Katharsis! Imágenes de la lucha libre en México, 1940-2007

Instalada en el gusto popular desde los años treinta del siglo pasado, la lucha libre ha sido para los mexicanos algo más que una afición deportiva. Los modernos representantes de un oficio en que resuenan las antiguas batallas de gladiadores romanos y guerreros aztecas, contando con la inapreciable colaboración de públicos que no se resignaron a la condición de espectadores, convirtieron las arenas de lucha libre en escenarios de una teatralidad compleja y desaforada. 

En los carteles y programas de lucha libre nunca deja de estar presente, abreviada o de manera implícita, la palabra versus, término de raíz latina que no sólo en ese espectáculo deportivo señala la confrontación entre dos bandos. Algunos estudiosos de las etimologías califican de barbarismo esa derivación de un vocablo que en su origen implicaba la acción de movimiento o desplazamiento –verso: ir hacia–, y adjudican a los ingleses su puesta en circulación.

Entre los tantos simulacros de guerra que se disputan el tiempo libre de los mexicanos, no hay versus con mayor versatilidad, colorido y fuerza alegórica como el que se plantea y resuelve, sólo para volverse a proponer en infinitas combinatorias, escenario luchístico. Sobre el cuadrilátero y sus alrededores no sólo se trenzan los cuerpos de fieros combatientes; se enfrentan asimismo los símbolos, personajes y potestades que éstos representan. 

Los amagos, llaves, golpeteos, desplantes, acrobacias, vuelos y caídas de los gladiadores son el abecedario de la lucha libre como lenguaje corporal. Los reporteros gráficos que han hecho la crónica periodística de los sucesos del ring aprendieron a descifrar y prever las evoluciones de esa danza.   

Como las obras que interpretan actores, bailarines y artistas circenses, las que representan los luchadores son efímeras e irrepetibles. Sólo a través de imágenes como las capturadas por fotógrafos tan diestros y entrenados como Rosalío Vera, cronista oficial de las funciones que en la actualidad se celebran en la Arena México, es posible apreciar esos momentos en que los atletas se convierten en Ícaros.

Al tiempo que la lucha libre mexicana se consolidaba como espectáculo, entre los años treinta y cincuenta del siglo pasado, los avatares de los gladiadores se convirtieron en materia de trabajo de publicaciones especializadas. Tal proceso fue semejante al que vivieron otras disciplinas deportivas, cuyos aficionados se convirtieron en rutinarios consumidores de imágenes, noticias, crónicas y trivia relacionadas con el acontecer de partidos y campeonatos. 

Saben muy bien los gladiadores que sin esas imágenes, base de otras réplicas, silueteos y montajes, no es posible el desdoblamiento que los convierte en figuras mitológicas.            

Deudora y beneficiaria de ese gusto colectivo por los ocultamientos y los desdoblamientos, la lucha libre mexicana ha hecho de la máscara una de sus más vistosas formas de expresión. Los conocedores aún discuten sobre la genealogía de los luchadores enmascarados. Ubican en Nueva York, en el año de 1933, a los primeros gladiadores que subieron al ring con los rostros ocultos: Jim Atts y Masked Marvel.  

De los viejos días en que El Murciélago Velázquez aterrorizaba al público con el revoloteo de los quirópteros que acompañaban sus presentaciones, a los tiempos presentes en que Místico puede ser visto lo mismo en el ring que en las telenovelas,  las máscaras que han dado vida a la lucha libre mexicana componen un relato que puede ser leído a diferentes niveles.

Al igual que sus colegas varones, las luchadoras fueron fotografiadas por los retratistas y reporteros que surtían de material gráfico a las revistas especializadas. El fotógrafo de origen alemán Hans Gutmann –que se rebautizó como Juan Guzmán–,  corresponsal de las revistas Life y Time en México, cubrió las presentaciones que destacadas luchadoras estadounidenses –entre ellas Mildred Burke–, tuvieron en la Ciudad de México. 

Cuarenta años después Lourdes Grobet retrató a La Briosa en su doble condición de madre y luchadora. Esas y otras imágenes de la lucha femenil deben ser vistas no sólo como documentos relacionados con la evolución de un espectáculo deportivo. Son aún más importantes si se les aprecia como testimonios de las acciones afirmativas y transgresoras de una feminidad que decidió no sujetarse a los cartabones tradicionales.

En el olimpo mexicano de la segunda mitad del siglo XX, hay un lugar reservado para los resplandores de una máscara plateada. Pocos héroes civiles o militares, deportistas, estrellas de cine y demás personalidades de merecido renombre, alcanzaron las alturas mitológicas del luchador que combatió bajo la protección de aquella capucha y con un nombre de explícitas referencias religiosas­: Santo, El Enmascarado de Plata.

Ya retirado de la lucha libre, Santo se dedicó a realizar actos de escapismo. La noticia de su muerte, sucedida el 5 de febrero de 1984, conmocionó a los mexicanos que habían visto en la máscara plateada el emblema de un deidad tutelar. Uno de los vástagos de Rodolfo Guzmán, El Hijo de El Santo, ha seguido los pasos de El Enmascarado de Plata en los mundos reales y ficticios en que transcurren las aventuras de la lucha libre.

A causa de la proximidad, casi familiar, que hay entre ídolos y aficionados, una parte del espectáculo luchístico sucede entre las butacas y las galerías. Al lucimiento de las luchas colaboran todos los asistentes a la arena: el vendedor de memorabilia,  el niño que porta la máscara de su luchador favorito, la señora que no se cansa de prodigar insultos, los fotógrafos que rondan el cuadrilátero.         

“A El Santo yo lo admiraba mucho. Yo, Chilicas, quería ser El Santo. Hacía ademanes como él, me paraba como él. Un día fui y le dije: <<Mire Santo como lo admiro, mire como pongo las manos como usted, mire como me paro como usted>>.  Poco a poco me lo fui ganando. Él me dio una cámara, y me dijo: <<Mire Chilicas le regalo una cámara de categoría, una Retinette modelo 1>>. Yo me hice fotógrafo por El Santo.”