Musée de la musique

Cinq chapitres ont été définis pour illustrer les principaux moments de notre histoire de la musique. Les instruments y sont présentés en relation avec le répertoire, les compositeurs et les lieux dans lesquels la musique était jouée. En parallèle, des vitrines, consacrées à des familles d’instruments ou à des facteurs, retracent les histoires prestigieuses, comme celles des Sellas, Stradivari ou Sax. Ce parcours historique est complété par une présentation des musiques du monde organisée selon les aires géographiques.

À l’origine, le cornet à bouquin était fabriqué dans une corne animale, ce qui pourrait expliquer le terme « bouquin », « bouc » en vieux français. Il est également possible que son nom provienne de l’italien bocca, la bouche, en référence à son embouchure ajoutée, comme sur les trompettes. La période de jeu du cornet s’étend du XVe au XVIIIe siècle. Son principe de fonctionnement est le même que les cuivres ; il sonne comme une trompette assez douce.
Le cornet à bouquin ténor du Musée, à l’esthétique saisissante, date du milieu du 16e siècle. Il possède la forme sinueuse d’un serpent, afin de raccourcir la longueur d’ensemble et de faciliter le jeu. La tête du dragon, taillée dans un bloc de bois collé au corps, comporte des oreilles sculptées, des cornes en véritable corne et des dents pointues probablement en ivoire. Une petite cavité à la base du palais laisse penser qu’une langue en métal devait se trouver dans la bouche du dragon.

La guitare connaît un engouement extraordinaire sous le règne de Louis XIV, lui-même bon guitariste. Les peintres du XVIIIe siècle, tel Watteau, ont laissé de nombreuses toiles mettant en scène ces instruments, entourés d’une faveur non démentie tout au long du Siècle des Lumières.

Dotée d’une caisse plus petite que l’instrument actuel, la guitare de l’époque baroque possède cinq paires de cordes en boyau. Bois précieux, ivoire, nacre…tous les luthiers rivalisent de raffinement pour fabriquer de splendides instruments, comme en témoigne cette guitare fabriquée en 1708 par Jean-Baptiste Voboam. Durant le XVIIe siècle, la dynastie des Voboam domine la facture parisienne, introduisant un style d’ornementation en frises de losanges noirs et blancs : la pistagne. Les rosaces, au centre, sont de véritables dentelles en parchemin.

Le terme virginale est employé en Flandres et en Angleterre pour désigner un instrument plus petit que le clavecin, et dont les cordes sont montées perpendiculairement ou en oblique par rapport au clavier.
Faite en 1583 par Hans Ruckers, fondateur d’une longue et illustre dynastie de facteurs établie à Anvers, cette virginale est l’un des plus anciens instruments conservés de ce facteur. La barre d'adresse est décorée de médaillons, probablement postérieurs, représentant Catherine de Médicis et Diane de Poitiers.
Une scène de chasse en pays flamand est peinte à l'intérieur du couvercle.
Comme toutes les roses des claviers Ruckers, la rose en laiton doré représente un ange jouant de la harpe, qu'encadrent les initiales du facteur : HR.

Fabriquée par la firme Érard, mieux connue pour ses claviers, cette harpe illustre la diversité de production des facteurs parisiens. Dotée d’un sobre décor classique, elle possède la toute dernière innovation de Sébastien Érard : une mécanique « à fourchettes », destinée à faciliter le jeu du musicien. Le facteur perfectionnera encore son système en 1810 avec la harpe « à double mouvement », toujours en usage aujourd’hui, permettant à l’instrument de jouer toutes les notes de la gamme chromatique.

D’une grande qualité d’exécution, cet instrument confirme l’attrait des clavecins flamands en France au début du XVIIIe siècle.

Ravalé en 1701, il reçoit à cette occasion un nouveau décor de grotesques sur fond doré, appelé «à la Bérain» du nom du célèbre ornemaniste. Le piétement avec caryatides est un des rares originaux de l’époque de Louis XIV. L’ensemble compose un mobilier homogène élégant.

