La Lección de Música

"La lección de música" entró en la Colección Real en 1762 como una obra de Frans van Mieris el Viejo debido a un error en la lectura de la firma. De hecho, recién en 1866 Théophile Thoré identificó el nombre del verdadero artista. A finales del siglo XVII, el cuadro había estado en colecciones en Delft, la ciudad natal de Vermeer, incluida la que se vendió el 16 de mayo de 1696 y pertenecía a Jacob Dissous, quien tenía 21 pinturas del artista, el conjunto más grande de este tipo de obras reunidas por una sola persona. "La lección de música" fue posteriormente adquirida por el artista veneciano Giovanni Antonio Pellegrini en 1718, en Ámsterdam o La Haya. A la colección de Pellegrini la compró el cónsul Joseph Smith, quien a su vez vendió su propia colección a Jorge III. Ese fue el camino que recorrió uno de los mejores cuadros holandeses de The Royal Collection y, hasta cierto punto, la equivocación inicial sobre su importancia ha sido más que subsanada por la cantidad de atención académica que recibe actualmente. Las pinturas de Vermeer, de las cuales solo hay 34, son difíciles de fechar, y cualquier cronología debe basarse en una interpretación del estilo y la complejidad de la composición. No hay dudas de que Vermeer pintó "La lección de música" durante la década de 1660, pero no es posible saber la fecha exacta, aunque se cree que fue entre 1662 y 1664. La composición se caracteriza por el uso riguroso de la perspectiva para atraer la atención hacia la parte posterior de la sala donde se encuentran las figuras, como la joven, vista desde la parte posterior. Al principio, el espectador es más consciente de la esquina sobresaliente de la mesa, de la silla y del violín que de las propias figuras, cuya privacidad está protegida. La parte posterior de la sala, dominada por el virginal (comparable con los de Andreas Ruckers el Viejo), funciona a modo de cuadrícula vertical y horizontal en la que las figuras están cuidadosamente encerradas. La luz se cuela a través de las ventanas de la izquierda y llena la habitación, proyectando solo sombras suaves y sutiles. Una característica sorprendente de la composición en esta parte es el espejo en la pared, donde los reflejos ligeramente borrosos incluyen el rostro de la joven, parte de la mesa y las patas del caballete de un artista. Lo que implica este caballete vislumbrado es que Vermeer comparte el mismo espacio que las figuras que está representando, pero como resultado de este artificio también está, al igual que el espectador, parado fuera de ese espacio. De hecho, como observó Alpers, la composición de Vermeer se basa en la exclusión. Muchos de los elementos, especialmente los que están en la parte posterior de la sala, solo se ven de forma parcial, como si indicaran "la inasible apariencia del mundo". La inscripción de la tapa del virginal ("MUSICA LETITIAE CO[ME]S/MEDICINA DOLOR[IS]") significa "La música amplifica el placer y es un bálsamo para el dolor".Se sugiere que el artista está explorando la relación entre el hombre y la joven, pero es imposible decir qué etapa alcanzó esa relación. El hecho de que haya dos instrumentos musicales implica placeres compartidos y una armonía potencial, lo que también se infiere por la expresión arraigada en el rostro del hombre mientras escucha a la joven o canta mientras ella toca el virginal. Se puede deducir que algún aspecto del amor es el tema que preside en esta obra, no solo por las pinturas de los contemporáneos de Vermeer, como Metsu, sino también por la presencia en "La lección de música" del cuadro "Caridad romana" (Cimón y Pero) de Dirck van Baburen, ubicada en la parte posterior derecha de la pared. Esta es la historia de cómo al prisionero Cimón lo alimentó su hija Pero, lo que simboliza el ideal de la caridad cristiana, tanto física como espiritualmente. Se sabe que la suegra de Vermeer, Maria Thins, era propietaria de esa pintura y que el artista usó otro cuadro de van Baburen en el fondo de otras dos obras. El jarrón aparece sobre la mesa, debajo de "Caridad Romana", lo que puede ser un indicio correlativo adicional para los jóvenes que están en la sala. El ambiente de este interior se crea tanto por la selección cuidadosa de pocos objetos como por el enfrentamiento de las dos figuras en cuya difícil situación, en palabras de Lawrence Gowing, "descansa, tan suave como el aire mismo; una alegoría de la libertad y la esclavitud, una alegoría, como la inscripción nos informa, del placer y la melancolía del amor". En la parte inferior derecha del marco se lee "IVMeer" (IVM en monograma).

Procedencia: Jacob Dissius antes de 1696; adquirido alrededor de 1718 por Giovanni Antonio Pellegrini, probablemente en los Países Bajos; comprado en 1742, posiblemente a la viuda de Pellegrini, por Joseph Smith, a quien se lo compró Jorge III en 1762.