Galeria Arte Religioso

El Arte ha estado ligado desde sus orígenes a la religión, tomando en consideración que el Arte Religioso, es una denominación utilizada para todas aquellas producciones artísticas que tienen como fin un culto a lo sagrado o divino, éste tiene sus orígenes en la consolidación de la fe y cruza la historia del arte desde la época pre-romántica hasta el neoclasicismo en el siglo XIX. Durante el trayecto de los siglos se ha reconocido la fe, por lo que podemos apreciar que el Arte Religioso, intenta determinar cada pasaje y aspectos divinos por medio de la pintura, mosaicos y esculturas. Las representaciones más frecuentes en el cristianismo nos muestran la Anunciación, la Natividad, el Bautismo, el Juicio, la Crucifixión, Muerte y Resurrección, así como de santos y profetas, ya sea en solitario o representando escenas inspiradas en textos sagrados. Como podemos apreciar en las imágenes plasmadas en esta Galería de Arte, la religión ya estado presente en todos los tiempos e impregnado la historia en cuanto al Arte se refiere, siendo ésta una gran fuente de inspiración.

Trabajando en Florencia junto a Leonardo Da Vinci, Rafael y Miguel Ángel, en los primeros años del siglo 16, Fray Bartolomé vió a las obras más líricas y armónicas de estos artistas en el desarrollo de su propio estilo íntimo.
La pintura es una increíble Piedad *** San Juan Evangelista y la Magdalena. El retablo, todavía en su marco original de madera tallada, es de la antigua capilla del Palacio Episcopal de Colle di Val d'Elsa y muestra el escudo de armas de su comisario, Usimbardo Usimbardi, el primer obispo de la ciudad, que ocupó el cargo desde 1592 hasta 1612.The pintura refleja la entonación dulce veneciana y una atención especial en la expresión de estados de ánimo en movimiento.
Dos grandes tondos que representan la Anunciación fueron pintadas por una comisión de la Municipalidad, *** el fin de embellecer la "Sala dell'Udienza" (Sala de Audiencia), como un re***ocimiento de la ciudad de las noticias del Renacimiento de Florencia. María, envuelta en ropajes Botticellian, va humildemente bajo el peso del a***tecimiento milagroso que ella es la protagonista de, mientras que en el fondo una visión de paisaje delata influencias flamencas. Los marcos tallados y pintados son, probablemente, por Antonio y Bartolomeo da Colle.
A las obras maestras de la malograda Cabezalero Juan Martín. El cuadro representa un pasaje de "Historia y admirable vida del glorioso Padre San Pedro de Alcántara", escrito en 1669 por Fray Antonio de la Huerta. En la crónica relacionar la aparición de San Antonio de Padua y San Francisco de Asís, diácono y subdiácono, en la masa celebran por San Pedro de Alcántara en el momento de administrar la comunión a Santa Teresa.
La cifra asombrosa de Cristo se refleja en el momento de su último aliento. El rostro - no será falseada en el dolor, pero casi sereno en surrending a la muerte - muestra toda la humanidad doliente, mientras que la ejecución magistral del escultor es exaltado en la hormiga modelado refinado la representación anatómica cuidadosa de la función. Estos elementos, a fin de obtener la naturalidad y la adhesión a la realidad, recuerdan el arte gótico tardío de Gentile da Fabriano. Probablemente, la capa de pintura se debe a Taddeo di Bartolo.
La pintura formaba parte de un conjunto dado cuenta por el Orador de la Santa Cruz en Asciano, y luego se trasladó a principios del siglo XVIII a la del Santo Clavo. La obra nos muestra la intención del artista en ofrecer una interpretación apasionada y expresiva de las figuras intensamente sin someterse a los convencionalismos, como el lánguido Agatha San abrazando la cruz de una manera casi voluptuos, envuelto en su túnica cortesana elegante de. Tenga en cuenta, en el fondo, el bit de la ciudad y el jinete rendido por Mei con el gran estilo de un ilustrador, recordando ejemplos de Callot.
Este es un ejemplo raro y muy fino de pinturas sagradas Giovanni Paolo Panini. El artista fue reconocido en realidad principalmente por sus temas profanos, pintado después se estableció en Roma en 1711: lienzos monumentales que representan fiestas, visitas de las ruinas y el interior de las galerías de arte de los coleccionistas más importantes de la época.
El Maestro de El Parral San Jerónimo presenta rodeado de sus discípulos escribir la "Vulgata" en el "scriptorium" de un monasterio, lo que representa un espacio que parece real, como si proceden de la vida. Los monjes ejemplificar el precepto de "ora et labora" (oración y trabajo), de acuerdo con las reglas de ciertas comunidades religiosas, como el orden benedictina.
