Новый свет

Представленные здесь произведения художников русской диаспоры в США – супрематические композиции братьев Лазухиных, городские зарисовки С. Голлербаха, «гротески» И. Гарикова, портретные работы Е. Климова, живопись В. Гашуровой, Ю. Бобрицкого, А. Гороховца, В. Иляхинского, Г. Пендилл, В. Шаталова — позволяют увидеть, насколько многообразна была художественная жизнь «русской Америки» и одновременно знакомят с живописным собранием и музейной концепцией Дома русского зарубежья.

Бесспорно, рассказать в рамках одной выставки обо всех выходцах из России, в разное время связавших свою художническую судьбу с американским континентом, - задача невыполнимая. Поэтому организаторам хотелось, прежде всего, дать панорамный образ пестрого и противоречивого явления, каким была русская художественная эмиграция, назвать пока еще мало известные в России имена, показать, как на разных художественных языках, в несхожих образных системах ведется диалог между «родным» и «вселенским».

При значительном жанровом и стилистическом многообразии – от академической живописи до абстрактного геометрического рисунка, супрематистской композиции и постмодернистских «ассоциаций» – собранные на выставке работы объединены общностью судьбы. Созданные в среде художественной эмиграции они, стараниями самих художников, их ближайших родственников и частных дарителей, в последние годы вернулись в Россию и составили основу постоянно пополняемой коллекции Дома русского зарубежья.

Их авторы – главным образом «эмигранты второй волны», о которой в нынешней России известно гораздо меньше, чем о тех, кто покинул Россию сразу после революции, спасаясь от «красного террора» и идеологического диктата новой власти. В 40-50-е годы за границей оказались, главным образом, люди, пережившие оккупацию, плен, принудительные работы, нацистские лагеря, а после войны, чудом избежавшие насильственной репатриации и лагерей советских.

Годами, а порой десятилетиями обреченные на бездомность, люди «без места», без гражданства, «перемещенные лица» - displaced persons, DP стали, как писала Ханна Арендт, главными действующими лицами послевоенной европейской культуры.

Почти все художники, чьи работы представлены на выставке, - тоже из «дипийцев». Почти все после войны оказались в лагерях для перемещенных лиц, где соседствовали друг с другом советские военнопленные, угнанные в Германию на работы «остарбайтеры» и рассеянные по Европе бывшие подданные Российской империи.

“Положение примерно 1 миллиона Ди-Пи, находящихся еще в Германии, является проблемой послевоенной Европы. Надо иметь в виду, что большинство  Ди-Пи –   трудолюбивые и мыслящие люди…. Я был удивлен их способностью использовать свое положение для учения, работы и самоусовершенствования”. Из обращения Д. Седжо «Решите проблему Ди-Пи». Нью-Йорк, 1948.

Когда началась война, они были совсем молоды и теперь, пройдя «дантовы круги» военных и послевоенных скитаний, должны были отправиться «в страну неведомую», творчески принять все, что дарила им новая культура и обрести в ней собственный голос.

Встреча с Новым Светом, где с 1920-х годов складывалось самостоятельное культурное явление, известное как «русская Америка», открывала невиданные прежде возможности, и одновременно ставила перед трудным вопросом: как, осваивая новый художественный язык, новые образы и темы, сохранить цельность, связь со своим культурным истоком? Предельно убедительный ответ на него дает каждая из представленных на выставке работ.

Юрий Викторович Бобрицкий (1917 г.,  Люботин – 1998 г., Бронксвиль, США) – живописец, график, художник-декоратор и скульптор.

По окончании Харьковского художественного училища работал декоратором в местном оперном театре. Во время войны был депортирован в Германию, после освобождения попал в американскую оккупационную зону, с 1945 по 1949 г. провел в лагере для перемещенных  лиц в Австрии. В 1949 г. вместе с женой и дочерью переехал  в США и поселился в Нью-Йорке.

В начале 1950-х годов работал в нью-йоркской мастерской шелкографии «Хильда Ньюмэн Студио», где собралась группа осевших в США художников из России. Здесь он познакомился и подружился с Сергеем Голлербахом, работавшим в той же мастерской печатником.  В те же годы Юрий Бобрицкий  начал учиться в известной нью-йоркской художественной школе – Лиге студентов-художников, в  классе японского живописца  Ясуо Куниёси. В разное время пробовал себя в качестве скульптора и театрального художника, иллюстрировал книги.

