Siegfried, töten zu lassen ...

„In diesem Tunnel gelang es uns manchmal, die verschiedenen Zeiten, die Zeitgeschichte, die der RING bildet und darstellt, in einem Raum konkret Ereignis oder Spiel werden zu lassen. Und mehr konnte damit gefunden oder gesagt werden: alles, was war, kann noch einmal sein. Und was sein wird, war schon einmal, anders vielleicht, aber ähnlich. Anfang ist Ende, und Ende ist immer wieder nur Anfang.“ (Götz Friedrich)

Rolando Villazón nimmt sich der selten gespielten Oper als Regisseur an und streicht die sich in der Verschränkung von Oper und Unterhaltungstheater schon ankündigende Pluralität der „Roaring Twenties“ heraus.

Puccinis LA BOHEME zeigt vier junge und verarmte, in Paris lebende Künstler, die sich mit ihren Hoffnungen, Enttäuschungen und Träumen durch das Großstadtleben mit allen Freuden, aber auch Leiden schlagen. Diese romantische, aber auch heruntergekommene Szene von Paris wird in Götz Friedrichs Inszenierung vorgestellt.

Puccini hat die „japanische Tragödie“ MADAMA BUTTERFLY, in der er die Kehrseite des Kolonialismus zeigt, zeitlebens als sein liebstes und auch bestes Werk bezeichnet. Tatsächlich entspricht es seiner selbstgewählten Maxime der „Musik der kleinen Dinge“ geradezu meisterhaft.

TOSCA erzählt die Geschichte einer großen Liebe in Zeiten des Terrors und der politischen Verfolgung. Boleslaw Barlog ist es mit dieser Produktion gelungen, die Atmosphäre der Originalschauplätze einzufangen und einen Klassiker zu entwerfen.

Anstelle psychologisch-realistischer Details wendet Puccini sich in seinem Spätwerk dem Märchen zu: Im Zentrum die grausame und hypnotisierend schöne Prinzessin Turandot, die ihr Volk terrorisiert. Nur die Verheiratung kann das Terrorregime bannen …

In seiner brillanten Neuinszenierung zeigt Claus Guth, der Psychologe unter Deutschlands Starregisseuren, dass Strauss’ Version der Geschichte weit mehr ist als ein lustvolles Spiel mit der Dekadenz, und legt konsequent die Triebkräfte der Hauptfiguren frei.

Ein letztes Mal beschwor Strauss in seiner DANAE die Welt der Antike. Kirsten Harms liest das Spätwerk als melancholischen, aber nicht resignativen Abschied des Komponisten von einer Welt, die nicht mehr die seine ist, aus deren Trümmern aber etwas Neues, Gutes erwachsen kann. Diese Produktion liegt als DVD im Handel vor.

... In seiner Inszenierung erzählt Marco Arturo Marelli in einem von der Entstehungszeit des Werkes inspirierten Dekor die Geschichte eines Paares, das versucht, gemeinsam noch einmal von vorn anzufangen.

Weiter ging Richard Strauss nie mehr: Um seiner Oper über die von Rachedurst verzehrte Tochter des Königs Agamemnon die ganze Wucht der griechischen Tragödie zu verleihen, schöpfte Strauss die klanglichen Möglichkeiten des klassischen Sinfonieorchesters bis ins Extremste aus.

Gezielt bahnte sich Regisseur Roland Schwab seinen Weg durch den von Deutungen überladenen Stoff, sucht einen ganz eigenen Zugang, findet den dämonischen Don Giovanni, einen, durch dessen Augen man in einem Moment in tiefe schwarze Löcher stürzen kann, um im nächsten Moment seinem Witz zu erliegen.

Bei der ersten Opernarbeit von Rodrigo Garcìa steht das Menschsein im Zentrum, das sich in der Musik der ENTFÜHRUNG AUS DEM SERAIL in all seinen Facetten mitteilt – von überbordender Fantasie und spielerischer Vitalität über Sehnsucht und Verzweiflung bis hin zu schierer Triebhaftigkeit und animalischer Grausamkeit.

Christof Loy ist mit Janaceks JENUFA ein veritabler Geniestreich geglückt, der durch eine sehr gelungene Inszenierung und ein Weltklasse-Ensemble zu den überzeugendsten Darbietungen des Stücks an deutschen Bühnen gehört. Erhältlich auch auf DVD und Blu-Ray.

„Es ist eine subkutan bedrohlich werdende Inszenierung, die fast unbemerkt und umso perfider ihre Wirkung entfaltet, wie ein feuchter Pullover auf der Haut.“ (BR) Von Presse und Publikum gefeiert die Inszenierung, das Interpreten-Ensemble, der Chor und das Orchester unter Stabführung Donald Runnicles'. Mit PETER GRIMES eröffnete die Deutsche Oper Berlin den auf mehrere Spielzeiten angelegten Britten-Zyklus, dem THE RAPE OF LUCRETIA, BILLY BUDD und im Frühjahr 2017 DEATH IN VENICE folgten.

Hector Berlioz und Sasha Waltz legen in ROMEO UND JULIETTE die „Seelenlandschaften einer Gesellschaft“ bloß, „die – über Jahre verfeindet – keinen Weg in den Frieden findet ... Sie verfolgt die Emanzipation eines jungen, mutigen Mädchens und eines Jünglings, die gegen diese Situation mit ihrer Liebe aufbegehren, um ihr eigenes, selbstbestimmtes Leben zu leben“, so Sasha Waltz.

„Ich hoffte, so etwas wie eine Alternative in der Kunst zu formulieren und den Begriff Musik auf Kategorien zu bringen, bei denen es sozusagen knistert, wo das Hören – nicht unbedingt der Hörer – aber das Hören verunsichert wird. Dies bezeichnet eine Verunsicherung, die sich zugleich aber als Öffnung ins Freie bewähren muss.“ (Helmut Lachenmann)

Das Parkhaus wird zum Bühnenraum für Iannis Xenakis' Musiktheater ORESTEIA: Ein kraftvolles Werk mit höchst eigener Musiksprache, in der Schlagwerk und rhythmische Elemente im Zentrum stehen und große Erzählerberichte und chorische Partien eine stilistische Anlehnung an die antike Theatertradition suchen. Eine Inszenierung von David Hermann.

MORGEN UND ABEND ist eine Reflexion über Anfang und Ende menschlicher Existenz. Geschrieben und komponiert in einer lakonischen und doch poetischen Sprache, die sich niemals sentimental, vielmehr hochsensibel des Themas annimmt. Es ist die zweite Zusammenarbeit des Schriftsteller-Komponisten-Gespanns Jon Fosse und Georg Friedrich Haas. Inszeniert von Graham Vick.

„Ich würde den Stil Scartazzinis als saftig, als sehr frei und als sehr organisch definieren. Schon beim ersten Blick in die Partitur fiel mir ins Auge, wie spezifisch diese Musik ist. Es gibt tonale Linien, es gibt eine reiche Klanglichkeit und Klarheit. Was mich auch fasziniert, ist die Klangsprache des Zornes, auch des Stolzes, die man in vielen Szenen findet. Das steht in der zeitgenössischen Musik einzigartig da.“ (Dirigent Thomas Søndergård)

Narration, Psychologie und Konzentration in Dramaturgie und Komposition bestimmen Scartazzinis Opern. Das filmschnittartiges Libretto verhandelt die Albträume des Königs, die Hetzjagden des Mobs, Buffo-Szenen in Shakespeare-Tradition genauso wie Fragen nach Tod und Transzendenz. Regie: Christof Loy.