Thomas Schütte

Nommé d’après l’expression allemande désignant l’État, équivalent en français de « mère patrie », Vater Staat est un homme âgé immense, mais maigre, impuissant. Bien que dépossédé de sa capacité d’agir car sans bras et sans attributs de pouvoir, l’expression sévère de son visage suffit à affirmer son autorité. Lorsqu’on l’interroge sur sa conception de l’État, Schütte répond en citant Günter Eich qui écrit en 1968 : « Ce que je trouve le plus dégoûtant au monde, ce sont mes parents. Partout où je vais, ils me suivent (...). Dès que j’ai trouvé une chaise, la porte s’ouvre, et l’un des deux regarde à l’intérieur, État Père ou Mère Nature ». Par une autre pirouette, à la demande d’explication sur l’absence de bras, il invoque avec malice le manque de temps pour réaliser cette œuvre, pourtant monumentale.

Produite à l’occasion de l’exposition, cette sculpture s’inscrit dans une nouvelle et étonnante série de « fontaines » qui décline un bestiaire fantastique, renouant ainsi avec une veine peu connue de la sculpture extérieure de la Renaissance. Schütte dit s’être inspiré de figurines en pâte à modeler réalisées pour ses enfants. L’univers naïf de ces modelages bascule dans un univers fantastique une fois érigés à échelle monumentale. Nous sommes bien en peine de savoir si cette créature, à la fois terrestre et marine, appartient à un registre naturel ou surnaturel et, en quelque sorte, de comprendre ou justifier sa présence insolite. Le grotesque et l’absurde cohabitent avec le tragique et le solennel dans l’œuvre de l’artiste.

Dans le prolongement des Ceramic Sketches où Schütte explorait le nu féminin, l’artiste commence en 1999 cette série de femmes allongées, assises, courbées ou agenouillées sur une table. Chacune d’elle possède un numéro et est en aluminium, acier ou bronze. Arrivé à la femme numéro 15, l’artiste déclare commencer à être lassé, mais « certaines choses ont simplement besoin d’être faites ». Il achève la série avec la numéro 18, deux ans plus tard. Tantôt sereines et lascives, tantôt mutilées et tordues, chacune d’elles se mesure aux épaisseurs de l’histoire de l’art, rappelant pour certaines Maillol, pour d’autres Picasso.

Montrée pour la première fois à la Galerie Nelson (Lyon) en 1988, cette « pièce » en trois actes place l’artiste Mohr au cœur de l’intrigue : on y voit l’artiste peignant des paysages de nuages en observant un étendoir où sèchent des chaussettes, le marchand d’art vendant, semble-t-il, une vieille veste à un collectionneur et l’artiste sculpteur scrutant ou admirant sa propre création. Sommairement esquissées en pâte à modeler, vêtues de chutes des habits personnels de Schütte, les marionnettes prennent place dans un décor ébauché à partir d’objets trouvés. Ces saynètes au caractère autobiographique sont la parabole des mécanismes du monde de l’art où l’artiste est dépeint comme un paria.

Schütte représente des fleurs depuis 1994, un sujet dont il s’étonne que si peu d’artistes l’abordent aujourd’hui car pour lui les « fleurs sont gratifiantes, parce qu’elles racontent toujours quelque chose ». Comme c’est souvent le cas dans le genre de la nature morte, les fleurs rappellent la fugacité de l’existence et font basculer ces aquarelles du réalisme au symbolisme. Placées à côté de sculptures, elles en sont comme des commentaires. Ainsi, l’artiste associe les fleurs coupées à ce masque funéraire gisant sur une couverture. Renouant avec la tradition d’immortaliser le visage d’un défunt, la mâchoire maintenue fermée par une bande de gaze, Schütte tente de « conjurer par le grotesque l’effroi qu’inspire la mort » comme l’exprime Dieter Schwarz dans le catalogue de l’exposition.

Dreiakter emprunte au théâtre l’idée du décor et de ses toiles de fond devant lesquelles se déroulent les actions. On y perçoit les symboles du pouvoir et du progrès ; des figurines s’organisent autour d’un bureau, d’une tribune et d’une barrière. Cette installation est singulière dans l’œuvre de Schütte, tout en synthétisant très tôt, dès 1982, des préoccupations auxquelles l’artiste ne cesse de revenir : la place des « regardeurs » de monuments fictifs ou réels, qu’il s’agisse des figures ou de nous, visiteurs de ses expositions ; la manière dont ses œuvres créent un décor tantôt autonome, tantôt dépendant de l’espace dans lequel il se trouve.

« La mort est une idée qui vous éloigne de toute absurdité. Ce qui est vraiment intéressant, c’est le choc que génère le sentiment d’être mortel, quand il se manifeste. » Ce choc, l’artiste semble l’éprouver tôt puisqu’il réalise une maquette de sa propre tombe, en 1981, à 27 ans, sur laquelle il inscrit une date de mort : le 25 mars 1996. Heureusement non prophétique, cette oeuvre inaugure une préoccupation constante de l’artiste pour la mort et l’altérité. Il revient à des motifs classiques de la peinture et de la sculpture, parfois très anciens : la fleur fanée, le masque mortuaire, l’urne funéraire, le mausolée, la tombe.

L’artiste-architecte qu’est Thomas Schütte pousse sa réflexion sur le volume et l’espace jusqu’à décider de construire un lieu : une fondation dédiée à la sculpture qui atteste du renouveau de ce medium. L’artiste n’y montre son travail que par intermittence, entre deux expositions de sculpteurs qu’il admire ; le bâtiment est aussi dédié à ses archives et peut recevoir des chercheurs. Érigé aux environs de Neuss, l’édifice résulte d’un assemblage simple, une chips posée sur une boîte d’allumettes. De cette idée ont découlé des maquettes et dessins précis, réalisés en étroite collaboration avec les architectes Lars Klatte et Heinrich Heinemann. Construction la plus ambitieuse de toutes ses réalisations, elle sera complétée par une seconde aile, comportant un appartement à l’étage et un espace de stockage pour ses oeuvres au sous-sol.