Участник более чем 20 национальных художественных экспозиций.  Произведения художника были представлены на одиннадцати персональных выставках, проходивших в  США -- в нью-йоркском Музее Николая Рериха (1969), в Национальном клубе искусств (1976), в Публичной библиотеке г. Нью-Рошелл (1984) и в Публичной библиотеке г. Харрисон (1987), а также в Австрии и Германии.

Дважды – в 1965 и 1968 годах -- живопись и графика Ю.В.Бобрицкого удостаивалась серебряных медалей американского Национального  клуба искусств. В том же 1968 году его работы были отмечены золотой медалью ежегодной выставки в Национальной академии художеств (Нью-Йорк). Произведения художника хранятся в ведущих музеях США.

Иван Иванович Гариков (1918 г., Белая Глина – 26 апреля 1982 г., Филадельфия)

Родился в селе Белая Глина под Краснодаром,  в традиционной крестьянской семье.  В 1937 году, по окончании школы, Иван Гариков поступает в Ленинградскую Академию художеств им. И.Е. Репина. По окончании Академии работал театральным художником-декоратором.  Жил под Ленинградом.

Вскоре после начала войны оказался в плену, попал в лагерь уничтожения.  Годы спустя он рассказывал сыну о том, как выпрошенным у охранника куском угля нарисовал на стене барака лик Христа – и это, возможно, спасло ему жизнь: вскоре Гарикова отправили в трудовой лагерь в Креймсе (Австрия).  Весной 1945 года его вместе с другими узниками перевели в Маутхаузен, откуда их освободили американские союзнические войска. После войны поселился в Зальцбурге, где вернулся к живописи.

В 1951 году Иван Гариков переехал в США  и обосновался в Филадельфии.  Довольно скоро его работы привлекли внимание владельца одной из наиболее значительных американских выставочных площадок – филадельфийской галереи Ньюмэна. В 1954 году он становится членом Филадельфийской ассоциации художественных дарований, в последующие годы участвует во многочисленных национальных выставках, сотрудничает с галереей Ньюмэна. Его картины находятся в художественных галереях Вашингтона, Филадельфии, во многих частных собраниях.

В последние годы он жил уединенно, не допускал к себе никого, кроме сына, много болел и работал на износ.

Спасти его живопись от забвения удалось благодаря стараниям главы американского фонда Eurisko,  в июле 2004 года обнаружившего значительную часть произведений Ивана Гарикова в одном из складских помещений Флориды. Сто девяносто из более чем двухсот тридцати картин, написанных Гариковым в разные годы, в настоящее время принадлежат фонду Eurisko, часть работ хранится в коллекции его сына Арнольда.

Вероника Дмитриевна Гашурова (род. 18 апреля 1932 г. в Киеве) - дизайнер по текстилю, декоратор, живописец. В 1943 г. вместе с родителями оказалась на Западе. После войны несколько лет жила в лагере для перемещенных лиц в Шлейсгейме под Мюнхеном, в 1949 г. переехала в США.

В 1954 г. окончила в Нью-Йорке художественное отделение Института Пратт. Много лет работала в американской компании дизайнером по текстилю. В 1989 г. поступила в художественную школу при Нью-Йоркской Национальной академии искусств. Училась у С.Л. Голлербаха и считает его одним из своих наставников.





Несколько десятилетий В.Д. Гашурова разрабатывала рисунки для тканей, писала театральные декорации.

В 70-е годы стала пробовать себя в жанре поздравительной открытки.

В 1988 г. она создала для британского общества Помощи русским христианам открытки с православной символикой.

В 1992 г. пожертвовала рисунки для поздравительных открыток Детскому фонду ООН «Юнисеф». Позднее рисовала открытки для «Конгресса Русских Американцев», нью-йоркской «Метрополитен оперы» и галереи В. П. Третьякова в Санкт-Петербурге. В 2009 г. комплект из двенадцати открыток В.Д.Гашуровой был выпущен петербургским издательством «Сад искусств».

В 2003 г. В.Д. Гашурова передала три работы екатеринбургскому музею Храма на Крови, построенного на месте расстрела царской семьи.

Ее живописные полотна неоднократно выставлялись в престижных галереях Америки, в том числе, в Линкольн-центре Нью-Йорка и в Музее современного русского искусства (Нью-Джерси).

Некоторые работы вошли в собрание известного коллекционера Юрия Рябова, переданное им в музей Д.В. Циммерли при Рутгерском университете (Нью-Брунсвик, штат Нью-Джерси).

