La Pampa, México y El Caribe

Hacia finales de la década de 1960, Pérez Celis ya ha definido los lineamientos generales de su  poética y ha delimitado un horizonte de imágenes y de formas que lo impulsan en el camino de la creación. Sus viajes por la América Latina, y luego por La Pampa , lo guían hacia una exploración del espacio y los símbolos vernáculos que diferencian su búsqueda estética de la de cualquier otro artista de su generación. Su trabajo ya se ha ganado el calificativo de americanista y es ampliamente reconocido, tanto en nuestro país como en el resto del mundo. Los sucesivos premios y las participaciones en bienales y otras exposiciones internacionales jalonan su carrera cuando apenas se aproxima a los 30 años de edad. No obstante, y atento a los tiempos que corren, sus obras dan cuenta de los profundos cambios que bullen a su alrededor. El advenimiento de los mass-media con su carga de imágenes vibrantes, el desarrollo del pop-art, la propagación tecnológica, la carrera espacial y su correlato en el cine de ciencia ficción, el movimiento hippie y su exigencia de una libertad radical, y los conflictos sociales y políticos en torno a la Guerra de Vietnam, dejan su marca indeleble en la vida y la sensibilidad de los habitantes de este momento histórico tan singular, y en alguna medida, se infiltran también en la irrefrenable producción del artista argentino.

Frente a este contexto, Pérez Celis se posiciona con una actitud optimista. Así lo declara en una entrevista al diario Crónica sobre su viaje a los Estados Unidos en 1967: "El mismo día de mi llegada vi la marcha de los hippies hacia el Pentágono. Me impactó profundamente la demostración de esa juventud que se deja crecer el pelo, que vive sucia e intencionalmente abandonada, pero que también es carne de cañón para guerras estériles. Pregonaban la paz a su manera, es decir, iniciando una campaña sobre el amor… Allí comprendí que mi pintura tiene, como una de sus finalidades, dialogar con la gente joven. Quiero mostrar las facetas positivas del mundo, que dicho sea de paso, ha mejorado mucho pese a sus problemas" (I). Este optimismo se va haciendo carne en un cromatismo exaltado que crece a medida que finaliza la década de 1960 y comienza la siguiente. El reemplazo de la pintura al óleo por el acrílico produce superficies cada vez más lisas, y otorga a las figuras un estatuto plano y sintético, de reminiscencias gráficas, con un acabado que disimula las marcas gestuales. Manos al sol (1967) o Alas al tiempo (1967), conservan las formas sígnicas de las culturas originarias de América del Sur, pero se aproximan cromática y estilísticamente al esquematismo propulsado por los artistas pop.

"Cada período en la historia del arte – asegura el artista – lleva consigo una muerte de lo anterior. Pero es una muerte que conduce hacia una renovación. En mi caso, me di cuenta que instintivamente empezaba a estar más conectado con la gráfica: por la pigmentación, por la manera de encarar la obra, que era un poco también la influencia del pop y de esas otras cosas que iban apareciendo" (II)

Este contacto con la gráfica no es forzado ya que Pérez Celis había trabajado como diseñador, y en estos años, realiza también murales y tapices. A través de éstos establece un vínculo con las artes populares y la vida cotidiana, que hace que su aproximación al pop no resulte de la adopción acrítica de una estética foránea, sino más bien, de una relación genuina con su entorno vital.

Alas al tiempo

De hecho, sería erróneo considerar la obra de Pérez Celis de este período como pop. El pop es básicamente urbano y metropolitano, mientras el trabajo de Celis extrae sus fuentes de los asentamientos indígenas y de La Pampa. El pop identifica lo popular con los valores de la sociedad de consumo, mientras el trabajo de Celis lo encuentra en las formas y los productos de las comunidades originarias de nuestro suelo. El pop es plano y superficial, mientras el trabajo de Celis apunta a la profundidad y el espíritu. En todo caso, si algo de esa corriente artística atrae al nuestro autor, sea probablemente su libertad absoluta a la hora de la creación (ya que el pop no entiende al arte como el resultado de una evolución estilística), sus innovaciones estéticas (el cromatismo exaltado, la rapidez de la pintura al acrílico, las reminiscencias gráficas, etc.) y la apertura hacia la exploración de las posibilidades de la consciencia (que se percibe en la vertiente ligada a la cultura psicodélica).

Los colores acrílicos en los años 60 representaban un nuevo medio, reflejaban la intromisión de una novedad en la pintura tradicional. Pérez Celis los trae del primer viaje a Washington.
En un interview  en México, en 1974, después de años de uso de pintura acrílica  interrogado porque usaba acrílicos  Perez Celis explicaba:
“La pintura acrílica nos da un poco el color de nuestra época, porque muestra nuestra visión del color que, evidentemente ha cambiado. No nos olvidemos que, por intermedio de las luces de neón, el cine tecnicolor, incluso nuestras ropa , vemos que la apreciación del color es diferente. Pienso entonces que justamente el acrílico nos da esa nueva visión. Posiblemente, este tipo de color, si lo hubiese realizado hace treinta años atrás, nos hubiera chocado mucho más. Además  la pintura acrílica permite una mayor rapidez en cuanto a la elaboración y hasta en eso coincide más con nuestra época.  Es sabido que el arte actual llega a mayor cantidad de gente, hay mayor distribución, mientras que antes la pintura pertenecía  posiblemente a muy pocas personas. Un pintor  entonces podría estar a lo mejor, 15 años pintando un cuadro, mientras que ahora se hacen más de 15 cuadros por año”.

