La flor y el abanico. Retratos de damas mexicanas entre dos siglos.

En una sociedad predominantemente masculina, la mayor parte de los retratos virreinales fueron de hombres. La mujer empezó a tener una tímida presencia como donante de alguna imagen religiosa a fines del siglo XVII. Será hasta la segunda mitad del XVIII cuando comiencen a abundar los retratos femeninos: ya fuera de monjas o de mujeres que permanecieron al margen de los conventos. El hogar y el recogimiento fueron también espacios donde la acción de la mujer estaba reglamentada, como hija obediente, doncella honesta, monja devota, esposa o viuda respetable.Los retratos virreinales tenían la función de evidenciar los valores de la sociedad estamental, la forma más recomendable de transmitir ejemplos de conducta y reafirmar una colectividad. Como reflejo de estas circunstancias, el retrato femenino virreinal no buscaba ser espontáneo. Las poses eran rígidas, las actitudes conformes a la dignidad y al lugar social al que pertenecía la mujer. En ocasiones, eran realizados al fallecimiento de la retratada quien podía no posar nunca, por lo que se realizaban a partir de una descripción verbal.De la segunda mitad del siglo XVIII y hasta la primera del XIX, la sociedad mexicana se transformó de ser regida por una jerarquía estamental tutelada por la Iglesia y el Estado, a un México independiente donde los títulos nobiliarios y el sistema de castas quedaron abolidos. Sin embargo, y a pesar de los cambios estructurales, la pauta social para el comportamiento femenino mantuvo a las mujeres en el ámbito de lo privado.

Además de las correspondientes actitudes rígidas y contenidas, la representación de flores, pañuelos y abanicos en el retrato femenino simbolizaban cualidades como la virtud, la honestidad y el decoro.De acuerdo a la Iconología (1593) de Cesare Ripa, las flores son metáforas que aluden a la gracia y la belleza, especialmente las rosas como en el emblema de la afabilidad. En un sentido barroco, simbolizan la fugacidad de la vida, efímera alegoría de esperanza y juventud. En cuanto a las monjas coronadas, las palmas, coronas y velas floridas representan ideales de alegría mística, fe y pureza.Las telas, pañuelos y velos se relacionan a la virtud, modestia y mansedumbre, como parte de un juego simbólico que oculta y expone, que invita y rechaza al espectador. El objeto por excelencia de ese ritmo doble de apertura y cierre, de secreto y evidencia, será el abanico, que aparece en la mano de las damas solo o acompañado del pañuelo. El abanico, como metáfora del recato e imagen de la intimidad, no se mostrará abierto en el retrato cortesano, en concordancia con las reglas de rectitud y honestidad.A pesar de que estos elementos expresan simbólicamente la idealización del género femenino, difícilmente son reflejo fiel de su comportamiento en la realidad. Aún dentro de los límites y expectativas de una sociedad con fuerte predominio masculino, estos retratos de damas mexicanas nos revelan a sus protagonistas como mujeres de importante influencia en distintos ámbitos de la vida privada.

En el ámbito de la Academia de San Carlos, establecida en 1781 en la ciudad de México, se realizaron abundantes retratos que compusieron los lenguajes pictóricos de la Nueva España. Apareció entonces el retrato moderno, desprovisto de las cartelas o de los emblemas heráldicos que distinguían a las obras anteriores, y que destacaban la identidad del individuo frente a una sociedad fuertemente jerarquizada y corporativa.Sin embargo, después de la Independencia varios factores frenaron la producción artística y los pintores mexicanos continuaron su formación en el extranjero. Cuando los cuadros de Juan Cordero llegaban a la ciudad de México desde la Academia de san Lucas en Roma, el español Pelegrín Clavé fungía como titular de la cátedra de pintura. Tras la reorganización interna de la Academia bajo el gobierno de Antonio López de Santa Ana en 1843 y la primera exposición de trabajos de alumnos y profesores en 1850, pintores como Felipe Santiago Gutiérrez fueron reconocidos como importantes retratistas por un público más amplio.Independientemente del trabajo desarrollado por la Academia y su influencia, un arte con lenguajes más cercanos a los desarrollados en el Virreinato siguió presente en la práctica de muchos pintores regionales como fue el caso de Hermenegildo Bustos en Guanajuato, José María Estrada en Jalisco y Agustín Arrieta en Puebla. El retrato decimonónico, sobre todo el ejecutado fuera de la Academia, amplió el espectro de personas retratadas. Posteriormente, la fotografía acrecentó aún más el número de retratados y creó sus propias reglas.