Cândido Portinari (1903-1962) es considerado uno de los más importantes pintores de Brasil y una figura clave en el modernismo brasileño. El trabajo del artista que declaró "pintar la cruda realidad brasileña tal y como es" captura el espíritu del país y de su gente. Descubre más sobre el artista con estos diez hechos imprescindibles.
1. Portinari pasó la infancia en una plantación de café
El artista era hijo de Giovan Battista Portinari y Domenica Torquato, inmigrantes italianos de Véneto, Italia, quienes habían venido a trabajar en San Pablo, Brasil. Portinari creció cerca de Brodowski, en la plantación de café donde trabajaban sus padres; la tierra oscura y el cielo azul serían la inspiración para muchas de sus futuras obras.
2. En uno de sus primeros empleos, Portinari pintaba retratos a partir de fotografías
A los 15 años, los padres de Portinari le pagaron un pasaje de segunda clase a Río de Janeiro, para que pudiera ir a la escuela de arte. Tuvo que encontrar una manera de ganar dinero fácilmente, de modo que en su época de estudiante le pagaban para pintar retratos a partir de fotografías. Ampliaba fotografías creando pinturas tan parecidas a las imágenes originales que pudo costear sus estudios en la Escola Nacional de Belas Artes de Río.
3. Portinari pintó más de 5.000 obras
A lo largo de su vida, Portinari fue un pintor prolífico, sumando más de 5.000 obras de arte, de pequeños bocetos a inmensos murales, aunque solo un número reducido de ellas llegó a exponerse públicamente durante su vida.
4. Los viajes de Portinari a Europa fueron esenciales para su carrera -y para su vida amorosa
En 1928, a los 25 años, Portinari recibió una medalla de oro de la Escola Nacional de Belas Artes, y el premio incluía un viaje a París. Después de volver a Brasil en 1930, se fue una vez más a Europa, ahora hacia España e Italia. Esas visitas fueron increíblemente importantes; no solo pudo estudiar obras de arte europeas como también conoció a su futura esposa, Maria Martinelli.
Portinari se sintió profundamente inspirado al regresar a Brasil. Volvió decidido a expresar el verdadero estilo de vida y los colores de su país, plasmando en su arte el dolor y la lucha de su pueblo.
5. Su rostro apareció en un billete bancario
En 1986, debido a la inflación, existían billetes de 10, 50, 100, 500, 1.000, 5.000 y 10.000 cruzados, la moneda brasileña de entonces. Los billetes tenían rostros de personas ilustres y, en 1988, Portinari figuró en el billete de 5.000 cruzados. El billete traía la cara del artista con su obra Tiradentes al fondo. El anverso mostraba Portinari dibujando Baianas.
6. El fresco de Portinari en una iglesia fue condenado por un arzobispo
Portinari alcanzó la fama con sus murales, y una creación notable fue su colaboración con Oscar Niemeyer, el arquitecto modernista más importante de Brasil. La Iglesia de San Francisco de Asís, proyectada por Niemeyer, era parte de un proyecto urbanístico en Belo Horizonte, Brasil. El arquitecto encargó a Portinari la pintura del mural detrás del altar.
Cuando estuvo lista, en 1943, el arzobispo Cabral rechazó la estructura por motivos estéticos, afirmando: "El hangar de Niemeyer [parece] el refugio del diablo [...] con un Cristo macilento lanzando una mirada fulminante desde el gigantesco fresco del pintor Cândido Portinari." Sostuvo que la iglesia no era "adecuada para fines religiosos", y la construcción permaneció sin ser consagrada por 16 años. En 1959, el arzobispo auxiliar João Rezende Costa consideró que la iglesia tenía "gran significación artística y una atmósfera espiritual" y fue finalmente consagrada.
7. Su muestra individual en el MoMA en 1940 mencionaba a su bebé como el coleccionador
Anunciado como "el más famoso artista moderno de Brasil", Portinari fue invitado a exponer su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1940. La gacetilla de la muestra individual decía que el coleccionador era João Candido Portinari, su hijo de 1 año (que estuvo presente en la noche de inauguración con sus padres).
Meses antes del nacimiento de su hijo, Portinari empezó a seleccionar algunas de sus mejores obras para la colección de arte del bebé. "Aún mantiene esa práctica, y no venderá ninguna de esas pinturas", aclaraba la gacetilla. "Diversos óleos y más de dos docenas de dibujos expuestos en esta muestra fueron prestados por el bebé."
8. El Projeto Portinari digitalizó las obras del artista
En 1979, tomando en serio la responsabilidad de coleccionador, el hijo del artista, João Portinari, fundó el Projeto Portinari. Durante cerca de tres décadas, la iniciativa identificó, catalogó y fotografió la colección completa de las obras de Portinari, generando referencias cruzadas entre las 5.000 pinturas del artista y 25 mil documentos, como entrevistas, cartas y recortes de diarios. El proyecto llegó a incorporar tecnología de punta para digitalización y análisis de las pinturas.
9. El artista fue contratado por las Naciones Unidas
En 1956, Naciones Unidas solicitó que los países afiliados donaran una obra de arte para la nueva sede de la ONU. Brasil convocó el talento de Portinari, y el artista llevó cuatro años para completar el mural llamado Guerra y Paz. La obra, en dos paneles, ilustra la guerra, la agonía, el miedo y el dolor para demostrar cómo la gente sufría durante la guerra. Dag Hammarskjöld, Secretario General de la ONU en ese momento, consideró el mural "la más importante y monumental obra de arte donada a la ONU".
Cuando los delegados entran a la sede neoyorquina, se encuentran con el panel Guerra, pero cuando salen, ven Paz —un deseo simbólico del pintor, que, sin embargo, no llegó a verlos colgados en el edificio.
10. Portinari sufrió por su arte
Las pinturas que Portinari utilizó a lo largo de su carrera terminaron por afectar su salud de manera trágica. Su primer roce con la muerte ocurrió cuando lo contrataron para pintar paneles en una iglesia en Batatais, en 1947. Las pinturas eran un "compuesto tóxico" que contenían arsénico y causaron una hemorragia que hicieron con que fuera hospitalizado.
Inmutable ante los riesgos, Portinari utilizaba a diario pinturas igualmente peligrosas, con altos niveles de plomo. A pesar de las advertencias de los médicos, siguió usando las mismas pinturas hasta su muerte, en 1962, por envenenamiento por plomo.