Анатолий Григорьевич Гороховец (1902, Харьков – 1980, Спринг-Валлей) – живописец, график, иллюстратор.



Участник гражданской войны  в рядах Красной армии. Окончил Харьковский художественный институт. Много лет работал как станковый живописец и книжный иллюстратор, в том числе детских книг. В 1936 г. принял участие в создании большой фрески в Каневе, посвященной Т. Шевченко. Фреска впоследствии была уничтожена.

Во время Второй мировой войны А.Г. Гороховец попал в Германию, откуда, как беженец, смог эмигрировать в США в 1951 г. В Америке занимался чистой живописью, в лучших традициях русского реализма. Каждое лето ездил в Массачусетс писать этюды. Бывал в Италии и Париже, писал гуаши в Венеции и Риме. Однако карьера его как художника в Америке сложилась не совсем удачно.

А.Г. Гороховец участвовал в нескольких групповых выставках Общества русских художников в Нью-Йорке. В 1982 г. в Нью-Йорке, в музее Рериха, состоялась посмертная выставка работ А.Г. Гороховца.

С.Л.  Голлербах назвал А.Г. Гороховца «пейзажистом в стиле русского импрессионизма».

Лазухин Михаил Сергеевич (1923 г., Краматорск – 2006 г., Филадельфия). До войны Михаил успел год проучиться в Ростовском художественном училище. Война застала семью Лазухиных в Краматорске. В ноябре 1941 г. город был оккупирован немецкими войсками, в 1943 братья Михаил и Виктор Лазухины были отправлены на принудительные работы в Германию. 



По окончании войны они оказались в Регенсбургском лагере для перемещённых лиц, где вскоре присоединились к созданной в лагере художественной студии. В 1950 г. при поддержке Толстовского фонда братья Лазухины переехали в США и поселились в Филадельфии. В США М. Лазухин закончил Филадельфийский художественный колледж, в 1972 г. — Школу искусств им. Тайлера и получил степень магистра.

Многие критики считают его последователем минимализма, возродившегося в американском искусстве на рубеже 1950-1960-х годов. 

Известный нью-йоркский искусствовед Вячеслав Завалишин назвал Михаила Лазухина посредником между русским и американским супрематизмом. Как считают исследователи, на него в значительной степени повлияли художественные открытия Куинджи, Рериха, Малевича, Матюшина, но, по словам самого художника, ему больше всего нравится «в искусстве…чувствовать себя первооткрывателем».

Композиции М.С. Лазухина хранятся в 80 публичных собраниях Америки и Европы, в том числе, в коллекциях Музея современного искусства США, Филадельфийского и Бостонского музеев искусств, Русского музея, Третьяковской галереи.

Творчество художника было представлено на более чем пятидесяти персональных выставках. Он участвовал в свыше ста национальных и международных экспозициях, состоял членом Мирового центра графики, американского Национального общества акварелистов и Американского общества цветной печати.

Однако сам М.С. Лазухин всегда осознавал себя частью русской культуры: «Я мечтаю утвердить себя именно в качестве русского художника, а не американского… Ибо все мои помыслы не здесь, а у «дальних берегов». Моя главная мечта (чуть ли не молитва!), чтобы Россия встала на ноги. Это для меня самое главное».

Виктор Сергеевич Лазухин (1927 г., Краматорск – 30 мая 2013, Филадельфия) В 1943 вместе с братом Михаилом был отправлен на принудительные работы в Германию. По окончании войны они оказались в Регенсбургском лагере для перемещённых лиц, в 1950 переехали в США и поселились в Филадельфии.

В США В.С. Лазухин закончил в 1958 году Пенсильванскую Академию изящных искусств и стал свободным художником. Вскоре поступил в университет Пенсильвании, в 1968 году получил диплом бакалавра искусств, через два года – магистерскую степень в университете Темпл. С 1970-го года преподавал основы композиции, позднее – графический и компьютерный дизайн.

Виктор Лазухин был членом Американской академии художеств, автором логотипа и членом Американского общества цветной печати.

Работы художника представлены в Национальной галерее искусств (Вашингтон), в музеях изобразительных искусств Филадельфии, Варшавы, Кракова, в Третьяковской галерее, в Русском музее и во многих других крупных музейных собраниях.

В США с успехом прошли пять персональных выставок В.С. Лазухина, он участник более тридцати международных и национальных экспозиционных показов. Тем не менее, главным в искусстве он считает не выставочный успех, а сам акт творения – «из ничего сделать вещь…», чтобы воплотить в ней собственную личность, «подарить себя другим».