En 1226, San Francisco de Asís tuvo una visión de un serafín (la más alta orden de los ángeles) con una imagen del Cristo crucificado en medio de sus seis alas, de las que milagrosamente recibió los estigmas - las heridas infligidas a Cristo durante la crucifixión. El Greco representa las heridas en las manos elegantes de Francisco, y la mirada paralizada del santo transmite el impacto espiritual de la experiencia.
Las descripciones de los acontecimientos que rodearon el nacimiento del niño Jesús eran muy populares en el siglo 17. La adoración de Cristo por los tres reyes fue un tema en particular me encantó. Los reyes son símbolos múltiples: las tres edades del hombre, las tres razas de la humanidad y el mundo tres continentes entonces conocidos. Melchor, con su piel blanca, representa a Europa, el Balthazar marrón, Asia y Gaspar, representado como un moro, África. El simbolismo es para ilustrar que Cristo se revela a toda la humanidad, jóvenes y viejos, y de todos los rincones de la tierra.
El retablo es una réplica del siglo 15 de la Anunciación famoso pintado por Simone Martini y Lippo Memmi en 1333 para la catedral de Siena, ahora conservado en los Uffizi. Aunque con las inevitables variaciones estilísticas, esta pieza constitues una página de inicio a la época dorada de la pintura sienesa, un ejemplo explícito de avivamiento dictada por razones tanto de devoción y estética.
Santiago Rebull (1857). ***siderado uno de los artistas mas prometedores de la academia de San Carlos, plasma el sacrificio de Isaac en Roma, idealizando el climax del tema biblico en donde logra atrapar en el preciso instante al angel que detiene de manera oportuna el brazo de Abraham antes de que le asestara la puñalada a su hijo, tal como se lo habia solicitado dios como muestra de fidelidad. Las delicadas tonalidades marmóreas de los cuerpos de Isaac y el angel ***trastan perfectamente *** el amarillo intenso del manto del patriarca y la frazada roja que cae al suelo desnudando al inocente joven que sera sometido al sacrificio. Los colores de tonos frios y azules tenues remarcan de manera prodiga la pintura.
Luis Juarez. en su obra "The Guardian Angel" pintura virreynal donde destaca la fisonomia del angel y un niño a su lado con la mirada dirigida al espectador, va vestido con elegancia y con una gorguera en el cuello y sombrero en la mano izquierda y parado sobre un orbe, eso lo ubica en un rago social elevado, quizas hijo de algun rey por el vinculo con el mundo. El paisaje destaca por la luz de la iluminacion divina que se situa del lado superior derecho y se obscurece hacia el lado iaquierdo, en donde se encuentra una mujer enjoyada con el torso desnudo, tal vez un anima del purgatorio a lado de un demonio con un instrumento en la mano. La postura del angel pareciera como si quisiera apartar al niño entre el bien y el mal, señalando al niño la luz que emana del cielo y evitarle el fuego del purgatorio.
The Appearance of the Virgin and Child to Saint Francis. (Jose Juarez) Una representacion que narra en que el humilde San Francisco, hincado sobre el suelo recibe al niño Jesus, quien es entregado con absoluta confianza por la madre. La virgen porta una tunica rosa y un manto sostenido por un lujoso broche. Los numerosos angeles de porte gallardo crean un bullicioso marco para la escena central, las flores esparcidas por el suelo sirven para destacar la presencia del niño donante. El pequeño que se encuentra en el suelo sostien un cartel con la inscripcion " A devocion de mi padre Alonso Gomez"
Escritos nos llevan a creer que este retablo colgado en el Pauluskapel Petrus-en la Janskerk St en Den Bosch. Scorel desarrollado algunos de sus azul púrpura mediante la aplicación de una capa de ultramarino a una capa opaca de color rosa. Hasta la fecha esta técnica de capas sólo se ha encontrado en la pintura italiana. Scorel probablemente fue introducido por primera vez a esta técnica en el estudio de Rafael. Debe de haber traído el brillante azul ultramar (lapislázuli) de regreso de Venecia.
La Cruz presenta dinámicas storiettes laterales de la Pasión de Cristo, en la cual los Pacientes Christus con su cuerpo profundamente afligido y dolorido, recuerda el trabajo del estilo bizantino de Giunta Pisano pero como en una manuscritos iluminados. En los tramos finales de la cruz: en la parte superior de la Asunción de la Virgen, con una bendición de Dios, a la izquierda de la Virgen y la Magdalena, a la derecha las tres Marias.
En 1518, Jan van Scorel Utrecht dejado de viajar a Italia, pasando por Alemania y Austria. Desde Venecia se embarcó en una peregrinación a Jerusalén. Allí hizo dibujos a pluma que luego utilizan para la vista de Jerusalén, en el panel central de este tríptico. En 1522 Scorel estableció en Roma, donde el papa Adrian Utrechter Florisz Boeyens (1459-1523) lo nombró para suceder a Rafael (1483-1520) como "conservador" de los tesoros artísticos del Vaticano. Después de la muerte del Papa en 1523, Scorel regresó a Utrecht. Según su biógrafo Karel van Mander se instaló con Herman van Lokhorst, diácono de la iglesia de St-Salvator y canónigo de la iglesia catedral.