Aux XVIIIe et XIXe siècles, de nombreuses inventions tentent de faciliter le jeu des cuivres et notamment du cor. L’ajout de tubes supplémentaires, appelés « tons de rechange », dans le circuit d’air, permet aux cors de jouer dans plusieurs tonalités. Chaque longueur de tuyau correspond ainsi à la note « fondamentale » de la tonalité.
Dans le cor omnitonique, conçu au début du XIXe siècle, les tons de rechange sont intégrés à l’instrument, et non plus amovibles. Cela explique ce labyrinthe de tuyaux qui confère l’aspect extraordinaire de l’instrument. C’est par un système de coulisse, qui permet d’associer l’embouchure à l’extrémité du circuit de tuyau adéquat, que le musicien choisit la tonalité.
Le cor omnitonique, très lourd et peu pratique, fut rapidement éclipsé par le cor à piston, bien plus efficace.

Imaginé par Benjamin Franklin, le glass harmonica s’inspire du principe des verres musicaux. Des coupelles de verre de diamètre décroissant tournent sur un axe et sont frottées par les doigts mouillés du musicien.

Le violon est considéré, depuis son origine, comme une invention quasiment parfaite. Sa forme a très peu évolué au cours des siècles et tous les grands virtuoses n’ont eu de cesse de vouloir jouer sur les productions des grands maîtres italiens, Amati, Guarneri et surtout Stradivari.
Toutefois, certains luthiers ont tenté de faire évoluer la facture du violon comme en témoigne cette étonnante viola arpa. Présenté en 1873 à la grande exposition de Vienne, cet instrument a été fabriqué par un luthier de Bucarest, Thomas Zach. Cet alto conserve la longueur et l’épaisseur de l’alto classique, mais le volume de la caisse de résonnance est augmenté par des protubérances marquantes, censées amplifier le son de l’alto.

Au XIXe siècle, le piano symbolise l’aisance matérielle et la bonne éducation, témoignant de l’avènement de la bourgeoisie. La facture de l’instrument se développe de façon industrielle sous l’impulsion des maisons Érard et Pleyel.
Le compositeur Frédéric Chopin appréciait les pianos de la maison Pleyel et leur resta fidèle toute sa vie. Il aimait particulièrement les qualités de toucher et de timbre de ces instruments, à la fois doux et velouté dans le médium et cristallin dans l’aigu.
De 1839 à 1841, il joua et composa sur ce piano à queue fabriqué par Pleyel, et aujourd’hui exposé au Musée de la musique.

Le saxophone est l’invention la plus célèbre d’Adolphe Sax, homme aux multiples activités et inventeur infatigable. Fabriqué en laiton, fonctionnant avec une anche simple et un bec, le saxophone intègre rapidement les formations de musique de chambre ou les fanfares. Mais c’est au XXe siècle, grâce au jazz dont il devient l’instrument emblématique, que le saxophone connait son plus grand succès.
Ce saxophone alto, fabriqué par Adolphe Sax en 1870, est en cuivre doré, gravé de motifs floraux.

Cet « instrument », mesurant plus de 3,5 m de long et pesant quelque 600 kg, faisait partie du studio 116 C de la Maison de la radio et était utilisé par le Groupe de recherches musicales (le GRM). Conçu à la demande de Pierre Schaeffer en 1967, il comportait une console de mixage, un lecteur-enregistreur de bandes multipistes, un système d’amplification et un synthétiseur analogique modulaire, programmable par matrices à fiches.
Associé aux enceintes sphériques Elipson S68, cet ensemble permettait de mixer sons concrets et sons synthétiques et de porter l’œuvre créée sur bande afin de pouvoir la diffuser dans le lieu du concert.