Его абстрактные картины исполнены цветовой экспрессии и иносказательности. Супрематические композиции братьев Виктора и Михаила Лазухиных позволяют увидеть, насколько многообразна была художественная жизнь «Русской Америки».

Галина Семеновна Пендилл (урожд. Султан, в первом браке Клименко, 5 мая 1937 г., Рига  – 7 июля 2011, Тарритаун (Tarrytown), Нью-Йорк) – художник-иллюстратор, переводчик,  общественный деятель.

Родилась в Риге, где ее дед, по происхождению караим, владел двумя  табачными магазинами.  После смерти деда семью стал содержать младший из его трех сыновей, будущий отец Галины. Его не тронули в 1939-1941 годах, но он знал, что числится в списках НКВД, и всю семью рано или поздно депортируют в Сибирь. В 1944 году семья вынужденно перебралась в Германию, а пять лет спустя переехала в США.

От отца, очень выразительного портретиста, Галина Пендилл унаследовала художнический талант. В возрасте 17 лет она поступила  в одну из самых известных  художественных школ Америки – Институт Пратт в Нью-Йорке, закончила его с дипломом бакалавра изящных искусств.

В течение 20 лет работала художником-иллюстратором. Ее рисунки регулярно появлялись на страницах наиболее популярных американских газет и модных журналов. После того, как  рисованную иллюстрацию стала  вытеснять фотография, художнице пришлось сменить занятия. С 1974 года она – переводчик с русского на английский язык, а в  1990 г. вместе с мужем создала в США Русскую  переводческую службу.

В начале 90-х годов она возвращается к живописи, одновременно пробует себя в скульптуре. С 1999 по 2009 год берет уроки графики у известного испанского художника Луиса Ортеги. Произведения Галины Пендилл неоднократно экспонировались в известных выставочных залах,  в том числе, в нью-йоркском Институте Пратт, в   Уэстчестерском центре изобразительного искусства и галерее «Арсома» (Вашингтон DC). В течение 2010 года в США прошли три ее персональные выставки.

В 1999 г., после выхода на пенсию, супруги Галина и Грант Пендилл  на собственные средства начали программу помощи российским сиротам-инвалидам. В 2005 г. программа была расширена и преобразована в  благотворительный Фонд Пендилл. Он постоянно сотрудничал с российскими благотворительными фондам «Детские сердца»,  «Детские Домики», с «Форумом доноров», а также с другими негосударственными организациями, оказывающими финансовую помощь и социальную поддержку детям России.

Вячеслав Владимирович Иляхинский (17 февраля.1925, г. Таганрог, СССР – 30 марта 2002, Си-Клифф, Нью-Йорк, США) – художник-авангардист, график, реставратор.

У Вячеслава Иляхинского рано проявился талант рисовальщика – в июне 1939 г., в возрасте 14 лет он выслал свои работы на областную выставку «Юный художник» и стал ее дипломантом. Затем он принял участие в «Конкурсе рисунков о героической Красной армии», где ему была присуждена третья премия.

В 1940 г. уехал с родителями в Европу. Художественное образование получил в Германии в Штутгарде в Академии искусств. Затем жил в Швейцарии, Канаде. В 1947 г. стал гражданином США, где продолжил обучение в университете Лонг-Айленда.

Получив высшее образование, В.В. Иляхинский начал работать реставратором живописи. Это была не только престижная, но и хорошо оплачиваемая работа, позволившая художнику купить собственную мастерскую. В.В. Иляхинский стал крупным специалистом-реставратором и ему поручали ответственные работы. Позже В.В. Иляхинский стал заниматься предметной живописью, но постепенно перешел на абстрактную.

Творчество художника В.В. Иляхинского было высоко оценено в США: картины В.В. Иляхинского можно встретить во многих частных коллекциях, у знаменитых коллекционеров и в различных музеях США. Он являлся участником многих престижных выставок (как групповых, так и персональных) в Америке.

Будучи уже в зрелом возрасте, В.В. Иляхинский решил подарить часть своих картин родному Таганрогу. В 2006 г.по его завещанию 35 картин поступило в Таганрогский художественный музей. Вскоре ряд графических и живописных работ художника вдова В.В. Иляхинского передала в музей Дома русского зарубежья им. А. Солженицына в Москве.