El sacramento del Orden es de la primera serie de Poussin que representa cada uno de los siete sacramentos, que es uno de los grupos más famosos de la pintura de toda la historia del arte. El conjunto fue encargado en la década de 1630 a mediados y finales de uno de los amigos más cercanos de Poussin y mecenas, el coleccionista y anticuario romano Cassiano dal Pozzo, secretario del cardenal Francesco Barberini.
La pintura formaba parte de un conjunto dado cuenta por el Orador de la Santa Cruz en Asciano, y luego se trasladó a principios del siglo XVIII a la del Santo Clavo. La obra nos muestra la intención del artista en ofrecer una interpretación apasionada y expresiva de las figuras intensamente sin someterse a los convencionalismos, como el lánguido Agatha San abrazando la cruz de una manera casi voluptuos, envuelto en su túnica cortesana elegante de. Tenga en cuenta, en el fondo, el bit de la ciudad y el jinete rendido por Mei con el gran estilo de un ilustrador, recordando ejemplos de Callot.
Guercino fue uno de los pintores más importantes del siglo XVII. Este trabajo recientemente redescubierto data del período inicial, más raro, y más deseable del artista, cuando era aclamado por el poder emocional de sus composiciones, con figuras realistas intensificadas por una gama de colores ricos y fuertes efectos de luz. Guercino representa un episodio del Evangelio de Juan (4:5-42).
Painted in Rome, this tondo (circular painting) of the Virgin and Child employs a rare motif of flanking candelabra that was derived from representations of ancient Roman emperors. Through this reference to the rulers of antiquity, Raphael alludes to Christ's and Mary's roles as the king and queen of Heaven. Raphael was famed for his graceful style. which combined the study of classical sculpture and nature. The chiaroscuro effects (modeling in light and shade) and gentle coloring give the figures a soft, delicate appearance.
The scene depicts St John the Baptist meditating alone in the middle of nature. In the exuberant landscape, the painter inserts strange geological formations, and animal and plant species made up by himself. The weird plant that is growing next to the saint is covering the figure of a person praying, who is, without doubt, the person who commissioned the painting.
La obra, en su tamaño monumental, es un extraordinario bautismo de Constantino desde el altar dedicado a San Silvestro en la Catedral de Colle di Val d'Elsa, a finales de los caravaggio-esque pintor Giovanni Antonio Galli conocida como "lo Spadarino". Aquí el artista llevó estilo realista de Merisi en la nueva monumentalidad barroca clasicista.
La pintura formaba parte de un conjunto dado cuenta por el Orador de la Santa Cruz en Asciano, y luego se trasladó a principios del siglo XVIII a la del Santo Clavo. La obra nos muestra la intención del artista en ofrecer una interpretación apasionada y expresiva de las figuras intensamente sin someterse a los convencionalismos, como el lánguido Agatha San abrazando la cruz de una manera casi voluptuos, envuelto en su túnica cortesana elegante de. Tenga en cuenta, en el fondo, el bit de la ciudad y el jinete rendido por Mei con el gran estilo de un ilustrador, recordando ejemplos de Callot.
Asunción del Greco de la Virgen fue el elemento central en su primer encargo importante españolas, un conjunto de cuadros para la iglesia del convento cisterciense de Santo Domingo el Antiguo de Toledo. Situado en el centro de la planta baja de un retablo enorme que llenó el final del santuario, la Asunción estaba flanqueada por las pinturas de santos individuales y coronado por una representación de la Trinidad. Altares laterales con imágenes de la Resurrección y la Adoración de los Pastores completado el complejo.
Asunción del Greco de la Virgen fue el elemento central de su primera gran españoles de los tapices italianos muy pocos sobreviven desde antes de la década de 1540, La Anunciación representa el arcángel Gabriel anunció a la Virgen María que dará a luz al hijo de Dios. Este es uno de los eventos más sagrados de la fe cristiana, ya que es el comienzo de la vida de Cristo y la Encarnación del Verbo.
This is the first known painting by Michelangelo, described by his earliest biographers and believed to have been painted when he was twelve or thirteen years old. Although Michelangelo considered himself first and foremost a sculptor, he received his early training as a painter, in the workshop of Domenico Ghirlandaio (c. 1449–1494), a leading master in Florence. Michelangelo’s earliest biographers, Giorgio Vasari and Ascanio Condivi, tell us that, aside from some drawings, his first work was a painted copy of the engraving Saint Anthony Tormented by Demons by the fifteenth-century German master Martin Schongauer.