Le theremin a été inventé en 1920 par le scientifique russe Léon Theremin. C’est l’un des seuls instruments de musique que l’on peut jouer sans le toucher. En effet, pour moduler la hauteur et le volume du son, le musicien approche ou éloigne les mains des deux antennes de l’instrument. Malgré la fascination exercée par le theremin sur le public, l’instrument ne connait pas de succès commercial. Ses sonorités étranges et inquiétantes lui réservent pourtant une place de choix dans l’illustration sonore des films de science-fiction des années 1950, avant que l’instrument ne tombe en désuétude. Aujourd’hui, un regain d’intérêt attire vers cet instrument particulier plusieurs musiciens et groupes de musiques actuelles, comme Led Zeppelin, Jean-Michel Jarre, Portishead ou Benjamin Biolay.

Cette harpe ngombi a été fabriquée par la population Ngbaka-ma’bo, en République centrafricaine, au début du XXe siècle. Les Ngbaka vivent dans un environnement forestier et entretiennent une relation très forte à la nature et à la forêt qui est présente dans leur pratique musicale. La longue caisse de bois de l’instrument est recouverte d'une peau d’antilope. Le manche arqué supporte neuf cordes dont certaines sont en racine aérienne de vanille. La double tête noircie est formée de deux visages identiques, aux yeux effilés et aux sourcils situés au sommet du front.
Le musicien, assis sur le sol ou sur une chaise, tient cette harpe verticalement entre ses jambes. Il interprète le plus souvent un répertoire intimiste, composé de mythes chantés, de contes ou de complaintes associées au culte des ancêtres. Il chante en s’accompagnant de la harpe et son auditoire lui répond dans un chœur alterné.

Taillé dans une seule pièce de bois, cet instrument, fabriqué au Ghana au tournant du XXe siècle, est composé d'un personnage féminin portant sur la tête une timbale.
Cette timbale est apparentée au tambour « parlant », portée à dos d’homme et jouée par un tambourinaire à l’aide de baguettes recourbées. C’est un tambour-maître, instrument phare joué au sein d’orchestres populaires qui connurent autrefois un grand succès dans le sud de l’actuel Ghana. Ces ensembles, associés à des musiques et des danses spécifiques exécutées dans un cadre de divertissement, intervenaient aussi lors de funérailles. Le rôle central du tambour-maître dans l’orchestre et sa nature féminine, caractérisée par la présence de seins souvent sculptés à même le tambour, font écho au statut influent de la femme, chef de lignage dans la société akan.

Né en Amérique du Sud et fruit de la rencontre des cultures indigènes et européennes, le charango a probablement pour origine la vihuela de mano espagnole ou la guitare renaissance, introduites en Amérique au XVIe siècle.
Répandu dans les régions montagneuses de Bolivie, au centre et au sud du Pérou, comme dans le nord de l’Argentine et au Chili, le charango est utilisé pour accompagner les chants et danses exécutés durant les fêtes villageoises et lors de cérémonies agraires. Il n’est joué que par les hommes.
La caisse est traditionnellement faite en bois de cèdre ou de noyer mais aussi, comme c’est le cas avec cet instrument fabriqué en 1981, avec la carapace d’un tatou.

Le Oud est l’instrument emblématique de la musique arabe. Reconnaissable à la forme de sa caisse et à son chevillier recourbé vers l’arrière, il possède une longue histoire dont la trace se perd dans la région de Bagdad vers le VIIe siècle. Introduit par les Maures en Espagne au IXe siècle, il est à l’origine du luth européen.
De Constantine à Damas ou de Rabat au Caire, le ‘ud accompagne le chant classique et le répertoire traditionnel au sein de différents types d’orchestre et sert admirablement en solo les suites instrumentales. Jouant un rôle essentiel dans l’enseignement de la théorie musicale et du système tonal arabe, il est depuis toujours étroitement associé à la tradition savante. Aujourd’hui, son succès grandissant étend la pratique du ‘ud à des formes populaires très diversifiées, dont la world music.
L’exceptionnelle facture de l’instrument présenté ici, fabriqué en 1931, est l’œuvre du célèbre luthier syrien Georges Nahat.