Среди его работ много абстрактной живописи и акварелей, написанных по мотивам, навеянных путешествиями по США, Канаде и России. Картины, выполненные в различной манере, хорошо передают внутренний мир и талант художника. Во многих картинах В.В. Иляхинского можно проследить лучшие традиции русского авангарда.

Евгений Евгеньевич Климов (8 мая 1901 г., Митава, Курляндская губерния, Россия — 29 декабря 1990 г., по дороге из Канады в CША) – живописец, график, иконописец, реставратор, историк искусства, педагог.

Родился в прибалтийском городе Митавa (ныне Латвия). Художественное дарование открылось у Евгения Климова в отрочестве, в годы учебы в одной из петербургских гимназий. Однако полностью пройти гимназический курс ему не удалось – спасаясь от новой власти, семья бежала на юг, и он закончил школу в 1918 году в Новочеркасске. Год проучился в Донском Политехникуме, с началом Гражданской войны оставил занятия, был вольноопределяющимся на морской службе, в Севастополе чудом уцелел после того, как Крым был взят большевиками.

В 1921 году как уроженец независимой к тому времени Латвии вернулся в Ригу, где поступил в Латвийскую академию художеств. В 1928 году участвовал в экспедиции по Печорскому краю, и с тех пор псковская архитектура и иконопись станут сквозными темами его творчества.

Вышедший в 1937 году альбом литографий Климова “По Печорскому краю” стал одним из событий в культурной жизни русской эмиграции.



В 1940 г. Евгений Климов был назначен заведующим отделом русской истории Рижского городского музея. В 1942 г. в составе Русской духовной миссии посетил Псков и задумал написать икону Троицы для надвратной ниши Детинца при подходе к Троицкому собору. После Второй мировой войны эта икона в одной из мастерских Германии была переведена в мозаику, которая в настоящее время находится во Пскове.

В 1944 году Е. Е. Климова пригласил на должность реставратора икон пражский Археологический институт им. Н.П. Кондакова. Когда в Прагу вошли советские войска, он вместе с семьей перебрался в американскую оккупационную зону.

В 1949 г. переселился в Канаду и обосновался в провинции Квебек. В эмиграции Евгений Климов давал уроки живописи и рисунка, преподавал русский язык, вел летние курсы по истории русского искусства, читал лекции во многих городах Канады и США, писал для эмигрантской прессы.

Его главным искусствоведческим трудом стала вышедшая в 1974 году книга «Русские художники», а одной из наиболее значимых для него живописных работ эмигрантского периода – портрет А.И. Солженицына, написанный 3 мая 1975 года с натуры в Монреале.  В настоящее время эта работа хранится в музейном собрании Дома русского зарубежья им. А.И.Солженицына.

Евгений Климов активно участвовал в выставках русского искусства, проходивших в крупных городах Европы и Америки. Его живопись была представлена на 20 персональных выставках, в разные годы организованных в Канаде, США и Германии. В 1990 году состоялась его персональная выставка в Риге, а годом ранее Евгений Климов передал часть своего творческого наследия в Россию.

29 декабря 1990 г. художник трагически погиб в автомобильной аварии по дороге из Монреаля в Покипси (CША). В настоящее время его иконописные работы можно увидеть в храмах Риги, Пскова, Праги, Лос-Анджелеса, Монреаля, Оттавы, Торонто. Живопись и иконография Евгения Климова находится в многочисленных частных коллекциях, в музеях Риги, Квебека, Монреаля, а также в Русском музее и в Музее изобразительных искусств имени Пушкина.

В архивном собрании Дома русского зарубежья сформирован фонд Е.Е. Климова, где хранятся письма многих деятелей культуры русского зарубежья.



Серебрякова Зинаида Евгеньевна (урожд. Лансере) (10.12.1884, имение Нескучное Курской губ., Россия – 19.09.1967, Париж, Франция), российский художник, участница объединения «Мир искусства», продолжатель традиций живописи «серебряного века». С 1924 в эмиграции.

Встреча не состоялась: 19 сентября З.Е.Серебрякова умерла, похоронена на русском кладбище Сент-Женевьев-де-Буа.

Сергей Львович Голлербах (род. 1 ноября 1923 г. в Царском Селе) -  живописец, график, художественный критик и литератор.

В 1935 г. родители С.Л. Голлербаха были сосланы в Воронеж, где он начал брать уроки рисования в изостудии местного Дома пионеров.  В 1938 г. семья вернулась домой. В январе 1941 г. Сергей Голлербах поступил в ленинградскую среднюю художественную школу, однако проучился всего пять месяцев — началась война.