Sin embargo, Celis encuentra esa espacialidad cósmica en un lugar mucho más próximo: en las interminables extensiones de las llanuras pampeanas. En sus propias palabras: "Intento expresar la gran fuerza telúrica que irradia esa región de nuestro país. La pampa es el mejor punto de partida para enunciar lo americano. De algún modo la Argentina ya está – a través de la infinitud pampeana – en el espacio de que hablan los cosmonautas"(IV)

Este espacio está lejos de la tradición del paisaje; casi podríamos decir que se ubica en sus antípodas. Porque Pérez Celis no busca reproducir las apariencias de los campos elementales sino sus efectos emocionales y simbólicos. Así, los horizontes se tornan protagónicos y las vertiginosas perspectivas provocan respuestas sensoriales potentes. El crítico venezolano Roberto Guevara describe los trabajos de este período con los siguientes términos: "Su obra es una alucinante versión de estrados, paisajes fosforescentes, extrañas síntesis de formas primordiales, que lejos de constituir, en su conjunto, una composición abstracta, resultan en definitiva telas que desbordan de incandescencia cromática, de poéticas visiones que recuerdan más el instinto que la geometría" (V).

"Mi simbología y signografía han madurado, evolucionado. Ya no se circunscriben a los elementos primitivos de remotas civilizaciones, sino que gana el terreno de lo nuevo, lo poco conocido, lo espacial. Lo cósmico".(VI)

Los títulos adquieren un carácter evocativo cada vez más evidente. Paisaje y resurrección (1971), Anticipación (1972), Oráculo del sol (1973), Viaje imaginario (1974), Alturas secretas (1975), llaman la atención sobre la íntima relación entre el espacio y sus proyecciones espirituales. Las referencias americanistas se van diluyendo en configuraciones de planos, líneas y colores que impactan directamente sobre la percepción, mediante estructuras rítmicas poderosas y efectos cromáticos vibrantes.

El cuadro que según su manifestación tardó más tiempo en pintar, teniendo la premonición que su vida estaba por cambiar. En la ruta a Rosario tuvo un accidente de coche, falleció su esposa Sara y él queda entubado varios meses. Sobre el caparazón de la tortuga había pintado el cuerpo destrozado de una mujer.

"La espiral que surge del corazón representa al Hombre que se repliega sobre sí mismo, vuelve sobre su propio centro, proyecta sus emociones sobre el núcleo más íntimo de su ser con deseos de abrir su cárcel de su encierro material y ganar su libertad interior y su derecho de participar plenamente en la vida del Universo". Guillermo Nazar

Retrato de Osvaldo Giesso

La idea de lo sagrado se vuelve cada vez
más importante, pero sin remisión alguna a una doctrina religiosa o espiritual
específica. Más bien, pareciera haber una búsqueda de lo sagrado encarnada en
la propia materia plástica. Hay, entonces, una vuelta a las superficies
texturadas y a un claroscuro que sugiere espacios ocultos o secretos. De lo material a lo espiritual (1977), Mitología sagrada (1977), En las cosas sagradas (1978), son
algunas de las obras que marcan este nuevo rumbo que coincide con su traslado a
Venezuela, ciudad en la que establece su residencia momentánea.

Desde
que vive en Venezuela – señala Roberto Montero Castro – su pintura ha
experimentado varios cambios. Su gama de colores se ha aclarado, tiene
primarios más luminosos, y sus tierras son más cálidos. En cuanto a la
estructura de la imagen, Pérez Celis está trabajando sobre planos
superpuestos espacialmente hacia adelante. Ahora hay una disposición
diagonal predominante para sus formas geométricas, compensada por
verticales.

“Hay tres
Américas. La euro (Argentina, Chile, Uruguay) la indo (México, Bolivia, Perú) y la afro (el Caribe) pero hay Venezuela, donde todo ello está representado… "Si: pinto con acrílico,
porque es más duradero y menos cambiable. Venezuela, después de un viaje a
Ciudad Bolívar, me ha hecho pintar con tierras ocres, grises, hago pintura con
menos color que antes de gamas menos calientes; es una evolución que debo a Venezuela
“. Pérez Celis interview en Nuevos Horizontes /Fígaro. Caracas 22 de Julio 1978

Como paisajista  que es Pérez asume la verticalidad que lo
rodea  del mismo modo que antes nos hacía
participe de los horizontes pampeanos que recorría. Valida referencia, el
entorno físico seria pobre explicación para indagar las claves integrales de su
arte actual.

Es toda
Venezuela la que se le ha metido en la piel como corresponde al espíritu sensible por antonomasia que es
el espíritu del artista. Diario Horizonte Cultural. Caracas posible 1978.