Duccio fue el pintor sienés preeminente en los primeros años del siglo XIV. Él infunde el estilo bizantino predominante con un modo narrativo más naturalista. La pintura Kimbell originalmente formaba parte del retablo conocido como la Maestà (SM), hizo para el altar mayor de la catedral de Siena. La Maestà fue uno de los retablos más bellos y complejos jamás realizados. Unos cinco metros de altura, que fue pintado en ambos lados, el frente representa a la Virgen con el Niño en el trono con los santos y los episodios posteriores muestran a partir de la vida de Cristo.
Según la tradición cristiana, después de ***ocer a Cristo, María Magdalena se arrepintió de sus malos caminos antiguos. *** su piel de marfil y dorado cabello largo, la bella Magdalena vuelve la mirada hacia el cielo. Su cruz y el cráneo dejar claro que ella es la meditación sobre la brevedad de la vida y la salvación hecha posible por la muerte de Cristo. Reni creado un estilo clásico idealizado, así como la influencia de la escultura antigua y por el artista renacentista Rafael (1483-1520).
En este panel por el joven Giovanni di Matteo, la elegancia renacentista de la Virgen de rostro perlado es exaltado por el cielo azul atada con nubes delgadas. Una vez insertado en un altar barroco complejo en la iglesia de Percenna, en las cercanías de Buonconvento, es una de las obras más frescos y más preciado del pintor sienés, aquí el estudio de detalles particularmente rayo.
La escena se describe en una solución sintética, casi escultórico, con un efecto muy trágico y teatral. Los tres personajes principales ocupar "el escenario" horizontalmente: el asesino se está volviendo agresivamente en la madre, que lo mira con una mirada frightend y enojado. Los músculos de su antebrazo se estiran para captar la pierna del bebé que llora. El entorno, el interés por refleting anticuario, es intencionadamente desnudo por hacer hincapié en la dramática escena.
Aunque el arte de Manet Eduoard se basaba a menudo en las referencias a la historia del arte, sus súbditos-parques, cafeterías, pistas de carreras, eran por lo general bastante moderno. Jesús escarnecido por los soldados representa una incursión en la imaginería religiosa que era raro que Manet (y para sus pares en la vanguardia francesa). Su tema, la escala heroica, y los colores oscuros se relacionaba con pinturas de grandes maestros. Su tratamiento, sin embargo, refleja la audacia habitual de Manet, su desprecio de la convención.
Bendición de Bellini Cristo retrata vívidamente el misterio central de la fe cristiana: la encarnación, cuando Cristo - plenamente humano y plenamente divino - fue enviado a la tierra para redimir a la humanidad. Para una mayor inmediatez, la imagen devocional se acerca a la superficie del cuadro como el Salvador resucitado se enfrenta al adorador con una mirada de nivel. Levanta la mano derecha en señal de bendición, y con sus empuñaduras izquierda el personal brillante rojo de la bandera de la Resurrección (la bandera blanca con una cruz roja, que indica su triunfo sobre la muerte, está fuera de vista).
El evangelista Lucas registró que el nacimiento de Cristo fue anunciado a los pastores, que luego fueron a Belén para encontrar al bebé, pero su Evangelio no dice que ellos adoraban a Jesús. Esta interpretación fue introducida por San Francisco de Asís, que hizo hincapié en que las buenas nuevas se reveló por primera vez a los pastores para significar la importancia de los pobres en el plan de Dios, sino que seguía siendo importante para las enseñanzas de la orden religiosa franciscana, fundada por San Francis. Bernardo Strozzi, un miembro de una rama de la reforma de los franciscanos, la pobreza sugiere estos pastores a través de su apariencia y su humilde regalo.
Este panel impresionante de la iglesia de la ciudad de San Francesco, en representación de la Virgen de la Misericordia y de los Santos Sebastián y Bernardino de Siena, figuras que el artista Luca Signorelli perfila con solidez escultural probablemente en el mismo período de los frescos de la Capilla de San Brizio en Orvieto , su obra maestra indiscussed. Algunos calidad inferior de la pintura puede sugerir la presencia de algún alumno en el taller, incluso la mala conservación no pudo evitar una lectura correcta, sin embargo aquí se puede rastrear todo el estilo influir en Signorelli: en el dibujo de la tradición florentina, los estudios volumétricos de Verrocchio, Ghirlandaio, Francesco di Giorgio, y por supuesto la experiencia romana.
Esta representación de Cristo crucificado fue retirado del centro de una obra mucho más grande, el Retablo de la Crucifixión encargado por el duque Felipe Bold, de Borgoña, en la Cartuja de Champmol fuera de Dijon. Fundada como el lugar de enterramiento dinástica, este monasterio albergaba extraordinarios tesoros artísticos realizados por los duques, que mandó que de territorios ricos en Flandes y este de Francia.
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