В 1942 году  он  был вывезен из оккупированного пригорода Ленинграда на работы в Германию, в 1945 г. оказался в американской оккупационной зоне. С 1946 по 1949 год  учился в мюнхенской Академии художеств.

В 1949 г. С.Л. Голлербах переехал в США и продолжил образование в нью-йоркской школе Лиги художников-студентов (Art Students League). В Америке работал графиком, иллюстратором, оформил обложки многих вышедших в эмиграции русских  книг и журналов.

С.Л. Голлербах состоит членом редакционной коллегии выходящего в Нью-Йорке «Нового журнала», он автор большого числа книг и статей в зарубежной и российской периодике.

С.Л. Голлербах -- действительный член американской Национальной Академии художеств, почетный президент Американского общества акварелистов, член нескольких художественных объединений. Преподавал живопись в  художественной школе при Нью-Йоркской Национальной академии искусств.

С.Л. Голлербах удостоен наград многих академий и творческих союзов, в том числе, золотой медали Американского общества акварелистов. Его живопись и графика представлены в американских, европейских, российских коллекциях и музеях, в том числе в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музее Российской академии художеств, Воронежском и Нижегородском художественных музеях, а также в Доме русского зарубежья им. А. Солженицына.

О творческом мироощущении С.Л.Голлербаха очень точно  свидетельствует сказанное им на открытии персональной выставки, которую  Библиотека-фонд «Русское Зарубежье» проводил в ноябре 2006 года: «В США считают меня американским художником, родившимся в России. В России называют русским художником, живущим в Америке. Но я считаю себя русским, который учился в Европе, но живет в Америке».

Владимир Михайлович Шаталов (20 июля 1917, Белгород – 23 мая 2002, Филадельфия) – живописец, авангардист, поэт.

Потомственный дворянин, сын белогвардейского офицера. Учился живописи в Днепропетровском художественном училище, в Государственном  институте изящных искусств Кракова и в Государственном Киевском художественных институте. В годы Второй мировой войны попал в Австрию, затем был отправлен в Германию (1943), где оказался в лагере для перемещенных лиц.

С 1951 г. жил в Филадельфии.

С первых дней пребывания в США В.М. Шаталов вместе с С.Л. Голлербахом принимают активное участие в создании и деятельности  «Общества русских художников».

Среди наиболее значительных работ В. Шаталова - галерея трагических изображений Н.В. Гоголя. «Володя, - писал С.Л. Голлербах, - изобразил не Гоголя “Вечеров на хуторе близ Диканьки”, не Гоголя “Миргорода”; это, может быть, Гоголь сожженной второй части “Мертвых душ”, полный сомнений, страдающий, испытывающий чувство вины».

Владимир Шаталов известен и как поэт. В содружестве с В.А. Синкевич он был одним из основателей и членом редакционной коллегии литературно-художественного альманаха «Встречи» (первоначально «Перекрестки»), объединявшего поэтов и художников различных волн российской эмиграции. В. Шаталов был одним из соавторов антологий поэзии русского зарубежья.

В.М. Шаталов был членом Американской национальной академии дизайна (ныне Национальной академии), которая насчитывает всего 450 человек, членом Российской Академической группы.

Участвовал в более чем полутора сотнях групповых и индивидуальных выставок и имел около ста наград, включая несколько золотых медалей. Работы В.М. Шаталова представлены во многих музеях, включая Музей изящных искусств в Сан-Диего, (шт. Калифорния), Вудмир-музей в Филадельфии (шт. Пенсильвания), в Национальной академии рисунка в Нью-Йорке, а в последние годы и России.

С.Л. Голлербах так охарактеризовал творческую манеру Шаталова: он «взял многое от кубизма и американской живописи цветовых плоскостей, но вдохнул в этот западный “формализм” русскую душевность». Поэтому наследие В.М. Шаталова очень разнообразно: это и живопись, опирающаяся на классическую русскую традицию, и произведения, вобравшие в себя западные символы и колориты.

Выставка «Новый свет. Американские художники российского происхождения» проходила в Доме русского Зарубежья им. А. Солженицына с 6 декабря 2010 г. по 30 января  2011 г. и была приурочена к 15-летию Дома. На открытии выставки присутствовали Вероника Гашурова и Сергей Голлербах, чьи работы представлены в экспозиции.